En este artículo, te explico qué son el significado y el significante en lingüística y semiología, la relación entre ambos y cuáles son las características de cada uno.
¿Qué son el significado y el significante?
Enlingüísticaysemiología, se conoce comosignificadoy significante alas dos partes que componen elsigno lingüístico, de acuerdo a la visión expresada por el lingüista y filósofo suizo Ferdinand de Saussure (1857-1913) en su célebreCurso de lingüística generalpublicado en 1916.
Según esta visión, significado y significante forman una dicotomía, es decir, no pueden existir el uno sin el otro, como las dos caras de una hoja de papel. Por un lado, el significado es elconcepto, laideao referente mental que deseamos transmitir mediante ellenguaje; mientras que el significante es la huella mental que tenemos delsonidocon el que dicho referente debe asociarse. Dicho de otra manera,el significado es el contenido y el significante es la forma.
Supongamos que un niño pequeño señala con el dedo un árbol del parque. Su padre de inmediato le dice la palabra “árbol”, para que la asocie a ese mismo referente. Esa secuencia exacta de sonidos (“á-r-b-o-l”) es percibida por los oídos del niño y memorizada, formándose así la huella psíquica del sonido (una especie de grabación mental, o sea, el significante).
De ese modo, el niño asocia esa secuencia de sonidos a la idea de un árbol (el concepto abstracto, o sea, el significado). En adelante, el niño podrá decirle a su padre que mire el árbol en el parque, sin necesidad de señalárselo con el dedo. De esta manera opera el signo lingüístico.
Significado y significante en el lenguaje visual
El lenguaje visual es aquel queutiliza formas, figuras y elementos visuales diferentes a la palabra escrita con el propósito de comunicar unmensaje. Al igual que todos loslenguajes, está compuesto por signos ysímbolos, pero estos son de tipono verbal, es decir, consisten en imágenes y emblemas que deben ser interpretados visualmente.
Al igual que otros tipos de lenguaje, el visualse fundamenta ensignos, que están compuestos por dos aspectos fundamentales:
Un significanteque se corresponde con los elementos visuales (como forma, color, etcétera).
Unsignificadoque se corresponde con el mensaje que se desea transmitir mediante dichos elementos. En ese sentido, el lenguaje visual no es muy distinto del verbal.
De hecho, para el ser humano los lenguajes visuales son tan importantes como el lenguaje verbal, ya que le permiten comunicar un mensaje específico incluso en situaciones en que es imposible el entendimiento verbal, ya sea por ausencia del interlocutor o discrepancia de idiomas. Un claro ejemplo de esto son los íconos que identifican los baños de damas y caballeros, los cuales resultan claramente identificables incluso para un extranjero.
Esto permite al lenguaje visual formar parte importante de distintas actividades comunicativas, desde lasbellas arteshasta lapublicidady elmarketing. Es estudiado formalmente por diversas disciplinas académicas, como el diseño gráfico, la comunicación social y lapsicología.
La relación entre significado y significante
Las relaciones que hay entre significado y significante no siempre son idénticas, y el lenguaje permite cierto margen deambigüedady de creatividad a la hora de utilizar laspalabras. Así,algunos significados pueden tener más de un significante, o un mismo significante tener distintos significados.
Pensemos en lo que ocurre con el significante “banco”, por ejemplo, que remite a dos significados distintos: el banco de la plaza y el banco del dinero. O pensemos en los múltiples términos con que podemos referirnos a una pelota: bola, balón, pelotita, por ejemplo. Esto último es posible debido a que la relación entre significados y significantes es de tipo arbitraria, o sea, convencional, artificial, no responde a ningún principio natural o espontáneo.
Dicho de otro modo, no existe ninguna razón por la cual al signo “a” le corresponde el sonido /a/, ni existe razón alguna por la cual le digamos al “árbol” de esa manera, como no sea la propia historia de nuestroidioma. Es por eso, también, que un mismo concepto puede expresarse de maneras diferentes en distintos idiomas, por ejemplo:árbol,tree,albero,baum,arbre.
Eso no quiere decir, no obstante, que los individuos puedan llamar a las cosas como se les antoje. La lengua es unfenómeno social, cuyas reglas sirven para que la gente pueda entenderse, y para ello es necesario que exista cierto consenso. Saussure explica este fenómeno afirmando que la relación entre significado y significante es, al mismo tiempo, mutable e inmutable, o sea, variable e invariable:
Es mutable o variable solo con el paso del tiempo, ya que la lengua evoluciona y a las cosas se les va llamando de otras maneras, o simplemente van surgiendo nuevas cosas y nuevas relaciones que ameritan nuevos nombres. Si revisamos la historia de la lengua española, por ejemplo, veremos que el vocablofablaracabó convirtiéndose en nuestro modernohablar. O sea, el significante varió con el tiempo, pero el significado sigue siendo exactamente el mismo. En cambio, la aparición en nuestro idioma del verbo “imprimir” es fruto de la invención de la impresora, de modo que ni el significante ni el significado existían con anterioridad.
Es inmutable o invariable en un momento dado del tiempo, ya que el acuerdo existente entre las personas para llamar a las cosas de una misma manera nos impide que un día decidamos llamar al árbol “perro” y al perro “árbol”: nadie nos entendería. De ese modo, la asociación entre un significante y un significado se resiste a nuestro deseo, pues no podemos obligar a todo el mundo a cambiar el uso de las palabras.
Características del significado
El significado o concepto se caracteriza por lo siguiente:
Es un concepto mental, o sea, es abstracto, pertenece al reino de las ideas, y se forma a partir de los referentes reales o imaginarios de las cosas: el significado “árbol” remite a esas plantas altas de tronco rugoso y fuerte que vemos en el parque.
Es universal, ya que sirve como categoría para abarcar un conjunto de referentes distintos pero similares. No todos los árboles son idénticos, por ejemplo, pero todos encajan en el concepto de “árbol” porque tienen ciertos rasgos mínimos comunes. Y, similarmente, todos tenemos un concepto de “árbol”, sin importar el lenguaje que hablemos.
Tiene límites difusos, o sea, tiene puntos de encuentro y contacto con otros significados. Por ejemplo, sabemos que “perro”, “caniche”, “mastín” o “dogo” son conceptos parcialmente diferentes entre sí, pero todos constituyen variaciones del concepto “perro”.
Remite al contenido, es decir, a aquello que deseamos evocar en la mente de la persona con la que nos comunicamos.
Características del significante
El significante o imagen acústica se caracteriza por lo siguiente:
Es una huella acústica, o sea, un eco mental del sonido (físico, material) del habla, de modo que tiende a lo concreto más que a lo abstracto. Se forma a partir de los sonidos que componen el habla: “á-r-b-o-l”.
Es particular, ya que un significante es una forma específica de asociar sonidos para invocar un significado determinado. No es lo mismo decir “pelota” que decir “balón” o “bola”, aunque todas estas formas específicas remitan a un mismo concepto.
Tiene estructura lineal, o sea, tiene una secuencia fija y determinada, ya que los sonidos del habla se pronuncian uno a la vez: no es igual el significante “árbol” que “álobr” o “ablorá”, aunque tengan exactamente los mismos sonidos, porque su ordenamiento es vital para transmitir el significado.
Remite a la forma, es decir, a la manera específica en que transmitimos un significado a los demás.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Semiótica: qué es y cómo se relaciona con la comunicación
La semiótica, también conocida como semiología o teoría de los signos, es el estudio de cómo utilizamos los signos para crear y transmitir sentidos y significados mientras nos comunicamos.
Es una teoría que ha tenido repercusiones importantes en las ciencias humanas y sociales porque nos ha ayudado a comprender de manera profunda nuestra comunicación, las interacciones que establecemos, así como algunos elementos de los contextos donde nos desarrollamos.
A continuación repasamos de manera general qué es la semiótica, cuáles son algunos de sus antecedentes y los efectos que ha tenido en las ciencias sociales y humanas.
La semiótica es la disciplina científica que se encarga de estudiar los signos y las formas en que se construye y se transmite el sentido durante la comunicación. Forma parte de las teorías de lenguaje, donde el signo se define como la unidad mínima de una oración; un elemento (objeto, fenómeno, señal) que se utiliza para representar o sustituir a otro que no está presente; con lo cual, el signo es un elemento cargado de significados.
Para estudiar esto, la semiótica se divide en tres ramas principales: la semántica, la pragmática y la sintáctica. Entre sus antecedentes se encuentra la teoría de los signos de Saussure, que también es conocida como semiología.
De hecho, el término semiología viene del griego “semeion” que significa signo. Sus antecedentes pueden encontrarse en el campo de la filosofía atomista, y también en el siglo XVII, cuando John Locke habló de la semiotiké como una ciencia o un conjunto de principios para explicar los signos.
En el mismo siglo, el filósofo alemán Johann Lambert escribió un tratado donde abordaba el mismo tema, ya bajo el concepto de semiótica. No obstante, el antecedente más reconocido de esta disciplina viene del siglo XX y de los estudios de Ferdinand de Saussure y Charles Sanders Peirce.
Como cualquier otra disciplina, la semiótica ha pasado por distintas etapas y se ha transformado de acuerdo con diferentes corrientes filosóficas y científicas. Zecchetto (2002), habla de tres generaciones de la semiótica: la primera de ellas surge aproximadamente en 1950 y se caracterizaba por el pensamiento estructuralista; la segunda, en 1970, tiene un enfoque que se mueve hacia el postestructuralismo; y en la tercera, sobre 1980, surge la pregunta por la interacción entre el texto y el interlocutor, por lo que se trata de un paradigma interaccionista.
Aunque la respuesta depende en gran medida de a qué autor se le pregunte, en general son términos que se utilizan de manera indistinta.
No obstante, hay quienes defienden que la semiología es la descripción teórica de los sistemas simbólicos en general; y la semiótica se refiere al estudio de los sistemas particulares, por ejemplo, las imágenes, las modas, el cine, la publicidad, entre otros.
A nivel formal, y especialmente desde 1969 que se institucionalizó la Asociación Internacional de Estudios Semióticos (IASS por sus siglas en inglés), se reconoce un solo término: semiótica; para abarcar los dos tipos de estudio que hemos mencionado.
Más allá del texto: semiótica de la imagen
Los seres humanos nos comunicamos por medio de casi todas (si no es que todas) las cosas que hacemos: lo que decimos y lo que no; a través de nuestros movimientos, gestos o posturas, e incluso por medio de herramientas más complejas que involucran a nuestros sentidos, como la publicidad, el cine, la música, etc.
Por eso, la semiótica es una ciencia que tiene más de un método: puede investigar el significado que se construye y se transmite no solo mediante el lenguaje oral o el lenguaje escrito, sino que puede analizar, por ejemplo, un cartel publicitario y sus elementos (el cómo se estructura y se utiliza su lenguaje, las imágenes o las formas estéticas), y de esta manera comprender cuál es el sentido, el significado e incluso el efecto o la relación que se busca establecer con los receptores.
Su importancia en las ciencias sociales
La semiótica ha tenido una repercusión importante tanto en los estudios del lenguaje y la comunicación humana, como en la comprensión de los fenómenos psicológicos y sociales que se generan a través de esa comunicación.
Por eso es que la semiótica se relaciona de manera significativa con el problema del conocimiento, y con el modo por medio del cual los signos nos permiten llegar a él. En otras palabras, la semiótica, el estudio de los signos, nos ofrece un punto de vista sobre la realidad, y sobre el modo en que las cosas adquieren y transmiten un significado, lo que ha sido especialmente útil para extender los alcances de las ciencias humanas.
Algunas de sus críticas giran en torno a que la semiótica es una disciplina que trata de abarcar demasiadas cosas, con lo cual sus métodos se vuelven difusos y en ocasiones difíciles de justificar por medio de los métodos científicos tradicionales.
¿Qué es la semiótica visual?
Toda imagen transmite un mensaje que debe ser interpretado. Aquí es cuando entra en juego la semiótica. Esta disciplina ayuda a estudiar los signos y su análisis, dando una explicación de cómo percibe el ser humano, todo lo que le rodea y qué significado le da. La semiótica visual entra dentro de este fundamento, ya que nos permite dar sentido a una representación gracias a una composición de signos y elementos.
Es decir, nos ayuda a comprender qué es lo que estamos viendo (ya sea una escultura, una pintura, una fotografía o una expresión facial). De ahí radica su importancia.
¿Qué es la semiótica visual?
Antes que nada, debemos recordar, que la comunicación visual es una forma por la que transmitimos ideas que se perciben por la vista. Dentro del medio, podemos encontrar los elementos bidimensionales o recursos que se usan para que el mensaje pueda ser comprendido de manera correcta. Un ejemplo podría ser la tipografía, el dibujo o el color, entre otros muchos.
De este modo, la semiótica visual nos permite interpretar objetos, imágenes y expresiones para comprender la idea. De igual forma, nos da las herramientas necesarias que analizan las ilustraciones, fotografías, pinturas, etc., para que las personas comprendan mejor el mensaje de manera visual. Es más, la semiótica visual es un instrumento para los comunicadores y publicistas, que la utilizamos para que nuestros mensajes publicitarios pueda ser entendidos correctamente.
¿Dónde se aplica la semiótica visual?
Como ya se ha señalado, la semiótica visual forma parte de la semiología y se basa en la interpretación y estudio de gestos, imágenes y objetos para comprender una idea de lo que se está visualizando. Dentro de la semiótica visual, podemos encontrar diferentes campos como son:
Señales de tránsito (preventivas, informativas y reglamentarias).
Señales de movimiento y acción.
Vallas publicitarias.
Lenguaje de señas.
Obras de arte (arquitectura, pintura, etc.).
Imágenes en general.
Los seres humanos nos comunicamos por medio de todo lo que hacemos, usando tanto el lenguaje oral, escrito, visual, etc. realizando movimientos, gestos o posturas e, incluso, herramientas más complejas que involucran el cine, la música, la publicidad, etc.
Por eso, podemos encontrar que la semiótica es una ciencia que dispone de más de un método. Es decir, puede investigar el significado construido y comunicado, ya sea mediante lenguaje oral o escrito, así como analizar elementos visuales como son un cartel publicitario y sus elementos (estructura, uso del lenguaje, imágenes y formas estéticas). De esta forma, se comprende el sentido, el significado y el efecto que se busca en los receptores.
Cuando los diseñadores desean crear proyectos con mensajes significativos para capturar la imaginación de los espectadores, confían en usar los recursos que ofrece la comunicación visual. Por ejemplo, los signos visuales pueden transmitir un potente significado que se entiende e interpreta por distintas culturas o sociedades de la misma manera, siempre y cuando compartan los mismos códigos de lenguaje visual.
De este modo, aprender la diferencia entre el significante y el significado, así como aplicar los signos visuales, ayuda a los diseñadores a ser capaces de crear mensajes connotativos con gran impacto.
Y, de este modo, la comunicación visual o de la imagen se convierte en un elemento de vital importancia para los diseñadores que, aparte de crear sus proyectos, han de ser capaces de transmitir un mensaje que consiga llegar al receptor.
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El poeta William Wordsworth una vez escribió: “El mundo ya es demasiado con nosotros.” Si esto era cierto en los siglos XVIII y XIX que la vida se centraba en el campo, época cuando Wordsworth vivía, lo es aún más hoy en día, en que algunos artefactos vienen acompañados de un manual de instrucciones de 100 páginas, muchas veces incomprensible. Por ello, simplificarles la vida a las personas con nuestros productos y servicios es un camino asegurado de éxito comercial para nuestras marcas, si lo conseguimos, nuestros clientes nos querrán por siempre.
En 2006 John Maeda escribió el libro The Laws of Simplicity (Las leyes de la simplicidad). Este texto describe 10 leyes y 3 claves a seguir para que el diseño, la tecnología, los negocios o incluso la vida sean lo más simple posible. Claro que, para Maena estas leyes no existen en un sentido absoluto y afirma que se pueden infringir porque al final lo que pretenden es ayudar a encontrar la simplicidad en esos campos.
Antes de leer el libro, es muy importante entender el contexto de cuando se escribe, es un momento en el que las industrias son ajenas a la tecnología y el software y usan el concepto de simplicidadcomo un argumento de marketing constante. Sin embargo, en el mundo IT (information technology) parecía impensable dar menos funcionalidades y cobrar más. Ahora bien, el éxito del iPod, por ejemplo, que ofrecía menos prestaciones que otros reproductores de música por mucho más precio y la consolidación de Google como buscador demuestran que también aquí hay oportunidad para lo simple.
Finalmente, un punto a tener en cuenta es que si bien la traducción literal desimplicityessimplicidady si bien en el libro se habla constantemente de lo simple y no de lo fácil, hay que entender lo simple y la simplicidad como algo positivo, como sencillo y sencillez más que como simpleza.
Teniendo claro todo lo anterior podemos pasar a conocer las 10 leyes de la simplicidad:
Reducir
The simplest way to achieve simplicity is through thoughtful reduction.
Como dice la frase anterior,la manera más simple de conseguir la simplicidad es a través de una reducción concienzuda. Quitar características sería fácil si no tuviéramos en cuenta que la idea de un producto es aportar soluciones. Por ello es importante pensar meditadamente qué es más valioso para el usuario, ¿la facilidad de uso o aportar más cosas? Siempre se podrán eliminar características que penalicen poco y cuando terminemos podremos pasar al método SHE del autor que consiste enRetraer(hacer más pequeño y / o más ligero),Esconder(ocultar características secundarias) yEncarnar(parecer caro al poner en valor la simpleza).
Organizar
Organization makes a system of many appear fewer.
La frase anterior indica que la organización consigue que un sistema de muchos parezca de pocos. Para ello es importante organizar bien el contenido y que pocos grupos aglutinen muchos objetos. La organización aporta estructura al caos y nos simplifica la vida pero conseguirlo no es fácil. En consecuencia, el autor propone el método SLIP (Sort, Label, Integrate, Prioritize). Esto esClasificarlos objetos por grupos similares,Etiquetarloscon nombres relevantes,Integrargrupos dentro de otros yPriorizarlos grupos más relevantes.
Tiempo
Savings in time feel like simplicity.
En español,los ahorros de tiempo se perciben como simplicidad. Aunque a veces la espera es sutil y no nos damos cuenta, muchas veces no lo es y la percibimos como una complejidad innecesaria. Por el contrario, sentimos que las interacciones fluidas y los tiempos de respuesta cortos son eficiencias fruto de la simplicidad. Para conseguirlo, Maena vuelve a proponer el método SHE (Shrink, Hide, Embody). En este casoReducir el tiempode los procesos anticipando pasos, Ocultar o más biendisimular el paso del tiempoy finalmente Encarnar oaparentar que todo va correctamentey la espera merece la pena.
Aprender
Knowledge makes everything simpler.
El conocimiento hace las cosas más simples. Tanto es así que saber sobre algo parece convertirlo en algo básico y al revés cuando se desconoce. Sin embargo, aprender requiere tiempo. Eso para muchos es una pérdida de tiempo y desafía la 3a ley sobre reducir los tiempos. En cualquier caso el aprendizaje es un proceso que hay que pasar. Así que, aunque hay quien da recompensas como incentivos, el autor propone usar su método BRAIN (Basics, Repeat, Avoid, Inspire, Never) que consiste en comenzar por lo másbásico,repetircada parte hasta dominarla,evitardesesperarnos, encontrar algo que nosinspirey nos motive a aprender ynuncadejar de aprender.
Otra opción es el sistema Relate, Translate, Surprise que usó Xerox para integrar su GUI. Por un lado los usuarios se podían sentir identificados (relate), por otro podían traducir (translate) fácilmente los símbolos ya que eran metáformas entendibles. Finalmente como sorpresa (surprise) la usabilidad era “recompensada” con ciertas novedades.
Diferencias
Simplicity and complexity need each other.
La simplicidad y complejidad se necesitan. Según el libro «nadie quiere solo simpleza», ya que la complejidad crea contraste y permite identificar las cualidades deseadas antes de llegar a la simplicidad. Es entonces cuando la simplicidad destaca de verdad. Además, la unión de ambas crea un ritmo adecuado, que se puede lograr en el mismo objeto o en comparación con otros de la misma categoría.
Contexto
What lies in the periphery of simplicity is definitely not peripheral.
Lo que se halla en la periferia de la simplicidad definitivamente no es periféricoporque son los detalles del contexto los que marcan la diferencia del elemento principal. Igual que la ambientación nos hace percibir una misma comida de diferentes formas, eliminar los detalles de alrededor potencia la apreciación del elemento principal. Donde hay poco para sentir, cada pequeña sensación se amplifica. Por ello,la nada es algo muy importante.
Por otra parte, la importancia de la simplicidad y del espacio en blanco está en que nos impide perdernos aunque a veces perdernos puede ser emocionante. Por lo tanto, un punto de equilibrio puede ser bueno.
Emoción
More emotions are better than less
La conclusión del apartado sobre la emoción es quemás emociones son mejores que menosporque eso significa más cuidados, más amor y más acciones significantes. Preocuparse por un objeto es muestra de sentimientos por él y eso es a lo que debe aspirar la sencillez, diseñar productos por los que la gentesienta, se preocupe y cuidea lo largo del tiempo.
Si bien mucha gente considera que la simplicidad es fea, fría, sin personalidad y hace parecer barato, la simplicidad da sensación de fragilidad. Tanto es así, que las personas necesitamos revestir los objetos simples con por ejemplo fundas que los protejan y les apliquen nuestra personalidad y sentimientos.
Confianza
In simplicity we trust
Que confiamos en la simplicidad es una frase corta con mucho significado. Confiar en la simplicidad nos quita preocupaciones y nos gana tiempo.La confianza simplifica todo porque nos permite limitarnos a disfrutar.
¿Hasta qué punto podemos confiar? Cada uno debe decidir cuánto permite que el sistema le conozca y cuán tolerante es ante un probable error. Sin embargo, en términos generales un diseño exquisito nos hace bajar la guardia, transformar el miedo en seguridad y por tanto confiar en el sistema. Cosa que se facilita cuando hay opción de corregir las acciones.
Fracaso
Some things can never be made simple.
Ser conscientes de quealgunas cosas no pueden nunca hacerse simpleses una oportunidad parasimplificar aquello que sí podemos. También la complejidad puede ser bella. Además que no siempre sabemos qué es simple y qué complejo, hace falta un marco de referencia para poder apreciarlo. En cualquier caso, como se dice en el apartado sobre diferencias, la complejidad y la simplicidad se necesitan la una a la otra.
The one
Simplicity is about subtracting the obvious, and adding the meaningful.
La simplicidad consiste en quitar lo obvio y añadir lo significante.Lo predecible es un problema quedebe eliminarse.Lo impredecible sorprende, impacta y aporta valor.
Las 3 claves de la simplicidad
Más parece menos si lo llevamos muy lejos. Quizá no sea necesario quitar, basta con llevárselo suficientemente fuera para conseguir la simplicidad.
Ser abiertos simplifica la complejidad. Al ser abiertos podemos conseguir lo mismo con menos.
Usar menos, ganar más. Debemos pretender hacer más con menos en aras de la sostenibilidad
Conclusión
A pesar de su título, The Laws of Simplicity no es un compendio de normas invariables que debamos aplicar a rajatabla. Más bien se trata de una breve introducción a varios conceptos que convendrá analizar y desarrollar de un modo u otro según requieran las circunstancias. De hecho,la obra suscita más preguntas de las que respondey desde dicho punto de vista podemos considerar que cumple con su cometido: nos presenta aspectos de diseño que los usuarios pueden considerar beneficiosos o perjudiciales, más allá de que un producto logre satisfacer sus necesidades o no, einvita a que reflexionemosal respecto con el objetivo de dar con soluciones más apropiadas en un futuro.
La principal virtud del texto se halla en su razonamiento en torno a la naturaleza humana. Dado que el usuario o cliente es el elemento común a cualquier actividad de negocio,podremos extrapolar las enseñanzas de The Laws of Simplicity fácilmente de un ámbito a otro.
El autor mantiene una actitud honesta a lo largo de su discurso, mostrando las ventajas así como los inconvenientes de las ideas que presenta. Además, no tiene reparo en confesar que The Laws of Simplicity es una obra incompleta que podría seguir puliendo a lo largo de los años, pero que de otro modo nunca hubiese salido a la luz.
The Laws of Simplicity es un ensayo muy ameno e inspirador del que podemos extraer valiosas conclusiones tanto desde la perspectiva de usuario como de la de empresario. Creo que no hay razón para dejar pasar por alto un ensayo que se lee en unas horas y cuya idea de “lo bueno, si es simple, es dos veces bueno” se asienta en la mente con facilidad, y para bien.
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La sintaxis del lenguaje visual nos permite entender la forma en que se integran los elementos del alfabeto visual. Estas relaciones se establecen entre dos o más imágenes, por ejemplo, en cine o televisión, mediante la edición de secuencias; o dentro de una misma imagen, mediante la composición de piezas de diseño o publicidad.
PUNTO
Unidad visual mínima, señalizador y marcador del espacio. Es la unidad más simple, irreductiblemente mínima, de comunicación visual.
LÍNEA
Articulante fluido e infatigable de la forma, ya sea en la flexibilidad del objeto o en la rigidez del plano técnico. La línea puede definirse también como un punto en movimiento o como la historia del movimiento de un punto.
CONTORNO
Los contornos básicos como el círculo, el cuadrado, el triángulo y sus infinitas variantes, combinaciones y permutaciones dimensionales y planas. La línea describe un contorno. En la terminología de las artes visuales se dice que la línea articula la complejidad del contorno. Hay tres contornos básicos; el cuadrado, el círculo y el triángulo equilátero.
DIRECCIÓN
Canalizadora del movimiento que incorpora y refleja el carácter de los contornos básicos, la circular, la diagonal y la perpendicular. Todos los contornos básicos expresan tres direcciones visuales básicas y significativas: el cuadrado, la horizontal y la vertical. el triángulo, la diagonal, el círculo, la curva.
TONO
Presencia o ausencia de luz, gracias al cual vemos; el color, la textura, la dimensión y el movimiento. Los bordes en que la línea se usa para representar de modo aproximado o detallado, suelen aparecer en forma de yuxtaposición de tonos, es decir; de intensidades de oscuridad o claridad del objeto visto.
COLOR
Coordenada del tono con la añadidura del componente cromático. Elemento visual más emotivo y expresivo. El color está cargado de información y es una de las experiencias visuales más penetrantes que todos tenemos en común.
MATIZ / HUE
El matiz (hue) es el color mismo o croma, y hay más de cien. Cada matiz tiene características propias; los grupos o categorías de colores comparten efectos comunes. Hay tres matices primarios o elementales: amarillo, rojo, azul. Cada uno representa cualidades fundamentales. El amarillo es el color que se considera más próximo a la luz y el calor; el rojo es el más emocional y activo; el azul es pasivo y suave.
SATURACIÓN
Se refiere a la pureza de un color respecto al gris. El color saturado es simple, casi primitivo y ha sido siempre el favorito de los artistas populares y los niños. Carece de complicaciones y es muy explícito. Está compuesto de matices primarios y secundarios. Los colores menos saturados apuntan hacia una neutralidad cromática e incluso son sutiles y tranquilizadores.
BRILLO / BRIGHTNESS
La última dimensión del color es acromática y se refiere al brillo, que va de la luz a la oscuridad, es decir, al valor de las gradaciones tonales. Hay que subrayar que la presencia o ausencia de color no afecta al tono, que es constante
TEXTURA ÓPTICA O TÁCTIL
Carácter superficial de los materiales visuales. La textura es el elemento visual que sirve frecuentemente de «doble» de las cualidades de otro sentido, el tacto. La textura esta relacionada con la composición de una sustancia a través de variaciones diminutas en la superficie del material, debería servir como experiencia sensitiva y enriquecedora.
DIMENSIÓN
Cada una de las magnitudes que fijan la posición de un punto en un espacio. Una superficie tiene dos dimensiones: el largo y el ancho. La representación de la dimensión o representación volumétrica en formatos visuales bidimensionales depende también de la ilusión. La dimensión existe en el mundo real, no solo podemos sentirla sino verla con nuestra visión estereoscópica biocular.
MOVIMIENTO
Cambio de lugar o de posición de un cuerpo en el espacio. El elemento visual de movimiento como el de la dimensión, está presente en el modo visual con mucha más frecuencia de lo que se reconoce explícitamente. El movimiento es probablemente una de las fuerzas visuales más predominantes en la experiencia humana.
CONTRASTE
El contraste es, en el proceso de la articulación visual, una fuerza vital para la creación de un todo coherente. En todas las artes el contraste es una poderosa herramienta de expresión, el medio para intensificar el significado y, por tanto, para simplificar la comunicación.
Exageración
Espontaneidad
Acento
Asimetría
Inestabilidad
Fragmentación
Economía
Audacia
Transparencia
Variación
Complejidad
Distorsión
Profundo
Agudeza
Actividad
Aleatoriedad
irregularidad
Yuxtaposición
Angularidad
Representación
Verticalidad
ARMONÍA
Se sitúa como contraria del contraste, hay que señalar con gran énfasis que la importancia de los dos tiene una significancia más profunda en todo el proceso visual.
Reticencia
Predictibilidad
Neutralidad
Simetría
Equilibrio
Unidad
Profusión
Sutileza
Opacidad
Coherencia
Sencillez
Realismo
Plano
Difusión
Pasividad
Secuencialidad
Regularidad
Singularidad
Redondez
Abstracción
Horizontalidad
EQUILIBRIO
El equilibrio es, pues, la referencia visual más fuerte y firme del hombre, su base consciente e inconsciente para la formulación de juicios visuales.
TENSIÓN
La tensión o la ausencia de tensión es el primer factor compositivo que podemos usar sintácticamente en nuestra búsqueda de la alfabetidad visual.
NIVELACIÓN O AGUZAMIENTO
Armonía y estabilidad son polos de lo visualmente inesperado de lo generador de tensiones en la composición. Nivelación se peude definir como un punto armónico dentro de nuestra composición, dnando una sensación de equilibrio bastante obvia. El Aguzamiento consiste dar cierta excentricidad a la composición, pero manteniendo la sensación de equilibrio. Puede que algún componente no esté bien centrado, pero aún así no genera una sensación de inestabilidad en el diseño.
AMBIGUEDAD
Es totalmente indeseable desde un punto de vista de una sintaxis visual correcta. Hablamos de imágenes que crean en el cerebro más de una lectura. Al igual que en el lenguaje, las posibilidades de interpretación dependerán de que el receptor conozca el referente específico o tenga varios referentes posibles entre los cuales decidir.
PREFERENCIA POR EL ÁNGULO INFERIOR IZQUIERDO
La tensión visual puede maximizarse entre dos maneras: El ojo favorece la zona inferior izquierda de cualquier campo visual. Cuando lo que vemos se ajusta a nuestras expectativas del eje, a la base estabilizadora horizontal, al predominio del área izquierda sobre la derecha, y al de la mitad inferior del campo visual sobre la mitad superior, tenemos una composición nivelada y de tensión mínima.
ATRACCIÓN Y AGRUPAMIENTO
Es una condición visual que crea una circunstancia de toma y daca (dar o tomar una cosa a cambio de la acción contraria) de la interacción relativa.
POSITIVO Y NEGATIVO
Denota simplemente que haya elementos separados, pero unificados en todos los acontecimientos visuales. Presenta una intensa conexión con la secuencia de ver y absorber información.
PERSPECTIVA
Es el método de producir muchos efectos visuales especiales de nuestro entorno natural, para representar la tridimensionalidad que vemos en una forma gráfica bidimensional.
ESCALA O PROPORCIÓN
Tamaño relativo y medición. Todos los elementos visuales tienen capacidad para modificar y definirse unos a otros. Este proceso es en sí mismo el elemento llamado escala.
SECCIÓN ÁUREA
Existen fórmulas proporcionales sobre las que basar una escala; la más famosa es la «sección áurea» de los griegos. Se trata de una fórmula matemática de gran elegancia visual. Se obtiene bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus mitades como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en «rectángulo áureo»
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Psicología del color: el significado de los colores
¿Cuál es el significado de cada color y en qué ámbitos se aplica la Psicología cromática?
La psicología del color es un campo de estudio que está dirigido a analizar cómo percibimos y nos comportamos ante distintos colores, así como las emociones que suscitan en nosotros dichos tonos.
Hay ciertos aspectos subjetivos en la psicología del color, por lo que no hay que olvidar que pueden existir ciertas variaciones en la interpretación y el significado entre culturas. A pesar de todo, hay ciertos principios aceptados que vamos a repasar en este artículo y que se aplican fundamentalmente a las sociedades occidentales.
Psicología del color: influencia en las emociones y el estado mental
¿Sabías que los colores de tu alrededor pueden estar influenciando tus emociones y tu estado mental? ¿Sabías que ciertas tonalidades pueden irritarte o, por el contrario, relajarte y calmarte? Pues debes saber que los colores que te rodean sí que pueden tener un efecto en ti.
Esta afirmación no es nueva. De hecho, muchas empresas diseñan sus logos teniendo en cuenta los colores que emplean, pues de esta manera envían un mensaje u otro al consumidor. Cuando se decora una tienda también se valora qué colores se emplean, pues es casi una necesidad que la gente sienta el deseo de comprar cuando está en el local. Pero no solo se utiliza la psicología del color para sacar un beneficio económico.
En la arteterapia, el color se asocia a las emociones de la persona y es una manera de influenciar el estado físico y mental del paciente. Por ejemplo, los estudios han demostrado que el rojo aumenta el ritmo cardíaco, lo que, a su vez, provoca un aumento de adrenalina y hace que los individuos se sientan enérgicos y entusiasmados.
¿Por qué los colores influyen en nuestra mente y comportamiento?
El modo en el que los colores nos inducen a experimentar determinadas sensaciones y a adoptar ciertas actitudes tiene dos tipos de causas: las biológicas, por un lado, y las culturales, por el otro.
En lo que respecta en los aspectos biológicos de este fenómeno, la Psicología del color es una realidad más allá de la especie humana: en la naturaleza, la percepción de colores influye en la conducta de muchos animales. Por ejemplo, algunos reptiles del grupo de los eslizones ahuyentan a sus depredadores mostrando su lengua, de color azul oscuro, ya que el resto de especies lo ven como una señal de enfermedad. Por otro lado, las combinaciones con colores rojos y amarillos son vistas como una señal de peligro, y muchas especies las usan a modo de advertencia (e incluso hay otras totalmente inofensivas que adoptan tonalidades parecidas para intentar parecer intimidantes).
En lo que respecta a los aspectos culturales, prácticamente todas las sociedades humanas asocian los colores a determinados conceptos para expresar ideas abstractas, algo normal si tenemos en cuenta que nos es difícil utilizar pigmentos para crear pinturas corporales, dibujos sobre todo tipo de soportes, etc. Y, por otro lado, el Homo sapiens es una especie muy visual, y con una gran capacidad para percibir muchos colores (la mayoría de mamíferos y reptiles perciben muchos menos).
La psicología del color en la vida cotidiana
Y es que no suena nada rara la afirmación de que los colores provocan un efecto emocional en nosotros. De hecho, forma parte de nuestro lenguaje cotidiano. En otras palabras, es común hablar de colores cálidos, como el rojo, el amarillo o el naranja, que pueden suscitar distintas reacciones, desde positivas (calidez) o negativas (hostilidad y enfado).
O, por contra,también solemos hablar de colores fríos, como el verde o el azul, que suelen provocar una sensación de calma pero también tristeza.
Ya que todos estamos familiarizados con estos conceptos, la psicología del color se emplea en la vida cotidiana. Por ejemplo, cuando pintas tu casa y consideras qué colores quieres para tu hogar porque vas a pasar muchas horas allí dentro.
Cuando haces eso, sueles tener en cuenta cómo te harán sentir las diferentes tonalidades: ¿un gris elegante para el salón? ¿una cocina verde que se asocie a la primavera y la frescura? A lo mejor te gusta el yoga y la meditación y quieres una habitación blanca porque sabes que tiene un efecto relajante. Esto son solo algunos ejemplos de cómo empleamos la psicología del color casi sin darnos cuenta.
Marketing emocional y psicológica de los colores
Tal vez el área en el que más se aplique la psicología del color es en marketing. Es habitual creer que las decisiones que tomamos a la hora de comprar se basan en un análisis racional, pero, en muchas ocasiones, nuestra emociones son las que deciden por nosotros.
Desde hace un tiempo. y en cuanto a la toma de decisiones se refiere, incluso la neurociencia moderna se había centrado sólo en los aspectos cognitivos del cerebro, olvidando las emociones. Todo esto cambió con el libro de Antonio Damasio llamado “El error de Descartes”. Un texto de psicología altamente recomendado que aporta evidencia científica sobre la importancia de las emociones en nuestras decisiones.
¿Y cómo llegamos al corazón del cliente? Pues a través de los sentidos, básicamente gracias al oído y la vista. Por eso, cuando entras a una tienda de moda suena música enérgica y puedes apreciar un decorado y un colorido te dice: “compra, compra, compra”. Según Color Marketing Group, una compañía especializada en el uso de los colores, casi el 85% de las razones por las que una persona elige un producto sobre otro tiene que con la percepción del color.
La psicología del color también se aplica en el branding. ¿Sabías que el rojo estimula el apetito? Pues eso es así, según indican distintas investigaciones. Por lo que no es de extrañar que cadenas conocidas de comida rápida como Pollos Chuy, Pizza Hut y KFC empleen este color en sus logotipos e instalaciones.
El simbolismo de los colores y cómo éstos afectan a la mente humana
El simbolismo de los colores es un territorio ciertamente ambiguo y que, en ocasiones, no es del todo aceptado en el campo científico. Como ya se ha dicho, el color tiene muchas lecturas dependiendo del contexto del que se trate. No obstante, a continuación vamos a identificar los colores más importantes con sus significados más o menos aceptados (por lo menos en Occidente).
Blanco
En las culturas occidentales (y también en algunas orientales, como la hindú), el color blanco representa lo puro e inocente, así como la limpieza, la paz y la virtud. En culturas orientales y africanas es el color de la muerte: el alma pura que se va.
Ciudad de Sucre, Bolivia, también denominada “Ciudad Blanca”
Amarillo
El amarillo representa la luz y el oro. Suele relacionarse con la felicidad, la riqueza, el poder, la abundancia, la fuerza y la acción. No obstante, los investigadores lo consideran uno de los colores más ambiguos, pues también representa la envidia, la ira y la traición. La excesiva presencia de amarillo intenso puede llegar a irritar a una persona, ya que normalmente estamos acostumbrados a verlo en superficies relativamente pequeñas.
Árbol de Tajibos en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra.
Rojo
El rojo se asocia a la estimulación, la pasión, la fuerza, la revolución, la virilidad y el peligro. Probablemente, esto tenga mucho que ver con que el rojo es el color de la sangre, que también asociamos a cierta noción de vitalidad, agresividad y sensaciones extremas. Es uno de los colores con mayor consenso entre los expertos y, de hecho, vestir de este color nos lleva a comportarnos de un modo ligeramente más asertivo y extravertido.
Bandera de la Confederación Perú – Boliviana.
Naranja
El naranja se asocia a la creatividad, la juventud, el entusiasmo, la emoción y la acción. También puede relacionarse con la lujuria y la sensualidad, con lo divino y la exaltación. En el mundo del marketing político, se suele decir que el naranja es el color más optimista de todos, por lo menos en las sociedades occidentales.
Azul
El azul es el color del cielo y del agua, y representa la tranquilidad, la frescura y la inteligencia. En el mundo del marketing se emplea en muchos logotipos como Facebook o LinkedIn. Es un color elegante y corporativo, uno de los más usados por las empresas. Transmite confianza y pureza.
Logotipo de la empresa de aviación, BOA.
Verde
El verde representa la juventud, la esperanza y la nueva vida, pero también representa la acción y lo ecológico. Los decoradores de interiores coinciden en señalar que una habitación pintada con un color verde suave incita a la relajación y al bienestar.
Logotipo de la plataforma Piensa Verde.
Morado
El morado es muy valorado en el mundo del marketing, puesto que representa la sofisticación y la elegancia. Además, se suele asociar este color al misterio, la nostalgia y la espiritualidad. Es un color ampliamente usado en los productos antiedad, precisamente por ese toque de glamour que desprende.
Línea gráfica de un producto del BNB.
Rosa
El rosa es un color con unos atributos bien acotados: es el color de la dulzura, de la delicadeza, de la amistad y del amor puro. Nuestro acervo cultural lo asocia también a lo femenino.
Identidad visual de la marca de moda Femenina.
Gris
El gris tiene connotaciones un tanto distintas según la cultura. Mientras alguna gente percibe este color como la indeterminación o la mediocridad, los expertos en psicología del color le dan un significado distinto:la paz, la tenacidad y la tranquilidad.
Logotipo de la marca Apple.
Negro
El negro tiene connotaciones negativas pues se asocia a la muerte, a lo malvado o a la destrucción. En cambio, en el antiguo Egipto representaba la fertilidad y el crecimiento. Debido a su relación con la oscuridad, el negro simboliza el misterio y lo desconocido. En el mundo de la moda, el negro es el color de la elegancia, la formalidad y la sobriedad.
Logotipo de la marca Nike.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Teoría del color: ¿Qué es y cómo me ayuda a crear diseños únicos?
¿Qué es la teoría del color? ¿Por qué hay una teoría sobre ello? Los colores son parte esencial del mundo y, sin darnos cuenta, nuestro subconsciente puede recibir mensajes a través de ellos. Entonces, ¿cuáles son los efectos psicológicos de los colores?
Cambiar sutilmente la tonalidad del color puede evocar reacciones totalmente distintas. Conocer qué es la teoría del color nos ayudará a entender las propiedades de los colores y el significado de los colores, de esta forma, sabremos qué color utilizar para transmitir nuestro mensaje correctamente.
Por otro lado, crear una armonía de color es un proceso que no solo requiere de gusto y criterio, sino, también, de ciertos conocimientos; entre ellos, el más importante es la teoría del color. Pues, sin ella, tus creaciones tendrán menos impacto de lo esperado.
En este artículo, recogeremos todos los conceptos básicos de la teoría del color. Además, te mostraremos todo sobre el círculo cromático y las combinaciones de color para que sepas cómo aplicar la teoría del color en diferentes campos, como en el maquillaje, en el diseño gráfico y en el diseño de interiores.
Entonces, ¿estás listo para descubrir qué es la teoría del color y todo lo que interviene en ella? ¡Sigue leyendo!
¿Qué es el color?
Antes de ahondar en lo que es la teoría del color, debemos responder qué es el color. En esta oportunidad, iremos desde lo más básico hasta lo específico y, al final del artículo, serás todo un experto.
Entonces, ¿cómo se define un color? La Real Academia Española presenta la definición de color como una “sensación producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la longitud de onda”.
Isaac Newton, físico y matemático inglés, en 1665, estableció la teoría física del color, la cual define el color como una combinación de luz y oscuridad, siendo el negro puro correspondiente al valor cero, como la ausencia de luz y el blanco puro, como el valor máximo de luminosidad.
Aparte del color blanco y del color negro puro, todos los otros colores se componen por una variedad de gris. Más adelante, conocerás más sobre las combinaciones de colores, ¡todo a su tiempo!
Ahora que ya sabes qué es el color, es momento de responder la pregunta central de esta nota: ¿qué es la teoría del color?
¿Qué es la teoría del color?
Entonces, para definir en qué consiste la teoría del color, en pocas palabras, podemos decir que esta comprende las reglas básicas que determinan cómo combinar los colores para obtener el efecto deseado.
Pero, ¿cuál es la importancia de la teoría del color? ¿Para qué sirve la teoría del color? Básicamente, para saber cuál es el poder del color en nuestra mente y para entender cómo componer armonías de colores, pues esto es esencial para las comunicaciones, el diseño y el arte, ya que el color que se escoja tendrá efectos determinados.
Al conocer qué es la teoría del color, podrás aprovechar los beneficios que te ofrece cada uno para poder acercarte a tus clientes actuales y potenciales; ya que, como verás más adelante, los colores son importantes para dar a entender el mensaje en sí.
Propiedades del color
Según Archi Palettes, sitio web dedicado al estudio al estudio y a la enseñanza del color en las artes plásticas y visuales, las propiedades del color “son las distintas cualidades que nos permiten diferenciar y definir colores”.
Estas cualidades se resumen en 3 categorías: tono, saturación y valor. A continuación, te las describimos.
1. Tono
En primer lugar, cuando hablamos de la tonalidad del color, matiz o tinte nos referimos a un color puro; es decir, un pigmento sin negro o blanco. En otras palabras, el tono identifica a todos los colores que conforman el espectro visible, por ejemplo, el rojo, el amarillo, el azul y el verde.
2. Saturación
En relación a la teoría del color, la saturación es sinónimo de la pureza del color o pigmento. Mientras menos pigmento tiene un color, se va desaturando, ya que va perdiendo su pureza. Existen tres formas para desaturar un color: añadiendo color blanco, añadiendo color negro o mezclándolo con su color complementario.
3. Valor
El valor, brillo o luminosidad de un color te indica la intensidad del estímulo luminoso; es decir, sabrás si el color es oscuro o claro en un rango de negro a blanco. Puedes regular la luminosidad del color de la siguiente manera: añadiendo blanco, para volverlo más luminoso, o añadiendo negro, para lograr el efecto contrario.
Círculo cromático
La rueda de color o el círculo cromático es uno de los principales elementos de lo que es la teoría del color. Se trata de una representación circular organizada de los colores.
El círculo cromático permite identificar la paleta de colores primarios y sus derivados: los colores secundarios y terciarios; así como las diferentes características de los colores que ayudan a organizar la rueda del color.
A continuación, te explicaremos los conceptos relacionados al círculo cromático.
1. Grupos de colores
Para empezar, existen 2 grandes grupos de colores: los colores cromáticos y los colores acromáticos.
Colores cromáticos
Se trata de todos los elementos de la rueda de color, los cuales se pueden dividir en dos partes: los colores cálidos y los colores fríos.
➤ Colores cálidos: son los colores que contienen más amarillo en su composición. Entre ellos, resaltan el rojo, el anaranjado y el mismo amarillo. Para tener algunos ejemplos de los colores cálidos podemos pensar en un atardecer, en el fuego y en las hojas en el otoño.
➤ Colores fríos: son los colores que contienen más azul en su composición. Entre ellos, resaltan el verde, violeta y el mismo azul. Para tener algunos ejemplos de los colores fríos, podemos pensar en el anochecer o en un glaciar.
Por otro lado, ¿qué hay de los colores neutros en la teoría del color? Estos son los colores que contienen igual cantidad de colores cálidos y fríos en su mezcla. Por ejemplo, el color marrón, es un color neutro por excelencia, ya que este se logra a través de la mezcla de los colores primarios por igual cantidad. También, se pueden considerar sus derivados, tales como el beige y los colores piel.
Colores acromáticos
En este grupo podemos encontrar tres colores: el negro, el blanco y el gris, pues están conformados solamente por un grado de luz u oscuridad.
2. Colores primarios, secundarios y terciarios
Los colores primarios se refieren a los colores base que forman parte de la rueda cromática; es decir, los que no se pueden obtener por la mezcla de ningún color. Entonces, ¿cuáles son los colores primarios? La paleta de los colores primarios está conformada por el rojo, el amarillo y el azul en el modelo tradicional.
Los colores secundarios son los que se forman de la combinación de dos colores primarios: el anaranjado, el verde y el violeta. Finalmente, los colores terciarios son la mezcla de un color primario con uno secundario adyacente.
3. Gradaciones cromáticas
Ahora, respondamos lo siguiente qué son las gradaciones cromáticas. Las gradaciones cromáticas o escalas cromáticas en la teoría del color se refieren al uso del blanco y el negro sobre un tono para obtener una sucesión de colores. Estas pueden ser escalas monocromáticas —de un mismo color— o escalas acromáticas —de grises—.
Como has podido ver hasta aquí, el círculo cromático comprende diversas categorías de colores. Estas te ayudarán a comprender los términos que te explicaremos más adelante.
Armonías de colores
¿Buscabas métodos de composición de colores? Con lo aprendido acerca del círculo cromático, podemos crear distintos esquemas de colores basándonos en las armonías de color, las cuales producen un efecto estético.
En lo que es la teoría del color, las combinaciones de color adecuadas generan una sensación de calma y equilibrio en el ojo del espectador.
1. Paleta monocromática
Esta armonía de color se basa en el uso de un solo color: su saturación y los rangos de sus propios matices y sombras. Se trata de una de las combinaciones de color más simple y armoniosa.
2. Paleta de colores análogos
En esta armonía de color se utilizan tres o más colores ubicados adyacentemente en la rueda del color. Como en el esquema anterior, es importante escoger un color predominante.
3. Paleta de colores complementarios
Esta armonía de color utiliza los colores opuestos en el círculo cromático, los cuales pueden estar en sus versiones cálidas, frías, saturadas, desaturadas o terrosas.
4. Paleta de colores complementarios divididos
Se trata de una variación de los colores complementarios. Para este tipo de armonía de color, se toma un color de base y los dos adyacentes al color directamente opuesto.
5. Paleta de colores triádicos o triada de colores
Esta armonía de color consta de 3 colores que forman un triangulo equilatero en el círculo cromático. El uso de estos colores crea un efecto muy atractivo, similar, aunque menor, al contraste que genera la combinación complementaria.
6. Paleta de colores cuadrada
Esta armonía de color utiliza 4 colores que forman un cuadrado en la rueda del color. La combinación de color cuadrada se utiliza cuando se desea obtener un estilo muy dinámico.
7. Paleta de colores tetrádicos o dobles complementarios
Finalmente, tenemos la combinación de color por complementarios doble, la cual incluye 2 pares de colores complementarios. Este es el esquema más difícil para armonizar; por ello, es importante elegir el color adecuado como predominante para evitar que la combinación se vea desequilibrada.
Ahora que conoces más sobre la teoría del color y sus armonías, te será más sencillo crear combinaciones para tus proyectos futuros.
Acordes cromáticos
Para seguir profundizando tus conocimientos con respecto a lo que es la teoría del color, es hora de conocer qué es un acorde cromático.
En pocas palabras, un acorde cromático es un conjunto de colores predeterminados y ordenados de una forma específica que están asociados con un efecto visual o con una emoción en particular por la impresión que generan. El color principal es el que presenta mayor influencia en el acorde cromático; sin embargo, el conjunto de colores es el que determinará el efecto.
Este concepto de la teoría del color es muy utilizado en el marketing, en el diseño de interiores, en el diseño gráfico y en el diseño web. Asimismo, está estrechamente relacionado con el concepto de la armonía del color, el cual estudiamos líneas arriba.
Contrastes de color
Para lograr un diseño equilibrado, el contraste entre elementos es un aspecto importante a la hora de componer. Se trata de un fenómeno con el que se diferencian los colores en su interacción.
Para que comprendas mejor este tema, te presentaremos los 7 contrastes de color delimitados en la teoría del color de Johannes Itten, profesor de la escuela Bauhaus, destacada entidad alemana enfocada en la arquitectura, diseño y arte.
1. Contraste por color en sí mismo
Para empezar, el primer contraste hace referencia a la combinación de los colores saturados. El grado máximo de tensión recae sobre los colores amarillo, magenta y cian, pues su pureza es alta y producirán mayor contraste cuando se combinen.
2. Contraste por luminosidad
Por otro lado, este contraste de color resulta de la tensión máxima que ocurre entre el blanco y el negro. En este caso, podemos encontrar una amplia gama de grises, así como diferentes grados de colores.
3. Contraste por temperatura
Este tipo de contraste hace referencia a la combinación entre los colores cálidos y los colores fríos con sus respectivos colores contrarios. Por ejemplo, para lograr un tono cálido, puedes añadir colores rojos o amarillos a tu mezcla; por otro lado, si quieres lograr un tono oscuro, puedes añadir azules o blancos al color base.
4. Contraste por complementarios
En este caso, se trata de combinar dos colores complementarios que están enfrentados en la rueda de color. Al combinarlos, podrás visualizar el color de forma clara, aunque violenta, debido a la saturación de los mismos.
Si quieres generar armonía en cualquiera de las combinaciones, lo ideal es mantener un color puro mientras al otro se le añade blanco o negro.
5. Contraste simultáneo
El quinto tipo de los contrastes de colores hace referencia al contraste que se genera al poner dos colores juntos. Por ejemplo, si colocas un elemento amarillo sobre un fondo gris, este último se verá ligeramente violeta.
6. Contraste cualitativo o por saturación
En este caso, el contraste ocurre al combinar un color puro saturado como el amarillo con un neutro como el gris o marrón. Lo que ocurre aquí es que los tonos saturados se perciben como más vivos y los desaturados se vuelven más apagados.
7. Contraste cuantitativo o por cantidad
El contraste por cantidad recae sobre las proporciones en las que juntamos los colores, pues al ajustar las dimensiones de cada uno podemos lograr armonizarlos para transmitir lo que deseamos. Este punto es clave para elaborar composiciones de diseño o marketing en general.
Psicología del color
Siguiendo con lo que es la teoría del color, es importante detallar qué es la psicología del color. Esta hace referencia a cuando los colores son utilizados como una herramienta para invocar reacciones en las personas.
Para ello, es importante saber cuáles son los significados de los colores de tu público objetivo, puesto que, los colores pueden transmitir sensaciones diferentes dependiendo de la cultura. Asimismo, la experiencia personal puede llegar a influir en cómo percibimos los colores.
Por ejemplo, usualmente los colores fríos se suelen asociar con la serenidad, pasividad, sentimentalismo, amplitud y lejanía. Mientras que los colores cálidos se relacionan con la fuerza, la alegría y el movimiento.
Entonces, para ahondar más en este tema, comencemos por detallar la psicología del color según dos destacadas figuras, Johanne Goethe y Max Luscher.
1. Teoría del color de Goethe
A lo largo de la historia, se han propuesto diferentes teorías del color en la psicología. Una de las más famosas es la del Triángulo de Goethe.
En 1810, el poeta alemán se dedicó a estudiar los colores desde el punto de vista de la percepción para así, establecer una relación entre los colores y algunos estados de ánimo. Asimismo, propuso que esta teoría era un modelo de la mente humana.
El autor creó un triángulo analítico de colores y estableció 5 combinaciones que corresponden a 5 personalidades: lúcido, serio, melancólico, poderoso y sereno.
Esta distribución se formó en base a los atributos asociados a los colores según el autor:
➤ Teoría del color rojo: este color transmite pasión y excitación a través de su intensidad. Inspira a conductas impulsivas y de gran energía. Además, se relaciona con la dignidad y gracia.
➤ Teoría del color amarillo: el color amarillo se asocia con el sol y la luz, por ende, transmite optimismo, vida y alegría. Asimismo, inspira a tener más energía.
➤ Teoría del color azul: el color azul, al relacionarse al cielo y al mar, transmite tranquilidad y calma. Además, aporta una sensación de libertad. Por otro lado, también transmite pasividad y reposo.
➤ Teoría del color anaranjado: este color se asocia a la bondad, felicidad, sociabilidad y diversión pues, se relaciona a la niñez. Es el tono que representa a la energía.
➤ Teoría del color verde: el color verde se asocia con la naturaleza, por ende, tiene una relación con la esperanza, la vida y la sensación de respirar aire puro. Asimismo, es un tono reconfortante y de equilibrio.
➤ Teoría del color violeta: finalmente, el color violeta se asociaba con un sentimiento de melancolía, misterio, madurez y experiencia. De la misma manera, se asociaba a la realeza y suntuosidad.
Psicología del color
Siguiendo con lo que es la teoría del color, es importante detallar qué es la psicología del color. Esta hace referencia a cuando los colores son utilizados como una herramienta para invocar reacciones en las personas.
Para ello, es importante saber cuáles son los significados de los colores de tu público objetivo, puesto que, los colores pueden transmitir sensaciones diferentes dependiendo de la cultura. Asimismo, la experiencia personal puede llegar a influir en cómo percibimos los colores.
Por ejemplo, usualmente los colores fríos se suelen asociar con la serenidad, pasividad, sentimentalismo, amplitud y lejanía. Mientras que los colores cálidos se relacionan con la fuerza, la alegría y el movimiento.
Entonces, para ahondar más en este tema, comencemos por detallar la psicología del color según dos destacadas figuras, Johanne Goethe y Max Luscher.
1. Teoría del color de Goethe
A lo largo de la historia, se han propuesto diferentes teorías del color en la psicología. Una de las más famosas es la del Triángulo de Goethe.
En 1810, el poeta alemán se dedicó a estudiar los colores desde el punto de vista de la percepción para así, establecer una relación entre los colores y algunos estados de ánimo. Asimismo, propuso que esta teoría era un modelo de la mente humana.
El autor creó un triángulo analítico de colores y estableció 5 combinaciones que corresponden a 5 personalidades: lúcido, serio, melancólico, poderoso y sereno.
Esta distribución se formó en base a los atributos asociados a los colores según el autor:
➤ Teoría del color rojo: este color transmite pasión y excitación a través de su intensidad. Inspira a conductas impulsivas y de gran energía. Además, se relaciona con la dignidad y gracia.
➤ Teoría del color amarillo: el color amarillo se asocia con el sol y la luz, por ende, transmite optimismo, vida y alegría. Asimismo, inspira a tener más energía.
➤ Teoría del color azul: el color azul, al relacionarse al cielo y al mar, transmite tranquilidad y calma. Además, aporta una sensación de libertad. Por otro lado, también transmite pasividad y reposo.
➤ Teoría del color anaranjado: este color se asocia a la bondad, felicidad, sociabilidad y diversión pues, se relaciona a la niñez. Es el tono que representa a la energía.
➤ Teoría del color verde: el color verde se asocia con la naturaleza, por ende, tiene una relación con la esperanza, la vida y la sensación de respirar aire puro. Asimismo, es un tono reconfortante y de equilibrio.
➤ Teoría del color violeta: finalmente, el color violeta se asociaba con un sentimiento de melancolía, misterio, madurez y experiencia. De la misma manera, se asociaba a la realeza y suntuosidad.
3. Psicología del color en el arte y diseño
La concepción de los colores puede variar según el contexto, las características del público y las tendencias de cada año. La elección de colores para un diseño puede influir en la atención, la ansiedad, la relajación y la respuesta emocional del consumidor. Las personas son capaces de reconocer más sentimientos que colores; por esto, múltiples sensaciones se asocian a un mismo color.
A continuación, te contamos cuáles son los significados de los colores en el arte y diseño.
➤ Significado del color negro: transmite elegancia, nobleza, sofisticación y misterio. También,es autoritario y puede invocar emociones fuertes.
➤ Significado del color blanco: implica inocencia y pureza, así como evoca sentimientos de igualdad. Además, nos ayuda en momentos de estrés y a seguir adelante,
➤ Significado del color gris: el gris es el color idóneo para representar neutralidad. Utilizado de manera sutil puede transmitir elegancia y lujo. Si se abusa de este, se puede generar tristeza y melancolía.
➤ Significado del color amarillo: este color se relaciona con la creatividad y la inteligencia. Suele representar luz y calidez. Asimismo, en el diseño se utiliza para atraer la atención sobre todo de la juventud.
➤ Significado del color anaranjado: el color naranja representa un tono cálido y dinámico. Utilizándolo en pequeñas dosis, actúa como estimulante, pero, si se utiliza en grandes cantidades, puede ser muy agresivo.
➤ Significado del color azul: el color azul es el color más frío de la paleta. Suele simbolizar frescura y serenidad. También, se le asocia con la inteligencia, emociones profundas, amistad, optimismo y fidelidad. Si es azul claro transmite pureza.
➤ Significado del color marrón: es el color de la tierra, por ello, transmite equilibrio y comodidad. De la misma forma, puede evocar a una apariencia masculina.
➤ Significado del color rojo: es el color que transmite mayor intensidad. Asimismo, se usa como referencia para la pasión. Los diseñadores lo suelen utilizar para llamar la atención sobre un elemento específico. Sin embargo, debe usarse cuidadosamente la excitación que transmite puede cansar el ojo del espectador.
➤ Significado del color verde: este color se relaciona con la naturaleza y la vegetación. Además, transmite calma y equilibrio. Usualmente, se utiliza para el marketing de productos ecológicos.
➤ Significado del color violeta: el morado se relaciona al misterio y a la reflexión. También, tiene que ver con lo emocional, por ejemplo, nostalgia y romance. Además, evoca feminidad y elegancia, por ende, se suele utilizar en productos dirigidos a un público femenino.
Como puedes ver, la psicología del color para los diseñadores debe ser un punto importante, pues los colores acompañan a los mensajes y calan en la mente de quien los lee, dado las sensaciones que transmiten.¡Escoge con cuidado cada una de las tonalidades que utilices!
Mezclas de colores en digital
Si te dedicas a una carrera en la que debas crear contenido para plataformas web o a una en la que debas imprimir tus obras de arte, es necesario que conozcas cuales son las mezclas de colores en digital.
Básicamente, estas mezclas de la teoría del color son cruciales para obtener un resultado fiel a los colores originales, ya que, al pasar por el medio digital, estos no se mantienen igual. Entonces, si quieres que tus siguientes composiciones luzcan increíbles, ¡sigue leyendo!
1. ¿Qué es el modelo RGB?
Aditivos| creados con luz
El modelo RGB es el modelo utilizado por medios digitales como la televisión, las páginas webs y las pantallas de las computadoras. Sin embargo, el modelo RGB, previa a la era digital, ya tenía una teoría sólida, basada en la percepción humana de los colores.
¿Qué significan las siglas RGB? Las siglas RGB representan las iniciales de los colores rojo, azul y verde, en su traducción al inglés, red, blue and green, haciendo referencia a los colores primarios de este modelo.
El modelo RGB está basado en la “síntesis aditiva”, es decir que, se puede obtener cualquier color a través de los colores primarios y todos estos superpuestos dan como resultado el color blanco, mientras que el negro es la ausencia total de color.
¡Este modelo es ideal para crear contenido para tus redes sociales!
2. ¿Qué es el modelo CMYK?
Substractivos | creados con pigmentos
El modelo CMYK, por su lado, es el modelo que se usa para los materiales impresos en tinta, ya que el papel no cuenta con las propiedades luminosas de los monitores.
¿Qué significan las siglas CMYK? Las siglas CMYK representan las iniciales de los colores cyan, magenta, amarillo y negro (key).
El modelo CMYK se basa en la premisa de la absorción de la luz; es decir, al mezclar todos los colores bases del modelo se obtiene negro o la ausencia de luz. Asimismo, a partir de los colores primarios, se obtienen diferentes combinaciones como púrpura, verde y rojo.
¡Este modelo es el adecuado para imprimir banners o cualquier otro tipo de publicidad!
Aplicaciones de la teoría del color
Por último, ¿para qué sirve la teoría del color? En pocas palabras, lo que es la teoría del color puede aplicarse en distintas profesiones, pues, como has visto, el efecto del color es sumamente variado.
A continuación, te mostraremos algunos ejemplos.
1. La teoría del color en el maquillaje
Conocer la teoría del color es un elemento esencial para ser un profesional del maquillaje. El uso de la colorimetría es una herramienta clave para crear armonías de color, pues te permitirá aplicar correctamente cada tonalidad en tus clientes.
Por ejemplo, al aprender cómo aplicar lo que es la teoría del color en el maquillaje estarás listo para lo siguiente:
Resaltar, iluminar y neutralizar las facciones y colores propios de la piel y el rostro de la persona. Por ejemplo, se aplica el color verde para neutralizar las tonalidades rojizas en la piel.
Combinar colores para alcanzar una sincronía adecuada entre maquillaje y vestuario de la persona.
Jugar con los efectos de iluminación y degradación de los colores.
Seleccionar los colores adecuados para la variedad de tonos de piel de las personas, tomando en cuenta las diferentes subtonalidalidades.
Ahora, te brindaremos más información relacionando lo que es la teoría del color con los diferentes tipos de pieles y los ojos.
➤ ¿Cuáles son los colores para pieles claras?
Para las pieles claras, se adecuan los colores fríos y acromáticos, como el azul, el verde, el morado, el gris y sus derivados. Esto sucede porque las personas de tez blanca suelen tener una subtonalidad en la piel más fría o,conocida en el maquillaje como piel rosa.
➤ ¿Cuáles son los colores para pieles trigueñas?
Para pieles trigueñas, favorecen los colores cálidos y neutrales como el amarillo, anaranjado, el rojo y sus derivados. Esto sucede porque las pieles trigueñas suelen tener subtonalidades más amarillentas.
➤ ¿Cuáles son los colores para pieles oscuras?
Para las pieles oscuras, favorecen los tonos cálidos y fríos, ya que, tienen a tener subtonalidades más neutras. Asimismo, los colores intensos lucirán hermosos, pues resaltan al contrastar con la piel.
➤ ¿Cómo resaltar los ojos con la teoría del color?
Siguiendo las reglas del círculo cromático, los ojos azules se complementan con los colores cálidos de la rueda cromática como los colores bronces y anaranjados. Los ojos verdes resaltan con los colores rojizos.
Por último, los marrones, al ser neutrales, resaltan con todos los colores de la rueda cromática, pero, sobre todo, con los azules y verdes.
2. La teoría del color en el Diseño Gráfico
El uso de los colores en el diseño gráfico no es casualidad. La creación de la paleta de colores está basada en lo que es la teoría del color. En este caso, se crea un diseño no sólo con el propósito de obtener una combinación que luzca bien, sino, también, de transmitir un mensaje.
Por lo tanto, ¿cuál es la importancia de la teoría del color en el diseño gráfico? La función principal del color en el diseño gráfico es resaltar las características y cualidades del ítem o los ítems en la imagen de forma rápida, atractiva y visual. Usualmente, se utiliza para atraer a un cliente a un producto o servicio específico.
La impresión que dan los colores puede suponer hasta el 60% de la aceptación o del rechazo hacia una empresa. Una mala combinación de colores genera desconfianza y decepción en el cliente. Según especialistas, se debe obtener la mejor impresión en los primeros 90 segundos; para lograrlo, sin duda, ¡utilizar los colores será crucial!
Entonces, ¿cómo usar los colores en el diseño gráfico? Los colores pueden alterar la percepción visual de los elementos en los diseños. Por ejemplo, los colores cálidos parecen estar más cerca que los fríos, por lo que el uso de colores cálidos en el primer plano y de fríos en el fondo, aumenta la profundidad de la imagen.
Otro ejemplo se da en el uso de los colores saturados. Los tonos con alta saturación atraen más la atención y son percibidos como más grandes.
Por lo tanto, es esencial que aprendas cómo crear la paleta de colores para tu marca, pues esto influirá en la recepción de tus anuncios y publicaciones en tus clientes actuales y potenciales.
3. La teoría del color en el diseño de interiores
Otro campo de relevancia en el que se puede aplicar lo que es la teoría del color es en el diseño de interiores o en la arquitectura. En este caso, el significado de los colores en la arquitectura te ayudará a escoger las tonalidades ideales para transmitir lo que deseas en un ambiente.
Por ejemplo, si quieres crear un espacio que transmita calma y serenidad, puedes optar por un verde o celeste; mientras que, si deseas comunicar emociones de alegría o vitalidad, lo más recomendable será escoger un naranja u otro color cálido.
Sin embargo, cabe resaltar que, la importancia de la teoría del color en el diseño de interiores no se limita al color de las paredes de un ambiente. También, deberás prestar atención a los muebles, mesas, cuadrros y demás elementos que intervienen en una habitación.
En este punto, es importante recordar que el contraste de los colores, tema que revisamos líneas arriba, es fundamental para descubrir cómo aplicar lo que es la teoría del color de forma integral, en cualquiera de los ambientes que estés diseñando.
Por lo tanto, debes asegurarte de que todos los elementos estén en sincronía para transmitir lo que esperas.
¡Ahora ya sabes qué es la teoría del color! Esperamos que te haya gustado aprender sobre el círculo cromático, las armonías del color, la psicología del color y las diferentes aplicaciones del color. Como has podido ver, la teoría del color te ayudará a potenciar tu rendimiento como profesional, pues ahora sabes los efectos que tienen las diversas tonalidades en una composición o en un ambiente.
Reconocemos que la teoría del color puede ser amplia y un poco compleja; sin embargo, te alentamos a que no pares de aprender.
¡Te deseamos mucha suerte!
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
¿A quién no le gusta saber lo que los demás piensan de uno mismo? Con las marcas pasa igual. Si quieres saber qué lugar ocupa tu negocio en la mente de los consumidores, ¡debes realizar un mapa de posicionamiento!
Cuando diriges una empresa, es muy importante no perder el foco. No hay nada peor avanzar sin saber de dónde venimos y hacia dónde vamos.
Para ello, un mapa de posicionamiento te indicará la posición que ocupa tu marca con respecto a la competencia. Sabiendo esto, será mucho más fácil decidir hacia donde te diriges como empresa y cuáles son tus objetivos.
En este nuevo artículo te cuento qué es y cómo elaborar el mapa de posicionamiento de tu marca paso a paso. ¡Comencemos!
¿Qué es un mapa de posicionamiento?
El mapa de posicionamiento es una herramienta de marketing que permite medir la posición que ocupa nuestra marca o empresa en la mente del consumidor. Así como el sitio que ocupa en el mercado con respecto a otras marcas de la competencia.
Para elaborarlo, se usa una matriz con los ejes X e Y. Estos vienen representados por los atributos mediante los que compararemos nuestra marca con sus competidores, por ejemplo, la relación calidad-precio.
De un vistazo, este mapa refleja los atributos que llevan a tu marca y a sus competidores a estar en diferentes posiciones dentro del mercado. En definitiva, nuestro objetivo será averiguar qué mueve al consumidor a adquirir nuestro producto o servicio.
Cómo hacer el mapa de posicionamiento de tu marca
Sigue estos 5 pasos para elaborar tu mapa de posicionamiento:
Analiza e identifica cuáles son las principales ventajas competitivas de tu producto o servicio. Hazte preguntas como: ¿por qué eligen tu servicio o producto? ¿Cuál es tu consumidor real? ¿Qué tipo de necesidad o deseo satisface tu servicio?
Investiga bien tu mercado y repite el primer paso pero con respecto a las otras marcas. ¿Qué empresas lideran el mercado? ¿Cuáles compiten en precio y cuáles en calidad? ¿Es un sector muy nuevo? ¿Qué es lo que les hace a tus competidores destacar?
Traza el mapa en papel u dispositivo digital. Solo tienes que dibujar dos ejes que se crucen con una línea vertical (eje X) y otra horizontal (eje Y). Elige los atributos que ocuparán cada uno de los ejes. Para un mapa de posicionamiento genérico, te recomiendo escoger las variables de calidad y precio.
Sitúa a tu marca y a tus competidores en cada uno de los cuadrantes que conforma el mapa. Lo ideal sería que tu marca ocupase un hueco vacío dentro del mercado, aunque eso no significa que otras empresas ofrezcan un servicio similar al tuyo.
Ojo: Ten en cuenta que este paso es clave para el éxito de tu mapa de posicionamiento. Cuanta más y mejor información hayas recopilado en los pasos 1 y 2, más fácil te será ubicar a cada marca en su sitio.
Por último, llegó el momento de seleccionar la estrategia para posicionarnos o aumentar nuestra visibilidad en el mercado.
Aquí pueden darse dos escenarios:
a) Nuestra estrategia y la imagen que teníamos de nuestra marca en el mercado estaban bien alineadas. Por lo tanto, no debemos hacer grandes cambios a nivel estratégico.
b) Nuestra estrategia no está alineada con la realidad de nuestro posicionamiento en el mercado y, por lo tanto, es hora de hacer cambios, fijar nuevos objetivos, atacar otros nichos dentro del mercado, etc.
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Las categorías con las que se va a trabajar son flexibles, abiertas y están basadas en las representaciones visuales que nos rodean aquí y ahora.
Tipos de representaciones visuales según las características físicas del soporte
Las representaciones bidimensionales
Las representaciones tridimensionales
Las representaciones visuales bidimensionales: con el adjetivo bidimensional, nos referimos a una representación donde la realidad, se trasforma en dos dimensiones.
Este tipo de productos visuales son los más abundantes a nuestro alrededor; también se llaman imágenes fijas.
Los lienzos pintados son imágenes bidimensionales o también conocidas como imágenes fijas.
Las representaciones visuales tridimensionales: si el soporte que elegimos para representar pasa a ser de tres dimensionales, como ocurre con la escultura, también tenemos la posibilidad de que los resultados sean fijos o en movimiento.
La escultura es una representación tridimensional porque tiene alto, ancho y largo.
Tipos de representación visuales según su función:
Representaciones visuales informativas
Representaciones visuales comerciales
Representaciones visuales artísticas
Las representaciones visuales informativas:
Informativos epistémicos
Informativos simbólicos
Informativos didácticos
Productos visuales informativos epistémicos
Los productos visuales epistémicos tienen como función básica representar la realidad de la forma más verosímil posible.
Ejemplos de representaciones visuales de carácter informativo:
Representaciones epistémicas: nuestra imagen en el espejo, imágenes médicas, imágenes identificativas, postales, fotos de viajes, esculturas, retratos.
Nuestro reflejo en el espejo es la representación visual más cercana a la realidad.
Productos visuales informativos simbólicos
Los productos visuales informativos simbólicos tienen como objetivo trasmitir determinada información, pero esta es de carácter abstracto, de manera que no se puede recurrir a la realidad para configurar dicha imagen, sencillamente porque en la realidad no existen la paz o el odio como elementos físicos tangibles, lo que quiere decir que tales conceptos nos sean representados.
Representaciones simbólicas: señales de tráfico, banderas, dinero, mapas.
Las señales de tráfico son informativas simbólicas porque el concepto de “prohibido” es abstracto.
Productos visuales informativos didácticos
Los productos visuales cuyo objetivo es trasmitir determinada información para que el receptor aprenda uno o varios conceptos.
Representaciones didácticas explícitas: ilustraciones de libros de texto o imágenes para presentaciones.
Las presentaciones son imágenes que buscan enseñar algo.
Las representaciones visuales comerciales:
La función principal de los productos visuales comerciales es la venta de un producto o de un servicio, no se trata del mero paso de información ni de la reflexión crítica: lo que se construye es un producto visual para vender algo.
La publicidad impresa es una imagen orientada a vender.
Tipos de representaciones visuales comerciales
Clasificación por tipo de producto:
Productos visuales orientados a vender
Productos visuales orientados a entretener
Clasificación por lugar de colocación del producto:
Productos visuales situados en el punto de venta
Productos visuales situados en el exterior del punto de venta
Características de las representaciones visuales comerciales según el tipo de producto
Cuando el producto de entretenimiento también es un producto en sí mismo; por ejemplo, cuando compramos una película o una revista para entretenernos.
Cuando la representación visual orientada al entretenimiento encubre la venta de algo; por ejemplo, cuando aparece una marca determinada que usa el protagonista del producto visual.
Cuando a través del producto orientado al entretenimiento se vende la audiencia; esto es lo que ocurre con las series de televisión, que dependiendo de la audiencia que alcanzan, resultan de mayor o menor interés para los anunciantes.
El comic esta destinado al entretenimiento.
Clasificación de las representaciones visuales comerciales según el lugar de colocación del producto
Las representaciones visuales comerciales de exterior son aquellas que operan en los lugares donde el consumidor no se encuentra en posición de compra.
Con respecto a la imagen comercial colocada en el punto de venta PLV (acrónico de Publicidad en el Lugar de Venta), es asombroso comprobar cómo muchos de los consumidores no reconocen este desarrollo visual como publicidad.
De la PLV al visual merchandising
Cuando el lenguaje visual se utiliza en el punto de venta, aparece otra de sus aplicaciones técnicas: el visual merchandising, que podemos definir como el sistema de gestión de la comunicación visual de la mercancía en el punto de venta.
El uso del lenguaje visual en un centro comercial se conoce como visual merchandising.
Las representaciones visuales de carácter artístico
Propiedades generales de las representaciones visuales de carácter artístico
Lo que diferencia los productos visuales artísticos del resto son dos factores: en primer lugar, la intención de los artistas por crear conocimiento crítico que genere un significado personal en el espectador y, en segundo lugar, la necesidad de crear este conocimiento mediante un código nuevo.
Instalaciones, recontextualizaciones, land art, body art.
La pintura es una de las técnicas más utilizadas para crear representaciones artísticas.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
El lenguaje visual se organiza a partir de dos tipos de herramientas con las que construyen los significantes y significados. Las primeras son las herramientas de configuración y las segundas las herramientas de organización. Este tipo de instrumentos permite al creador delimitar los significados que estructuran su mensaje. Es, por tanto, muy importante conocerlas y saber entender su relevancia.
Herramientas de configuración
El Tamaño
Una de las primeras cuestiones a tener en cuenta a la hora de crear o analizar un producto visual son sus dimensiones. Se suele relacionar con la escala del espectador: la imagen puede ser o más grande o más pequeña que la persona que la analiza. El tamaño es importante porque aporta información sobre la imagen, por lo general suele ser una elección que realiza el creador para transmitir algún tipo de cuestión. La selección de un determinado tamaño depende de varios criterios:
El impacto psicológico: está relacionado con el vínculo que se establece físicamente entre la imagen y el espectador. Frente a una imagen de pequeño tamaño se instaura un predominio del espectador frente a la imagen. En una de gran tamaño sucede lo contrario. Un buen ejemplo de las diferentes sensaciones frente a una imagen de pequeño o gran tamaño la diferencia que percibimos cuando vemos una película en una pantalla de cine o en la televisión.
El efecto de notoriedad: cuando el tamaño excede los límites normales, su visualización se convierte en un evento. Por ejemplo el gran perro diseñado por Jeff Koons para la entrada del Guggenheim.
La comodidad o la ubicación: es el criterio más común. En muchos casos el tamaño del producto visual le viene impuesto al creador por el formato que utiliza para crearlo.
Por lo general el tamaño implica una jerarquización de tal manera que la superficie de un elemento del contenido audiovisual en relación a la superficie total es directamente proporcional a su importancia visual. Las dimensiones de los objetos ayudan también a crear tanto perspectiva como la sensación de distancia.
La Forma
La forma son los límites exteriores del producto visual. Hay dos tipos de formas:
Las orgánicas: es decir aquellas que son propias del mundo natural.
Las artificiales: son de tipo geométrico y están creadas por el ser humano.
Es necesario distinguir entre la forma del producto visual como objeto, es decir, las características de los límites físicos de la representación visual (el soporte en el que se haya la imagen) y la forma del contenido del producto visual, es decir, la forma que tiene los elementos que conforman la imagen.
Para atender a la forma de la imagen es necesario atender a tres niveles:
1. La forma del producto visual: llamado también formato en las representaciones bidimensionales. Si son rectangulares, por lo general, suelen orientarse o bien en vertical o bien en horizontal. Al elegir esta orientación el autor debe tener presente tres criterios:
Adaptación del soporte: en muchos casos el formato debe adaptarse el soporte en el que va estar ubicado. Por ejemplo, las fotos de un periódico o una revista.
Sentido de la lectura: depende del lugar donde se realice la imagen. En Occidente es más habitual el formato horizontal porque facilita la lectura de izquierda a derecha. En oriente, sin embargo, los formatos tienden a ser verticales porque el sistema de lectura es diferente.
Contenido simbólico: en muchos casos el soporte de las representaciones bidimensionales no es rectangular. Por lo general esto significa que se quiere transmitir algo simplemente con la forma. Las formas circulares pueden representar elementos religiosos, indicar la perfección o la unidad o, como las señales de tráfico, indicar que algo está prohibido… Por lo general en las representaciones tridimensionales la forma del producto visual está determinada por los límites del objeto.
2. La forma del contenido del producto visual: es decir, de los elementos que están dentro de los límites del producto. En una fotografía de una manzana, la forma del contenido (la manzana) sería natural mientras que la del producto (la foto) es rectangular por lo tanto artificial.
3. La forma del espacio en el que se ubica el producto visual: el lugar donde se va a situar la imagen tiene también importancia. En arte moderno y en diseño de espacios comerciales recibe el nombre de instalación.
El Color
Es una de las herramientas más importantes para transmitir significado en el lenguaje visual. Hay dos tipos de colores:
Colores pigmento: son aquellos que son tangibles y materiales. Se forman mediante una síntesis sustractiva. Los pigmentos no emiten luz sino que sustraen (absorben) parte de las radiaciones de la luz por tanto, dependiendo que radiación de luz absorban se ven de uno u otro color. Los colores primarios para este tipo de color son el cian, el amarillo y el magenta. La mezcla de todos daría como resultado el color negro.
Colores luz: son intangibles, haces de luz. Se crean con la síntesis aditiva. Son los tonos que observamos en el ordenador o en la televisión. Los colores primarios son el rojo, el verde y el azul. Al ser luces de colores, el resultado de la unión de todos siempre va a ser más luminoso que cada uno de los elementos, así pues, la mezcla de todos produce el color blanco.
Ambas formas son muy utilizadas por diferentes creadores de productos visuales. Los colores que se forman de una u otra forma son diferentes y nunca coinciden. La prueba es que cuando imprimimos una imagen, los colores que observamos en el ordenador y el resultado del papel nunca son iguales. Unos, los del ordenador son colores luz y otros, los del papel, colores pigmento.
Además de la naturaleza del color, hay otros aspectos importantes que nos dan mucha información sobre la imagen:
La luminosidad: hace referencia a la cantidad de luz que posee un color. Hay colores que son oscuros y otros que son claros. Esta característica les otorga cierto valor simbólico. Los colores oscuros frente a los luminosos son utilizados para cuestiones más solemnes o serias. Pensemos en un traje de caballero. Por lo general son oscuros: grises, azul marino, negro… Los trajes se utilizan para ir al trabajo o para realizar actividades en las que se requiere un tono determinado. Pensemos en un traje de color azul o amarillo claro, tonalidades que suelen utilizarse para vestir a los bebes. Resultaría muy extraño ver a un señor con traje azul celeste porque el significado que le otorgamos a este color.
Saturación y desaturación: se relaciona con la pureza del color respecto al gris. Cuanto más saturado es un color más alejado se encuentra del color gris. Cuanto más desaturado menos puro es el color y más cerca del gris se halla.
Temperatura del color: es un fenómeno visual que se explica en términos de sensaciones corporales. Los cálidos suele dar la sensación de peso y acercamiento mientras que los fríos tienen a aligerarse y alejarse.
El color transmite significados muy concretos y elaborados que han evolucionado a través de la Historia. El significado de los colores no es el mismo en la actualidad que en la Roma imperial o en la Edad Media.
Los criterios que se deben manejar para elegir un color u otro son: el contenido simbólico, el calendario comercial, el contraste visual, la identificación con una marca concreta y la identificación con el público-objeto.
El contenido simbólico tiene relación con el contexto en el que se construye la imagen. Las sociedades suelen relacionar los colores con determinados conceptos como por ejemplo el blanco con la pureza o el negro con la elegancia o la muerte. Esto varía en función del lugar y depende mucho de los referentes culturales que tenga esta sociedad. El vestido de novia en occidente suele tener tonalidades blancas o muy claras como símbolo de pureza, mientras que en la India el color elegido por muchas mujeres es el rojo que simboliza la prosperidad. Un traje de novia occidental de color rojo supondría un choque muy fuerte puesto que en occidente este color se relaciona con el sexo, la violencia, la lujuria o la excitación.
En la actualidad es importante el calendario comercial para elegir el color de un producto, especialmente en publicidad. Los tonos que se utilizan en navidad no son los mismos que, por ejemplo, en verano.
También suele ser importante el contraste visual, es decir, el que se puedan identificar los elementos fácilmente.
Muchas marcas se han apropiado de un color determinado que para el público suele ser un referente de la misma. El color rojo, por ejemplo, suele relacionarse con la marca Coca-cola.
Por último, es relevante observar a qué tipo de gente va a ir dirigida la imagen. En función del grupo o target, término que se utiliza para designar la franja de población a la que se dirige un producto, es más adecuado el uso de un color u otro.
La Iluminación
Hay dos niveles de significado. Por un lado está el tipo de iluminación que el constructor de la imagen elige para el contenido de la misma y que se utiliza en las representaciones bidimensionales estática y en movimiento.
Por otro, el tipo de luz que se utiliza para iluminar un objeto desde el exterior, más propio de productos tridimensionales.
Los criterios para decidir un tipo de iluminación u otro son:
El tipo de fuente: puede ser natural, que es la producida por los rayos solares, las velas, u otras fuentes de llamas. O artificial que es la producida por dispositivos eléctricos. La luz natural suele relacionarse con la naturaleza y el exterior, mientras que la artificial está más cercana a lo urbano y lo interior. Las diferentes horas del día tienen también un significado especial, por ejemplo el atardecer o el amanecer son considerados momentos casi mágicos.
La cantidad de luz: pueden tener claves altas, es decir con mucha luz o claves bajas, que tiene poca cantidad de luz. La luz suele hacer sentir al espectador seguro, dado que en occidente debido a su herencia cristiana, simboliza la presencia divina frente a la oscuridad que tiende a relacionarse con la maldad. Iluminar más o menos una imagen suele tener mucha importancia.
La temperatura: la calidez o la frialdad de la luz tiene también relevancia. Las luces cálidas como la anaranjada tiene significados tales como la protección o la tranquilidad frente a la azul que implica cierta soledad o aislamiento.
La orientación: la luz puede dirigirse a favor de la lectura, es decir de izquierda a derecha en occidente, lo que estimula sensaciones positivas o al contrario, en contralectura que provoca impresiones negativas. De igual modo la luz puede dirigirse de arriba abajo, (picado) o de abajo a arriba (contrapicado). La primera mantiene la dirección de los rayos solares lo que se percibe como natural. El contrapicado, sin embargo es al contrario lo que indica algo antinatural y por tanto negativo.
La Textura
El soporte que se elige para la realización de una imagen recibe el nombre de textura. La textura es, pues, el material del que está hecho el producto visual, además de la representación visual de una materia.
Se pueden analizar dos tipos de textura: la del soporte y la de los materiales que se aplican al soporte. Un cuadro por ejemplo tiene una textura de soporte (el lienzo) y otra de los materiales (por ejemplo acuarelas). Cuando se trata de una representación visual con un soporte intangible la textura hace referencia a las características de la superficie a través de la que vemos la imagen. La textura de los materiales en este caso hace referencia a la luz que permite ver la imagen.
La diferencia entre la textura real y la textura simulada o visual es que en la primera la información de la vista coincide con la que percibimos si tocamos el producto visual (parece granito y es granito) frente a la segunda que tiene sólo cualidades ópticas. Generalmente la primera se utiliza en representaciones tridimensionales frente a la segunda que es más común en bidimensionales.
Muchas veces la textura que percibimos visualmente no coincide con la táctil. Es el caso, por ejemplo, de las reconstrucciones que se realizan de monumentos famosos. En estos casos muchas veces parece piedra pero es algún tipo de material sintético como el corcho. Esto es lo que se llama textura ficticia.
La importancia de la textura es el valor connotativo que otorga a la imagen. El material utilizado para realizar una representación visual permite entenderla de forma más completa ya que determinados materiales ofrecen un valor concreto a la imagen. El mármol o el granito están considerados materiales nobles de cierta importancia y relevancia frente a, por ejemplo, el plástico que es más barato y se utiliza para realizar objeto, por lo general, de poca relevancia.
Herramientas de Organización
La Composición
Para construir una representación visual es necesario ordenar los elementos dentro de los límites del soporte. Esta ordenación implica una cierta jerarquía que permita establecer un significado concreto.
Las diferentes herramientas deben conjugarse de tal manera que se pueda entender el mensaje que se quiere transmitir. Esta ordenación se hace a través de la llamada estructura abstracta, que reúne visualmente el resultado de la relación entre los diferentes elementos y que forma un esquema invisible en el que receptor y autor pueden ordenar estas herramientas.
Los recursos para crear una composición reposada son: ordenar y organizar los elementos de forma constante, simétrica, recta, centrípedos, completos y centrados.
Para crear una composición dinámica los objetos deben ser inconstantes, asimétricos, oblicuos, centrífugos, incompletos y descentrados.
La Retórica Visual
La retórica es un sistema que se utiliza generalmente en la oratoria y se emplea para transmitir un sentido diferente al que le corresponde a un concepto. Por un lado está el sentido propio de la palabra al que se denomina concepto fuente (discurso denotativo) y el sentido figurado es llamado concepto diana (discurso connotativo).
La retórica visual es la herramienta de organización que sirve para relacionar los diferentes significados de los elementos de la imagen. En 1964 Barthes se dio cuenta de que de la misma manera que la retórica se utilizaba en el lenguaje escrito también se usaban determinados juegos y sentidos figurados en el lenguaje visual. La retórica visual es la sintaxis del discurso connotativo, la forma de organizar los significados de los elementos de la representación visual.
Las figuras de la retórica visual son:
Figuras de Sustitución
Metáfora: se sustituye un elemento de la imagen por otro. La semejanza es de carácter arbitrario, es decir, puede ser que la relación la establezca el autor.
Alegoría: es la unión de varias metáforas.
Metonimia: cuando la sustitución se realiza porque entre el significado y el significante hay una relación física en algún punto.
Calambur, juego visual o trampantojo: es un engaño visual explícito. En la representación se ve algo que no ha sido representado.
Prosopopeya o personificación: es otorgar a un ser inanimado o animal características humanas.
Figuras de Comparación
Oposición: comparación entre dos elementos opuestos.
Paralelismo: comparación entre dos elementos similares.
Gradación: comparación entre dos elementos similares en la que se introduce el concepto escala.
Figuras de Adjunción
Repetición o anáfora: es la repetición de forma consciente de algún elemento de la imagen.
Epanadiplosis: se suele utilizar en las imágenes en movimiento puesto que es necesario introducir el elemento tiempo. Es la repetición de una secuencia al principio y en el final de la escena.
Hipérbole o exageración: se exagera de forma premeditada algún elemento de la imagen.
Préstamo: cuando se recurre a la imagen o al estilo de otro autor de forma consciente.
Figuras de Supresión
Elipsis: eliminación de algún elemento de la imagen que modifica el significado de la misma.
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Los términos iconicidad y abstracción son palabras que no son muy usadas en la vida cotidiana, sin embargo, en el área de diseño gráfico son muy relevantes. Así que, si estás leyendo esto y no eres diseñador, no te preocupes, ya verás que te sorprenderás al saber que son conceptos muy sencillos de asimilar porque la iconicidad y la abstracción están en todas partes.
¿Qué es la iconicidad?
Para definir qué es la iconicidad, hay que tener en cuenta que cuando un valor o significado del diseño es comprendido, compartido y acordado por un grupo de personas, se convierte en icónico. Sin embargo, si un diseño no puede ser reconocido ni comprendido, entonces parecerá arbitrario, como una obra de arte abstracta.
A veces se necesita tiempo para que un diseño se convierta en icónico. Pero incluso cuando un diseño es comprendido por una cultura, puede parecer arbitrario para otra. Incluso es posible que el valor previsto de un diseño sea malinterpretado o alterado por la influencia social.
Un ejemplo de iconicidad es la Estatua de la Libertad, ícono nacional de los Estados Unidos, que en su época fue un regalo de Francia. La idea original de la estatua era representar la amistad y el deseo mutuo de libertad entre los dos países. Sin embargo, con el paso de los años la estatua se ha convertido en mucho más.
Debido a la posición de la Estatua de la Libertad en el puerto de Nueva York, la estatua fue tratada como un punto de entrada y efectivamente la primera señal para los recién llegados a los Estados Unidos de América. Sin duda, la iconicidad está muy presente en este símbolo.
Hoy en día, la estatua sigue dando la bienvenida a millones de inmigrantes y encarna la esperanza y la oportunidad para aquellos que buscan una vida mejor. A pesar del «valor original» de la estatua, la gente de todo el mundo percibe su iconicidad como símbolo de libertad, esperanza y sueños.
Grados de iconicidad
Hiperrealista
Valiendo la redundancia, el hiperrealismo es un arte más real. El grado de iconicidad hiperrealista es el grado que supera a la imagen natural, siendo así cada detalle más específico en esta imagen que en la original.
Realista
En este grado se puede decir que la imagen es exactamente igual a la que se busca representar, digamos que es como si fuese una copia de la imagen al natural.
Estilización
Este grado es el más parecido a la imagen original, con la excepción que se enfatizan los detalles de la original. Tiene un mayor grado de codificación, cambio de proporciones en el dibujo anatómico e incluso se modifican líneas para resaltar algunas zonas del diseño.
Geometrización
Estos diseños representan sus modelos originales a través de cada detalle, medida, proporción y escala. Este tipo de trabajo se debe llevar a cabo con instrumentos de alto nivel y precisión.
Abstracción
Llegamos al nivel de iconicidad más bajo en el diseño gráfico, en este diseño se representan las ideas, conceptos, pensamientos y sentimientos del objeto original. Se intenta representar la imagen al natural usando la menor cantidad de elementos posibles. Requiere un nivel muy alto de codificación.
Escalas de Iconicidad
La escala de iconicidad se clasifica en 11 niveles, cada nivel es de total importancia para un diseñador gráfico. Se ordenan de mayor a menor, siendo el 11 el más apegado a la realidad y el 1 el más alejado de la realidad, según Justo Villafañe.
Asimismo, Abraham Moles (1920-1992) definió 12 grados de iconicidad en 1971. Contribuyó a la epistemología de la comunicación, aunque es más conocido por sus trabajos en física acústica.
Esta escala de iconicidad clasifica los diferentes signos desde el grado más fuerte de analogía hasta el más abstracto. Esto permite clasificar los signos icónicos según su grado de estilización y simplificación.
La escala de iconicidad mide la distancia entre la realidad y su representación. Cuanto mayor sea el grado de iconicidad, más analógico será el signo, es decir, más cercana será su representación a su referente.
La imagen al natural (también llamada imagen original)
Modelo en 3D a escala o tamaño real (modelo tridimensional)
Los modelos tridimensionales son esculturas realistas del objeto representado. Se intenta que sea exactamente igual, pero en 3D, ya sea mediante el uso de programas de diseño 3D o a mano. Aunque no siempre tendrá exactamente los mismos detalles. Puede ser en proporciones realistas, en mayor o menor tamaño.
Imágenes de registro estereoscópico – Hologramas
Son proyecciones que recrean imágenes en 3D por medio de láser, después de un proceso y con la iluminación correcta la imagen se sale de sus límites.
Fotografía en color
Este nivel es literalmente una fotografía del objeto original, representando así todos los aspectos en colores.
Fotografía en blanco y negro
Tiene las mismas características que en la fotografía a color solo que sin color y representada en blanco, negro y escala de grises.
Pintura realista
En estas escalas una pintura realista es una copia del objeto original, pero hecha generalmente con pinceles y pinturas sobre un lienzo. Se presentan las cosas tal y como son sin exagerarlas, intentando que cada detalle sea fidedigno al original.
Representación figurativa del original (no realista)
Se usan figuras para representar ciertos aspectos de la imagen original, pero figuras no realistas. No tiene mucho nivel de similitud, aunque aún se pueden percibir detalles de la imagen al natural.
Pictogramas
Aún sigue manteniendo características del modelo original, pero representando los detalles de formas abstractas. Es una composición bastante simple, pero con símbolos que ayudan a comprender el original.
Esquema motivado (mapas)
En este punto solo guarda una representación básica de la imagen original, se intenta representar los caracteres originales de formas gráficas y simbólicas.
Esquema arbitrario (todas las características están abstraídas)
En esta parte las representaciones son esquemas arbitrarios y ya no muestran detalles, ni mínimos ni grandes del original. En este esquema ya nuestra mente piensa que la imagen no tiene ninguna lógica.
Representación no figurativa (arte completamente abstracto)
Ya en esta última escala la imagen está completamente abstraída, los detalles se ven de forma ilógica, no se aprecia casi nada del objeto original. Aquí se usan colores, formas, conceptos, estructuras y texturas abstractas.
Una de las representaciones más utilizadas para explicar esto es la serie de once litografías del Toro de Picasso, una obra de arte de 1946. En ella se aprecia un toro que al principio se vuelve cada vez más musculoso y realista. Sin embargo, la tendencia se invierte. Paso a paso se va eliminando todo lo que no representa la esencia de un toro, cada dibujo subsiguiente se vuelve más simple hasta que la undécima litografía se convierte en un dibujo de líneas de un toro.
La iconicidad en el Diseño Gráfico
Cuando hablamos de iconicidad en el diseño gráfico, hablamos de la semejanza que tiene una determinada imagen con el objeto o persona que esta imagen intenta representar. En otras palabras, es ese parecido que tiene la imagen con el objeto real.
Un diseñador gráfico tiene como meta transmitir mensajes y no solo a través de textos, ya que se ha valido de la iconicidad para transmitirlos. No es de sorprendernos que los iconos puestos en empaques, aparatos eléctricos y señalética hayan roto fronteras y sean reconocibles a nivel mundial. Por ejemplo: los iconos de hombre y mujer que aparecen en todos los baños, cualquier persona de cualquier país puede reconocerlos.
El diseñador, a la hora de realizar sus trabajos, siempre necesitará recursos gráficos que tendrán un grado de iconicidad. El conocimiento de los conceptos de iconicidad le permitirán saber qué recurso de tal grado es conveniente para no generar desequilibrio y buscar una armonía gráfica que no distorsione el mensaje. Esto último, es contrario al arte debido a que este podría usar todos los grados de iconicidad en una sola obra y enviar múltiples mensajes en la búsqueda de generar reflexión y de evocar diferentes emociones en los espectadores de dicha obra.
Un diseñador gráfico nunca producirá una obra abstracta porque, al hacerlo, su trabajo dejaría de ser un diseño y pasaría a ser arte, y no debemos confundir el trabajo de un artista con el trabajo de un diseñador. Aunque ambos tienen ciertos conocimientos similares, los dos tienen diferentes objetivos y pasan por diferentes procesos. Es de resaltar que algo abstracto puede llevarse a un nivel determinado de iconicidad y transformarse en un icono.
El diseño icónico como parte de un lenguaje visual
Los iconos, símbolos, metáforas y signos se utilizan en el diseño digital (como sitios web y aplicaciones) y en el mundo natural. Los vemos en forma de lenguaje escrito, señales de tráfico, interfaces de usuario y marcas, y todos ellos comunican un significado y un valor cultural dentro de un marco de iconicidad y abstracción.
Así, nos comunicamos utilizando diseños icónicos que son relevantes para algo que entendemos. Por ejemplo, la iconicidad la utilizamos a diario en nuestros emojis para transmitir una emoción o una reacción en nuestros mensajes de texto. Y cuando vemos una señal de stop, sabemos qué acción plausible debemos realizar a continuación.
La iconicidad en el diseño gráfico también puede utilizarse mediante señales visuales para hacer algo (como la manija de una puerta o el interruptor de la luz). El pionero de la UX, Don Norman, describe esta forma de diseño como “significante”. Afirma que «el término significante se refiere a cualquier marca o sonido, cualquier indicador perceptible que comunique a una persona un comportamiento adecuado».
Los diseños icónicos pueden utilizarse inconscientemente como parte de un lenguaje visual (https://www.erickhurtado.click/lenguaje-visual/) que ayuda a ahorrar tiempo y memoria. Cuando la iconicidad en el diseño se utiliza con frecuencia, se arraigan en nuestra mente y se utilizan subconscientemente como parte de un lenguaje visual, una biblioteca infinita de símbolos y metáforas aprendidas.
En el diseño de interfaces de usuario, el consumidor responde de forma natural a los íconos (también conocidos como iconografía) que representan objetos y significados del mundo natural. Por ejemplo, la lupa en nuestro celular. Al verla, percibimos inmediatamente este icono como una metáfora para buscar algo. La “casa” se utiliza habitualmente como señal visual para navegar hacia una página web. Y un bote de basura o papelera nos dice que podemos deshacernos de los archivos no deseados.
La iconicidad puede influir emocionalmente en nuestra reacción hacia una marca, producto o servicio. Por ejemplo, las calificaciones con estrellas son indicadores que suelen captar la atención del usuario e influir en su comportamiento de compra. Sin embargo, algunos diseños pueden ser menos percibidos que otros.
El botón de menú de hamburguesas, por ejemplo, puede parecer arbitrario a los usuarios novatos de la web. Según el portal DiarioInforme, fue creado por Norm Cox, el diseñador gráfico de la Xerox Star, la primera computadora personal comercial. Norm diseñó el símbolo como un contenedor para las opciones del menú.
Pero pocos saben de dónde proviene y qué representa. En este caso, la abstracción en el diseño de algunas marcas suelen carecer de claridad cuando se muestran solas o con poco contexto.
Al utilizar la iconicidad en el diseño gráfico https://www.erickhurtado.click/7-elementos-visuales-diseno-grafico/ como parte de un lenguaje visual que todos podemos entender, podemos tomar decisiones rápidamente, ahorrar tiempo y reducir la carga cognitiva.
Las marcas globales y la iconicidad
La iconicidad en el diseño gráfico ha logrado un reconocimiento global, y esto ha funcionado ciertamente bien para gigantes como Apple, Google, Mercedes-Benz y Coca-cola. Pero para que una marca sea realmente icónica, tiene que llegar a su público en múltiples niveles.
El producto o servicio necesita un buen tono de voz, contar una historia apasionante, evocar emociones y ser memorable. A nivel visual, implica saber jugar con la iconicidad y la abstracción. Eso lo saben bien las marcas.
Algunas de las más exitosas y percibidas a nivel mundial se han convertido en imágenes icónicas por razones positivas. Apple es famosa por sus productos innovadores y de moda, como el iPhone y el iWatch.
Facebook es el lugar para las actualizaciones sociales, conectar con la gente e incluso cuando estás aburrido. El logotipo y la iconicidad de Facebook son una de las marcas más reconocidas del mundo, con un diseño relativamente simple y sencillo. Y Google ha tenido un gran impacto en la web con su iconicidad hasta el punto de que la gente utiliza la marca como término para buscar algo en línea. “¿Cuál es la capital de Australia?” “¡Guglealo!”, solemos decir.
Sin embargo, la reputación global de una marca también puede sufrir por las percepciones sociales negativas. A principios de 2018, el escándalo de datos de Cambridge Analytica influyó en que la gente se volviera aún más escéptica a la hora de relacionarse con las marcas de los medios sociales, en particular con Facebook. Las revelaciones de que los consultores digitales de la campaña de Trump abusaron de los datos de millones de usuarios de Facebook provocaron furor, explica The New York Times https://www.nytimes.com/2018/04/04/us/politics/cambridge-analytica-scandal-fallout.html.
Recursos iconográficos de Flaticon
Para terminar nuestro recorrido, quiero recomendar un buen lugar para encontrar los recursos iconográficos de diseñadores para diseñadores. Dicho sitio es Flaticon.com y a continuación te cuento un poco de él.
Flaticon es una gran base de datos de iconos simples (pictogramas) pero no es solo eso, hay mucho más. Además, todos estos iconos están disponibles en formato vectorial (SVG y PNG) facilitando el uso de dichos iconos en dispositivos retina, y además cuentan con un plugin para Photoshop con el que quieren revolucionar el uso de iconos por parte de los diseñadores. Gracias a este plugin el usuario tiene acceso sin salir de Photoshop a una base de datos de más de 10 mil iconos vectoriales. El plugin se conecta directamente a la base de datos de Flaticon y se mantiene constantemente sincronizado.
Flaticon sin duda alguna es un excelente lugar para descargar esos iconos que necesitamos a la hora de hacer algún diseño de forma gratuita.
El mundo se desarrolla de forma vertiginosa y las tecnologías cada día hacen que las actividades sean más simples, el diseño no escapa de esto. Las cosas cada vez son más fáciles de entender y hay múltiples formas de acceder al conocimiento.
¿Qué es la abstracción?
La primera vez que vimos una pintura abstracta, nuestra mente no tenía ni idea de qué era o qué quería decir. Después de la decodificación, investigación, observación e incluso de lo dicho por algún experto, logramos entender qué significaba determinado cuadro. En pocas palabras, la abstracción es un arte bastante complicado de decodificar para el público en general.
Ya hemos mencionado que la abstracción es el nivel más bajo de la iconicidad, pero ¿qué más podemos decir de la abstracción? La abstracción es una representación de ideas, pensamientos, conocimientos y conceptos. El nombre tiene su base etimológica en el latín “Abstractio” que significa aislamiento.
Algunas características básicas de la abstracción son:
Intenta llevar la menor cantidad de elementos posibles para representar un objeto predeterminado.
Es muy mínimo en el detalle.
Intenta simplificar al máximo todo hasta donde sea posible.
Se requiere un alto nivel de dedicación.
Rompe las proporciones.
Utiliza las formas geométricas.
Grados de la abstracción
Sin embargo, la abstracción tiene varios grados que debes conocer y a continuación te los mostraremos.
Primer grado
El primer grado de la abstracción es conocido como la abstracción formal, en este grado se conoce la materia que forma a los objetos abstractos y así poder captarlos. Este grado corresponde mucho a la física, en la antigüedad era llamado ¨Physica¨.
Segundo grado
El segundo grado es la abstracción de la materia sensible, aquí se cuenta la cantidad, número o extensión de la materia que forma el objeto. En este segundo grado se emplea mucho la matemática antes que la física.
Tercer grado
El tercer grado se conoce como la abstracción de toda materia, en este grado se prescinde de todo tipo de materia, solo se conocen las realidades espirituales. No se usa ni la materia, matemática o física, sino solamente la metafísica o también la filosofía.
Iconicidad y abstracción
El siglo XX fue un verdadero punto de inflexión en la historia del arte, ya que fue un siglo muy productivo en experimentación. Esto hizo que los bordes entre la iconicidad y la abstracción alcanzaran su máximo esplendor.
La representación fue cuestionada por numerosos movimientos artísticos como el cubismo, el futurismo, el movimiento De Stijl, etc. Fernand Mourlot (1895-1988), impresor y litógrafo francés, acogió regularmente en su estudio a numerosos artistas, como Picasso, Matisse y Braque.
Un ejemplo de iconicidad y abstracción, el toro de Picasso. Para llegar a dibujarlo en una sola una línea, tuvo que pasar por todos los toros anteriores. Apenas alcanzas a imaginar el trabajo que tuvo que hacer. En el siguiente gráfico, puedes observar todos estos pasos de deconstrucción y simplificación de la forma y cómo el artista partió de una ilustración para llegar a un ideograma del toro.
Hasta aquí nuestro post sobre la iconicidad en el diseño gráfico. Como te has podido dar cuenta, muchos artistas y diseñadores gráficos han explorado el poder de la línea para transmitir un significado e inspirar una respuesta emocional que ha permanecido en el tiempo.
Una vez que hayas reflexionado sobre todas estas cosas en tus pensamientos, también deberás recordar que tendrás que ser abierto de mente, creativo, disciplinado y muchas cosas más.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
