Seis sombreros para pensar: qué es y cómo usar esta técnica creativa
La creatividad es algo esencial en la resolución de problemas, pero a menudo nos encontramos con obstáculos que dificultan encontrar soluciones. Para superar estos bloqueos y generar nuevas ideas, uno de los métodos más eficaces y reconocidos, en el campo del Design Thinking, es la técnica de los seis sombreros para pensar. Esta metodología estimula el pensamiento lógico y creativo, permitiendo abordar retos desde nuevas perspectivas y encontrar caminos alternativos.
En este artículo, te explico qué es la técnica de los 6 sombreros para pensar, su utilidad, el significado de cada color y cómo aplicarla con dos ejemplos.
¿Qué son los 6 sombreros de pensamiento?
La técnica de los 6 sombreros para pensar es un método ideado por el psicólogo y escritor Edward de Bono, considerado uno de los mayores expertos mundiales en el campo del pensamiento creativo. Esta herramienta es utilizada principalmente por las empresas para tomar decisiones acertadas en grupo, fomentar el trabajo en equipo y optimizar la solución de problemas.
El objetivo de los 6 sombreros para pensar es facilitar el pensamiento paralelo, en otras palabras, usar simultáneamente diferentes enfoques y modos de pensar para obtener un panorama más amplio de la situación y encontrar soluciones innovadoras a los problemas.
¿Qué significan los seis sombreros de pensamiento?
Es importante entender qué representan los seis sombreros para pensar. Por eso, Edward De Bono propone seis colores de sombreros para representar seis maneras de pensar.
Sombrero blanco del pensamiento: representa el pensamiento objetivo, basado en los hechos y la información disponible. Al usar este sombrero, nos centramos en recopilar y analizar los datos relevantes para el problema. Evita las opiniones, las interpretaciones y las emociones.
Sombrero rojo del pensamiento: representa el pensamiento emocional, basado en los sentimientos y las intuiciones. Este sombrero permite expresar las sensaciones y sentimientos acerca del problema, sin tener que justificar o argumentar.
Sombrero amarillo del pensamiento: representa el pensamiento optimista, basado en los beneficios y las oportunidades que ofrece el problema. Al usar este sombrero, nos enfocamos en ver los beneficios de una idea.
Sombrero negro del pensamiento: representa el pensamiento crítico, analiza las debilidades y amenazas, así como las dificultades y los obstáculos. Al usar este sombrero, nos enfocamos en evaluar los inconvenientes e identificar los posibles riesgos para prevenir problemas.
Sombrero verde del pensamiento: se basa en el pensamiento creativo, en la generación de ideas nuevas y originales para resolver el problema. Este sombrero nos ayuda a romper con mapas mentales establecidos.
Sombrero azul del pensamiento: basado en la planificación y la gestión del proceso de pensamiento. Al usar este sombrero, nos enfocamos en definir el objetivo del problema, establecer las reglas y a evaluar los resultados obtenidos.
6 Beneficios de la técnica los seis sombreros para pensar
Las ventajas del método de Edward de Bono 6 sombreros son:
Organización: La técnica de los sombreros de bono ayuda a ordenar el pensamiento y a enfocarse en un aspecto del problema o la decisión a la vez, eliminando la información irrelevante o redundante.
Creatividad: estimula la generación de ideas innovadoras y originales, alentando a los participantes a salir de sus zonas de confort y a explorar otras posibilidades.
Productividad: mejora el rendimiento y la eficiencia del equipo, al reducir el tiempo y el esfuerzo necesarios para llegar a una solución o una decisión. También evita las discusiones improductivas y los bloqueos mentales.
Efectividad: mejora la calidad de las soluciones o decisiones, al considerar todos los aspectos relevantes, como los beneficios, los riesgos, los hechos, los sentimientos, las alternativas y las acciones.
Inclusividad: fomenta la participación y la colaboración de todos los miembros del equipo, al darles la oportunidad de expresar sus opiniones y puntos de vista desde diferentes roles. También promueve el respeto y la empatía entre los participantes
Habilidades interpersonales: desarrolla las habilidades de comunicación, negociación, liderazgo y trabajo en equipo, al facilitar el intercambio de información, el consenso, la coordinación y el feedback.
¿Cómo usar la técnica de los seis sombreros para pensar?
La técnica de los seis sombreros para pensar se puede aplicar tanto de forma individual como grupal. En ambos casos, el objetivo es cambiar deliberadamente de sombrero según el momento y la necesidad, para evitar quedarse atrapado en un solo modo de pensar y aprovechar al máximo las capacidades de cada uno y en grupo.
Por lo tanto, este sistema busca pensar desde diferentes enfoques y puntos de vista para obtener una visión más amplia del caso, ventajas y desventajas más efectivas y otras opciones que quizás no se habían considerado. Para usar correctamente la técnica de los seis sombreros para pensar, te explicamos paso a paso cómo hacerlo:
Definir el tema o el problema a tratar:
Se otorga el sombrero azul a la persona que va a coordinar la dinámica, con capacidades de liderazgo y de inteligencia emocional para mediar entre las diferentes opiniones. Se trata de establecer con claridad el asunto sobre el que se va a pensar, así como el propósito y el resultado esperado.
Elegir el orden y el tiempo de los sombreros:
Dado que esta metodología se basa en la creatividad, no existe una norma rígida a seguir. La secuencia y el tiempo asignado a cada sombrero se basa en el criterio del coordinador (el sombrero azul), permitiendo la flexibilidad de alternarlos según la dinámica de la sesión para mantener un proceso ágil. La creatividad también surge en el proceso, ya que puedes aplicar diferentes formas de uso:
Combinar dos sombreros simultáneamente para agilizar el proceso de los seis sombreros para pensar.
Establecer una dinámica ocasional en la que los participantes eligen el color del sombrero.
Repartir el mismo sombrero a todos los participantes para que piensen desde la misma perspectiva a la vez.
Rotar los sombreros para pensar entre los participantes para generar otras perspectivas y enfoques diferentes. Todo esto enriquece la visión general y simplifica la toma de decisiones.
Realizar la sesión.
Se recomienda que cada rol tenga un tiempo limitado, alrededor de un minuto, para que se cree un escenario de brainstorming y se aporten muchas opiniones en poco tiempo. Después de que los roles expresen su punto de vista, el sombrero azul puede cambiarlos, incluyendo el suyo propio. La sesión se acabará cuando se cumpla el tiempo establecido o cuando la dinámica se sature.
Seis sombreros para pensar ejemplos
Para ilustrar cómo se puede aplicar la técnica de los seis sombreros para pensar, te presentamos algunos ejemplos de problemas desde diferentes perspectivas.
Ejemplo 1: Supongamos que eres el CEO de una agencia de marketing y un cliente solicita tu ayuda para promocionar un nuevo producto ecológico al mercado. Para diseñar una estrategia exitosa, puedes usar la técnica de los 6 sombreros para pensar con tu equipo de trabajo.
Sombrero blanco: «Según las tendencias y el análisis previo, la alta demanda en el mercado de la sostenibilidad y ecología permanece en el tiempo. No obstante, es importante señalar que esta área enfrenta una competencia sólida. Los potenciales usuarios se encuentran en el grupo de individuos sensibilizados por cuestiones medioambientales, la salud y el consumo responsable.»
Sombrero rojo: «Este proyecto me inspira mucho. Desde mi perspectiva, el cliente ofrece un producto de alta calidad y la marca en cuestión refleja una filosofía medioambiental que comparto plenamente. Me gustaría que su web reflejara su esencia y su valor diferencial. También me gustaría que los usuarios se sintieran identificados con el cliente y sus productos, y que tuvieran una experiencia positiva al visitar su web”
Sombrero amarillo: “Creo que este producto muchos beneficios y oportunidades. Para el cliente, supone aumentar su visibilidad, su reputación y sus ventas. Para la agencia, supone demostrar nuestra capacidad, nuestra creatividad y nuestra eficacia. Para los usuarios, supone conocer una alternativa ecológica, saludable y responsable a los productos convencionales”.
Sombrero negro: “Veo algunos riesgos y dificultades en el cliente y la estrategia. Para el cliente, supone invertir un presupuesto considerable en una estrategia que no garantiza resultados inmediatos ni seguros. Para la agencia, supone enfrentarse a un mercado saturado y a unas expectativas altas. Para los usuarios, supone cambiar sus hábitos de consumo y confiar en una marca desconocida”.
Sombrero verde: «Una idea que podría explorarse es la creación de un blog que aborde temas relacionados con ecología, bienestar y prácticas de consumo sostenible. Este blog podría proporcionar información valiosa a los usuarios y, al mismo tiempo, contribuir a aumentar el SEO y la visibilidad del sitio web al generar tráfico dirigido. También podríamos usar técnicas de gamificación para incentivar la participación y la fidelización de los usuarios. O podríamos hacer una campaña de marketing viral con vídeos divertidos y originales que muestren los beneficios de los productos ecológicos”
Sombrero azul: cierra la sesión resumiendo los diferentes puntos de vista para tomar una decisión conjuntamente, argumentada e informada.
Ejemplo 2: Una organización benéfica contra la pobreza infantil busca socios y, al mismo tiempo, concienciar al público sobre este problema.
Sombrero blanco: «Recuerden que el 19% de la población infantil a nivel mundial sufre pobreza extrema. La pobreza infantil tiene graves consecuencias para el desarrollo físico, mental y emocional de los niños y niñas, así como para sus oportunidades de futuro”.
Sombrero rojo: “Creo que nuestra organización benéfica hace una labor muy importante y necesaria, y que merece todo nuestro apoyo y reconocimiento. Me siento orgulloso de ser socio y de contribuir a esta causa tan noble.”
Sombrero negro: “Nos enfrentamos a muchos retos. Por un lado, la situación económica y social de muchos países es muy inestable y puede afectar a la seguridad y la eficacia de nuestros proyectos. Por otro lado, hay mucha competencia entre las distintas organizaciones benéficas que buscan captar la atención y los recursos de los posibles socios y donantes. Además, hay que tener en cuenta la posible mala gestión de los fondos que pueden dañar nuestra reputación e imagen.”
Sombrero amarillo: “A pesar de las dificultades, contamos con fortalezas muy positivas. Por un lado, contamos con un equipo humano muy profesional, comprometido y motivado, que trabaja con pasión y dedicación por la causa. Por otro lado, tenemos una red de colaboradores y aliados en los países donde actuamos, que nos facilitan el acceso y el contacto con las comunidades locales”.
Sombrero verde: “Una buena opción para buscas nuevos donantes y socios, es lanzar estrategias online y eficaces. Por ejemplo, podríamos crear una campaña viral que invite a las personas a compartir una foto o un vídeo con un mensaje solidario. También podríamos organizar eventos online o presenciales, como conciertos, conferencias o talleres, diseñar productos o servicios solidarios, como camisetas, pulseras o cursos para darnos a conocer”
Sombrero azul: “Para lograr nuestro objetivo necesitamos definir un plan de acción claro y coherente, que tenga en cuenta todos los aspectos y perspectivas que hemos analizado con los otros sombreros”
Estos son solo algunos ejemplos de cómo se puede usar la técnica de los seis sombreros para pensar. Como puedes ver, esta herramienta es muy versátil y se puede adaptar a cualquier tipo de problema o tema que quieras abordar. Lo importante es atreverse a utilizarla y respetar el enfoque de cada uno.
Utilizar habitualmente la técnica de los seis sombreros para pensar, no solo ayudará a mejorar tu productividad y a tomar decisiones más acertadas, sino a fomentar el clima laboral y el espíritu creativo de trabajo en equipo.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Philip Kotler: Marketing 4.0. Transforma tu estrategia para atraer al consumidor digital
El libro Marketing 4.0, de Philip Kotler, muestra cómo se transforma tu estrategia para atraer al Consumidor digital.
El Marketing 4.0 sigue evolucionando para adaptarse a la naturaleza cambiante de los Recorridos de compra del consumidor en la Economía digital.
Desde el Marketing centrado en el Producto (1.0); al Marketing centrado en el Consumidor (2.0); hacia un Marketing basado en el Ser humano (3.0); el Marketing 4.0 evoluciona al ritmo de la Economía digital.
1. Principales tendencias de Marketing
El Marketing vertical, exclusivo e individual se convierte en Marketing horizontal, inclusivo y social.
En el Marketing 4.0 hay un traspaso del poder a clientes conectados de un Modelo exclusivo a inclusivo, de colaboración abierta del mundo online o modelos de crowdsourcing.
La globalización cambia el concepto de competencia de vertical a horizontal en busca de la confianza del cliente y la Conectividad.
El mundo digital más transparente de la comunicación de las marcas se hace Menos Individual y Más Social, el individuo pierde interés en favor del Factor “F” (family, friends, Facebook fans y followers).
2. Las paradojas del Marketing para consumidores conectados
Interacción online frente a interacción offline, consumidores informados frente a consumidores distraídos y valoración negativa frente a valoración positiva
Derrumbando los mitos de la Conectividad
La Conectividad ha sido el factor que ha cambiado las reglas del juego en la historia del Marketing. Reduce el coste de interacción, disminuye las barreras para acceder a nuevos mercados y el tiempo para desarrollar una marca.
Paradoja n.º 1: Interacción online frente a interacción offline
El Marketing online y el Marketing offline tienen que coexistir para ofrecer al cliente la mejor experiencia posible, lo que en un mundo con un alto nivel de Conectividad supone un desafío para marcas y empresas por la dificultad en integrar los elementos online y offline en la Experiencia global del cliente.
Paradoja n.º 2: Consumidores informados frente a consumidores distraídos
Los consumidores de hoy en día son más poderosos que nunca, pero también son muy dependientes de las opiniones de los demás y de las valoraciones que otros.
Paradoja n.º 3: Valoración negativa frente a valoración positiva
La Conectividad proporciona el escenario adecuado para que sean los consumidores los principales defensores de las marcas. Cualquier marca con un ADN claro y un carácter marcado probablemente despertará la antipatía de algún sector de mercado, pero puede llegar a contar con un ejército de fans dispuestos a proteger su marca en el mundo digital.
3. Las influyentes subculturas digitales
Los jóvenes para la cuota mental, las mujeres para la cuota de mercado y los internautas para la cuota emocional
Jóvenes: Obtener cuota mental de mercado
Los jóvenes son la Now generation, con una naturaleza tribal y una función muy fuerte de influenciadores del resto del mercado y capacidad para cambiar las reglas del juego.
Mujeres: Ampliar la cuota de mercado
El mercado femenino también es un objetivo lógico para las empresas, por su volumen y por su perfil claramente diferenciado.
Los hombres solo quieren realizar la compra y punto, mientras que las mujeres pretenden encontrar la solución, el producto o el servicio perfecto. Las mujeres son compradoras holísticas.
Internautas: Ampliar a la cuota emocional
Michael Hauben, allá por la década de los 90, acuño el término Netizens (Internautas), personas, que más allá de límites geográficos, se preocupan y trabajan por desarrollar Internet en beneficio de un mundo más global.
En el mundo online ya conocemos el Factor “F” (family, friends, Facebook fans y followers). Pero también proliferan ataques de cyberbullies, trolls y haters y aparecen influencers, youtubers y comunidades de internautas que crecen exponencialmente gracias a sus conexiones emocionales y mutuamente beneficiosas.
4. Marketing 4.0 en la Economía digital
Cuando lo online se combina con lo offline, el estilo se mezcla con la sustancia y a la Conectividad entre dispositivos se suma la conexión entre personas
El Marketing 4.0 aprovecha la Conectividad entre dispositivos y la inteligencia artificial para mejorar la productividad y la Conectividad entre personas para fortalecer el compromiso de los consumidores.
Del Marketing tradicional al digital
De la segmentación y la identificación de un público objetivo a la confirmación de comunidades de consumidores
Del posicionamiento y la diferenciación de marca a la clarificación de su personalidad y sus códigos
La marca va más allá de un nombre, un logo y un eslogan y ha pasado a ser la representación de la experiencia global que una compañía ofrece a sus consumidores.
De vender las 4 ‘P’ a comercializar las 4 ‘C’
El marketing mix se constituía por sus 4 “P” (producto, precio, punto de venta y promoción). Pero ha evolucionado para dar cabida a una mayor participación del consumidor y se define ahora por las 4 “C” (cocreación, divisa, activación comunitaria y comunicación, por sus siglas en inglés).
De un servicio de atención al cliente a un cuidado colaborativo del cliente
Las empresas deben pasar a ver el consumidor como a un igual: en vez de servir a los consumidores, la compañía debe preocuparse por escuchar al consumidor, responder a sus inquietudes y respetar siempre las condiciones establecidas por ambas partes, empresa y cliente.
Integración del marketing tradicional con el digital
El Marketing digital no reemplaza al tradicional, sino que debe consistir intercambiando funciones a lo largo del Recorrido de compra del consumidor.
La función más importante del Marketing 4.0 es identificar el cambio de funciones entre el marketing tradicional y el digital para lograr la implicación de los consumidores y conseguir que defiendan sus marcas a través del boca a boca.
Nuevos escenarios para el Marketing en la Economía digital
5. El nuevo Recorrido del consumidor
Atención, atracción, averiguación, acción y apología
Entender cómo compra la gente: De 4 ‘A’ a 5 ‘A’
El marco de Recorrido de compra del consumidor AIDA (atención interés deseo y acción) también ha experimentado ampliaciones y modificaciones.
También del Modelo 4 “A” (atención, actitud, acción y acción adicional), se evoluciona a un Modelo 5 “A” (atención, atracción, averiguación, acción y apología). Aunque las fases del Modelo 5 “A” no siempre se suceden en orden lineal, sino, que, en ocasiones, recorren el recorrido en una especie de espiral.
De la fase de atención a la de apología: La zona POE
El fin último del Marketing 4.0 es conducir a los consumidores desde la atención hasta la apología: La Zona POE.
La Zona POE suma la influencia Propia, más la influencia de Otros más la influencia Externa.
6. Parámetros de productividad del marketing
Ratio de Acción de Compra (RAC) y Ratio de Defensa de Marca (RDM)
Introducción del ratio de acción de compra y del ratio de defensa de marca
El Ratio RAC mide la eficiencia de una empresa para convertir la notoriedad de marca de los consumidores en acciones de compra.
Y, el Ratio RDM, mide la eficacia de una compañía para convertir la notoriedad de marca en defensa de marca.
Deconstrucción del ratio de acción de compra y del ratio de defensa de marca
Los índices de conversión se utilizan para saber cómo intervenir en el aumento de número de fieles defensores de marca.
Aumento de la productividad
Se puede aumentar la productividad mediante 4 palancas: Incrementar el nivel de atracción, Optimizar la curiosidad, Incrementar el nivel de compromiso e Incrementar la afinidad.
7. Mejores prácticas y modelos de sector
Canal, marca, ventas y gestión de servicio
Cuatro grandes modelos de sector
Los índices de conversión entre las 5 “A” pueden tomar cinco patrones diferentes: Picaporte, Carpa, Trompeta, Embudo y Pajarita.
Cuatro mejores prácticas en marketing
En un sector con Ratio RDM medio, sin boca a boca y sin líderes de mercado, prima la Fuerza de ventas y el Servicio si existen líderes de mercado.
En los sectores con alto Ratio RDM, con boca a boca y sin líderes de mercado, predomina el Canal y la Gestión de marca si hay boca a boca y también líderes de mercado.
Aplicaciones tácticas del Marketing en la Economía digital
8. Marketing centrado en el ser humano para generar atracción a la marca
Cómo construir marcas auténticas que actúen como amigas
Cómo entender al ser humano a través de la antropología digital
La Antropología digital se centra en el nexo entre la humanidad y la tecnología digital para explorar el modo en que el ser humano interactúa con las interfaces digitales.
Escucha social
La Escucha social es el proceso proactivo de monitorización de lo que se dice sobre una marca en Internet, especialmente, en redes sociales y en las comunidades online.
Netnografia
Netnografia: etnografía centrada en Internet, un método para entender las conductas humanas en las comunidades online y tribus de Internet. La Netnografia estudia al ser humano mediante una discreta inmersión en sus comunidades naturales.
Investigación empática
La Investigación empática conlleva la observación participativa y la inmersión en el contexto de las comunidades de consumidores para desvelar las necesidades latentes del consumidor.
Cómo crear las seis cualidades de una marca centrada en el ser humano
Si una marca quiere influir en los consumidores como amiga, sin imponer autoridad, debe poseer estas seis cualidades humanas: Buena presencia física, Nivel intelectual, Sociabilidad, Inteligencia emocional y Personalidad.
9. Marketing de contenidos para generar curiosidad por la marca
Cómo iniciar la conversación con un relato potente
El contenido es el nuevo anuncio, el #hastag es el nuevo eslogan
El Marketing de contenidos es un enfoque de Marketing que consiste en crear, seleccionar, distribuir y amplificar contenido interesante, relevante y útil para un grupo determinado de público con el fin de generar conversaciones en torno a él.
El Marketing de contenidos paso a paso
Toda campaña de Marketing de contenidos debe cumplir estos pasos fundamentales: Fijación del objetivo, Definición del público, Desarrollo y planificación del contenido, Creación del contenido, Distribución del contenido, Amplificación del contenido, Evaluación y Mejora del Marketing de contenidos.
10. Marketing omnicanal para lograr el compromiso con la marca
Integración de las experiencias de marketing tradicional y digital
El auge del Marketing omnicanal
La manera en que las empresas abordan los canales de venta y de comunicación debe cambiar para adaptarse a la nueva realidad multicanal.
Tendencia 1: Prioridad del comercio vía móvil en la Economía del “ahora”
En la Economía del “ahora” la rapidez de la transacción es a veces tan importante como el producto o el servicio en sí mismo, y florecen mercados con marcas que conectan a vendedores y compradores en tiempo real.
Tendencia 2: Presencia de la compra por visita a la web en los canales offline
En los expositores de las tiendas físicas, las empresas tienen que ayudar a los consumidores a descubrir su marca en medio del desorden y de las distracciones del comercio.
Tendencia 3: Presencia de la compra por visita a la tienda en los canales online
La compra offline es una experiencia en la que intervienen los cinco sentidos y tiene que ver con el status quo y el estilo de vida de los consumidores.
Mediante realidad aumentada y catálogos impresos, se proporciona a los consumidores la experiencia de comprar y analizar los productos en espacios reales, aportando lo mejor de la experiencia offline a los canales online.
Optimización de la experiencia omnicanal con el análisis de big data
Conocer el Recorrido de compra que hace el consumidor por la tienda y el punto en el que se detiene más tiempo permite a la empresa mejorar la distribución y exposición de las mercancías.
El Marketing omnicanal paso a paso
Paso 1: Localizar todos los canales y los posibles puntos de contacto a lo largo del Recorrido de compra del consumidor Paso 2: Identificar los canales y puntos de contacto más críticos Paso 3: Mejorar e integrar los canales y puntos de contacto más críticos
11. Marketing de participación para generar afinidad con la marca
Cómo aprovechar el potencial de las Aplicaciones móviles, el CRM social y la Gamificación
Cómo mejorar la experiencia digital con Aplicaciones móviles
Las Aplicaciones móviles pueden lanzarse con el objetivo de ser un medio de difusión de contenido, también como canales de autoservicio para acceder a la cuenta de usuario o hacer transacciones, y en un tercer nivel las Aplicaciones móviles pueden integrarse en la experiencia del producto o servicio.
Las empresas deben que llevar a cabo estudios para Determinar los usos; Diseñar las funcionalidades clave y la interfaz del usuario y Desarrollar la integración final de Aplicaciones móviles.
Ofrecer soluciones para la gestión de la relación con clientes en redes sociales
El CRM social es fundamental, como herramienta esencial de fidelización, para gestionar las redes sociales y las interacciones de la marca con los consumidores de cara a establecer relaciones a largo plazo.
Por otro lado, el CRM social debe Desarrollar capacidades de percepción y respuesta, Favorecer el desarrollo y la autonomía de los agentes de gestión de relación con clientes social y Aprovechar la participación de las comunidades.
Cómo conseguir las conductas deseadas a través de la gamificación
La Gamificación usa principios lúdicos en contextos ajenos al juego y constituye una herramienta eficaz para fomentar la participación e implicación de los consumidores.
Nuestro programa de Gamificación debe Definir las acciones que se quieren generar, Definir la inscripción en el programa y sus niveles y Determinar los reconocimientos y recompensas.
El Momento wow
El Momento wow se desencadena cuando un individuo ve satisfecho alguna inquietud latente.
En el Marketing 4.0, el Momento wow es lo que diferencia una marca de sus competidores.
Es posible diseñar una estrategia, crear los procesos y las infraestructuras necesarias y formar a los miembros de una compañía para buscar esos factores o Momentos wow a lo largo de las 5 “A”.
El libro Marketing 4.0, de Philip Kotler, muestra cómo las empresas y marcas líderes no dejan pasar la oportunidad de un Momento wow. Configuran las interacciones con el consumidor de manera creativa para llevarlos desde la satisfacción hasta la experiencia y de ahí a su compromiso y participación.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Psicología del color: el significado de los colores
¿Cuál es el significado de cada color y en qué ámbitos se aplica la Psicología cromática?
La psicología del color es un campo de estudio que está dirigido a analizar cómo percibimos y nos comportamos ante distintos colores, así como las emociones que suscitan en nosotros dichos tonos.
Hay ciertos aspectos subjetivos en la psicología del color, por lo que no hay que olvidar que pueden existir ciertas variaciones en la interpretación y el significado entre culturas. A pesar de todo, hay ciertos principios aceptados que vamos a repasar en este artículo y que se aplican fundamentalmente a las sociedades occidentales.
Psicología del color: influencia en las emociones y el estado mental
¿Sabías que los colores de tu alrededor pueden estar influenciando tus emociones y tu estado mental? ¿Sabías que ciertas tonalidades pueden irritarte o, por el contrario, relajarte y calmarte? Pues debes saber que los colores que te rodean sí que pueden tener un efecto en ti.
Esta afirmación no es nueva. De hecho, muchas empresas diseñan sus logos teniendo en cuenta los colores que emplean, pues de esta manera envían un mensaje u otro al consumidor. Cuando se decora una tienda también se valora qué colores se emplean, pues es casi una necesidad que la gente sienta el deseo de comprar cuando está en el local. Pero no solo se utiliza la psicología del color para sacar un beneficio económico.
En la arteterapia, el color se asocia a las emociones de la persona y es una manera de influenciar el estado físico y mental del paciente. Por ejemplo, los estudios han demostrado que el rojo aumenta el ritmo cardíaco, lo que, a su vez, provoca un aumento de adrenalina y hace que los individuos se sientan enérgicos y entusiasmados.
¿Por qué los colores influyen en nuestra mente y comportamiento?
El modo en el que los colores nos inducen a experimentar determinadas sensaciones y a adoptar ciertas actitudes tiene dos tipos de causas: las biológicas, por un lado, y las culturales, por el otro.
En lo que respecta en los aspectos biológicos de este fenómeno, la Psicología del color es una realidad más allá de la especie humana: en la naturaleza, la percepción de colores influye en la conducta de muchos animales. Por ejemplo, algunos reptiles del grupo de los eslizones ahuyentan a sus depredadores mostrando su lengua, de color azul oscuro, ya que el resto de especies lo ven como una señal de enfermedad. Por otro lado, las combinaciones con colores rojos y amarillos son vistas como una señal de peligro, y muchas especies las usan a modo de advertencia (e incluso hay otras totalmente inofensivas que adoptan tonalidades parecidas para intentar parecer intimidantes).
En lo que respecta a los aspectos culturales, prácticamente todas las sociedades humanas asocian los colores a determinados conceptos para expresar ideas abstractas, algo normal si tenemos en cuenta que nos es difícil utilizar pigmentos para crear pinturas corporales, dibujos sobre todo tipo de soportes, etc. Y, por otro lado, el Homo sapiens es una especie muy visual, y con una gran capacidad para percibir muchos colores (la mayoría de mamíferos y reptiles perciben muchos menos).
La psicología del color en la vida cotidiana
Y es que no suena nada rara la afirmación de que los colores provocan un efecto emocional en nosotros. De hecho, forma parte de nuestro lenguaje cotidiano. En otras palabras, es común hablar de colores cálidos, como el rojo, el amarillo o el naranja, que pueden suscitar distintas reacciones, desde positivas (calidez) o negativas (hostilidad y enfado).
O, por contra,también solemos hablar de colores fríos, como el verde o el azul, que suelen provocar una sensación de calma pero también tristeza.
Ya que todos estamos familiarizados con estos conceptos, la psicología del color se emplea en la vida cotidiana. Por ejemplo, cuando pintas tu casa y consideras qué colores quieres para tu hogar porque vas a pasar muchas horas allí dentro.
Cuando haces eso, sueles tener en cuenta cómo te harán sentir las diferentes tonalidades: ¿un gris elegante para el salón? ¿una cocina verde que se asocie a la primavera y la frescura? A lo mejor te gusta el yoga y la meditación y quieres una habitación blanca porque sabes que tiene un efecto relajante. Esto son solo algunos ejemplos de cómo empleamos la psicología del color casi sin darnos cuenta.
Marketing emocional y psicológica de los colores
Tal vez el área en el que más se aplique la psicología del color es en marketing. Es habitual creer que las decisiones que tomamos a la hora de comprar se basan en un análisis racional, pero, en muchas ocasiones, nuestra emociones son las que deciden por nosotros.
Desde hace un tiempo. y en cuanto a la toma de decisiones se refiere, incluso la neurociencia moderna se había centrado sólo en los aspectos cognitivos del cerebro, olvidando las emociones. Todo esto cambió con el libro de Antonio Damasio llamado “El error de Descartes”. Un texto de psicología altamente recomendado que aporta evidencia científica sobre la importancia de las emociones en nuestras decisiones.
¿Y cómo llegamos al corazón del cliente? Pues a través de los sentidos, básicamente gracias al oído y la vista. Por eso, cuando entras a una tienda de moda suena música enérgica y puedes apreciar un decorado y un colorido te dice: “compra, compra, compra”. Según Color Marketing Group, una compañía especializada en el uso de los colores, casi el 85% de las razones por las que una persona elige un producto sobre otro tiene que con la percepción del color.
La psicología del color también se aplica en el branding. ¿Sabías que el rojo estimula el apetito? Pues eso es así, según indican distintas investigaciones. Por lo que no es de extrañar que cadenas conocidas de comida rápida como Pollos Chuy, Pizza Hut y KFC empleen este color en sus logotipos e instalaciones.
El simbolismo de los colores y cómo éstos afectan a la mente humana
El simbolismo de los colores es un territorio ciertamente ambiguo y que, en ocasiones, no es del todo aceptado en el campo científico. Como ya se ha dicho, el color tiene muchas lecturas dependiendo del contexto del que se trate. No obstante, a continuación vamos a identificar los colores más importantes con sus significados más o menos aceptados (por lo menos en Occidente).
Blanco
En las culturas occidentales (y también en algunas orientales, como la hindú), el color blanco representa lo puro e inocente, así como la limpieza, la paz y la virtud. En culturas orientales y africanas es el color de la muerte: el alma pura que se va.
Ciudad de Sucre, Bolivia, también denominada “Ciudad Blanca”
Amarillo
El amarillo representa la luz y el oro. Suele relacionarse con la felicidad, la riqueza, el poder, la abundancia, la fuerza y la acción. No obstante, los investigadores lo consideran uno de los colores más ambiguos, pues también representa la envidia, la ira y la traición. La excesiva presencia de amarillo intenso puede llegar a irritar a una persona, ya que normalmente estamos acostumbrados a verlo en superficies relativamente pequeñas.
Árbol de Tajibos en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra.
Rojo
El rojo se asocia a la estimulación, la pasión, la fuerza, la revolución, la virilidad y el peligro. Probablemente, esto tenga mucho que ver con que el rojo es el color de la sangre, que también asociamos a cierta noción de vitalidad, agresividad y sensaciones extremas. Es uno de los colores con mayor consenso entre los expertos y, de hecho, vestir de este color nos lleva a comportarnos de un modo ligeramente más asertivo y extravertido.
Bandera de la Confederación Perú – Boliviana.
Naranja
El naranja se asocia a la creatividad, la juventud, el entusiasmo, la emoción y la acción. También puede relacionarse con la lujuria y la sensualidad, con lo divino y la exaltación. En el mundo del marketing político, se suele decir que el naranja es el color más optimista de todos, por lo menos en las sociedades occidentales.
Azul
El azul es el color del cielo y del agua, y representa la tranquilidad, la frescura y la inteligencia. En el mundo del marketing se emplea en muchos logotipos como Facebook o LinkedIn. Es un color elegante y corporativo, uno de los más usados por las empresas. Transmite confianza y pureza.
Logotipo de la empresa de aviación, BOA.
Verde
El verde representa la juventud, la esperanza y la nueva vida, pero también representa la acción y lo ecológico. Los decoradores de interiores coinciden en señalar que una habitación pintada con un color verde suave incita a la relajación y al bienestar.
Logotipo de la plataforma Piensa Verde.
Morado
El morado es muy valorado en el mundo del marketing, puesto que representa la sofisticación y la elegancia. Además, se suele asociar este color al misterio, la nostalgia y la espiritualidad. Es un color ampliamente usado en los productos antiedad, precisamente por ese toque de glamour que desprende.
Línea gráfica de un producto del BNB.
Rosa
El rosa es un color con unos atributos bien acotados: es el color de la dulzura, de la delicadeza, de la amistad y del amor puro. Nuestro acervo cultural lo asocia también a lo femenino.
Identidad visual de la marca de moda Femenina.
Gris
El gris tiene connotaciones un tanto distintas según la cultura. Mientras alguna gente percibe este color como la indeterminación o la mediocridad, los expertos en psicología del color le dan un significado distinto:la paz, la tenacidad y la tranquilidad.
Logotipo de la marca Apple.
Negro
El negro tiene connotaciones negativas pues se asocia a la muerte, a lo malvado o a la destrucción. En cambio, en el antiguo Egipto representaba la fertilidad y el crecimiento. Debido a su relación con la oscuridad, el negro simboliza el misterio y lo desconocido. En el mundo de la moda, el negro es el color de la elegancia, la formalidad y la sobriedad.
Logotipo de la marca Nike.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Teoría del color: ¿Qué es y cómo me ayuda a crear diseños únicos?
¿Qué es la teoría del color? ¿Por qué hay una teoría sobre ello? Los colores son parte esencial del mundo y, sin darnos cuenta, nuestro subconsciente puede recibir mensajes a través de ellos. Entonces, ¿cuáles son los efectos psicológicos de los colores?
Cambiar sutilmente la tonalidad del color puede evocar reacciones totalmente distintas. Conocer qué es la teoría del color nos ayudará a entender las propiedades de los colores y el significado de los colores, de esta forma, sabremos qué color utilizar para transmitir nuestro mensaje correctamente.
Por otro lado, crear una armonía de color es un proceso que no solo requiere de gusto y criterio, sino, también, de ciertos conocimientos; entre ellos, el más importante es la teoría del color. Pues, sin ella, tus creaciones tendrán menos impacto de lo esperado.
En este artículo, recogeremos todos los conceptos básicos de la teoría del color. Además, te mostraremos todo sobre el círculo cromático y las combinaciones de color para que sepas cómo aplicar la teoría del color en diferentes campos, como en el maquillaje, en el diseño gráfico y en el diseño de interiores.
Entonces, ¿estás listo para descubrir qué es la teoría del color y todo lo que interviene en ella? ¡Sigue leyendo!
¿Qué es el color?
Antes de ahondar en lo que es la teoría del color, debemos responder qué es el color. En esta oportunidad, iremos desde lo más básico hasta lo específico y, al final del artículo, serás todo un experto.
Entonces, ¿cómo se define un color? La Real Academia Española presenta la definición de color como una “sensación producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la longitud de onda”.
Isaac Newton, físico y matemático inglés, en 1665, estableció la teoría física del color, la cual define el color como una combinación de luz y oscuridad, siendo el negro puro correspondiente al valor cero, como la ausencia de luz y el blanco puro, como el valor máximo de luminosidad.
Aparte del color blanco y del color negro puro, todos los otros colores se componen por una variedad de gris. Más adelante, conocerás más sobre las combinaciones de colores, ¡todo a su tiempo!
Ahora que ya sabes qué es el color, es momento de responder la pregunta central de esta nota: ¿qué es la teoría del color?
¿Qué es la teoría del color?
Entonces, para definir en qué consiste la teoría del color, en pocas palabras, podemos decir que esta comprende las reglas básicas que determinan cómo combinar los colores para obtener el efecto deseado.
Pero, ¿cuál es la importancia de la teoría del color? ¿Para qué sirve la teoría del color? Básicamente, para saber cuál es el poder del color en nuestra mente y para entender cómo componer armonías de colores, pues esto es esencial para las comunicaciones, el diseño y el arte, ya que el color que se escoja tendrá efectos determinados.
Al conocer qué es la teoría del color, podrás aprovechar los beneficios que te ofrece cada uno para poder acercarte a tus clientes actuales y potenciales; ya que, como verás más adelante, los colores son importantes para dar a entender el mensaje en sí.
Propiedades del color
Según Archi Palettes, sitio web dedicado al estudio al estudio y a la enseñanza del color en las artes plásticas y visuales, las propiedades del color “son las distintas cualidades que nos permiten diferenciar y definir colores”.
Estas cualidades se resumen en 3 categorías: tono, saturación y valor. A continuación, te las describimos.
1. Tono
En primer lugar, cuando hablamos de la tonalidad del color, matiz o tinte nos referimos a un color puro; es decir, un pigmento sin negro o blanco. En otras palabras, el tono identifica a todos los colores que conforman el espectro visible, por ejemplo, el rojo, el amarillo, el azul y el verde.
2. Saturación
En relación a la teoría del color, la saturación es sinónimo de la pureza del color o pigmento. Mientras menos pigmento tiene un color, se va desaturando, ya que va perdiendo su pureza. Existen tres formas para desaturar un color: añadiendo color blanco, añadiendo color negro o mezclándolo con su color complementario.
3. Valor
El valor, brillo o luminosidad de un color te indica la intensidad del estímulo luminoso; es decir, sabrás si el color es oscuro o claro en un rango de negro a blanco. Puedes regular la luminosidad del color de la siguiente manera: añadiendo blanco, para volverlo más luminoso, o añadiendo negro, para lograr el efecto contrario.
Círculo cromático
La rueda de color o el círculo cromático es uno de los principales elementos de lo que es la teoría del color. Se trata de una representación circular organizada de los colores.
El círculo cromático permite identificar la paleta de colores primarios y sus derivados: los colores secundarios y terciarios; así como las diferentes características de los colores que ayudan a organizar la rueda del color.
A continuación, te explicaremos los conceptos relacionados al círculo cromático.
1. Grupos de colores
Para empezar, existen 2 grandes grupos de colores: los colores cromáticos y los colores acromáticos.
Colores cromáticos
Se trata de todos los elementos de la rueda de color, los cuales se pueden dividir en dos partes: los colores cálidos y los colores fríos.
➤ Colores cálidos: son los colores que contienen más amarillo en su composición. Entre ellos, resaltan el rojo, el anaranjado y el mismo amarillo. Para tener algunos ejemplos de los colores cálidos podemos pensar en un atardecer, en el fuego y en las hojas en el otoño.
➤ Colores fríos: son los colores que contienen más azul en su composición. Entre ellos, resaltan el verde, violeta y el mismo azul. Para tener algunos ejemplos de los colores fríos, podemos pensar en el anochecer o en un glaciar.
Por otro lado, ¿qué hay de los colores neutros en la teoría del color? Estos son los colores que contienen igual cantidad de colores cálidos y fríos en su mezcla. Por ejemplo, el color marrón, es un color neutro por excelencia, ya que este se logra a través de la mezcla de los colores primarios por igual cantidad. También, se pueden considerar sus derivados, tales como el beige y los colores piel.
Colores acromáticos
En este grupo podemos encontrar tres colores: el negro, el blanco y el gris, pues están conformados solamente por un grado de luz u oscuridad.
2. Colores primarios, secundarios y terciarios
Los colores primarios se refieren a los colores base que forman parte de la rueda cromática; es decir, los que no se pueden obtener por la mezcla de ningún color. Entonces, ¿cuáles son los colores primarios? La paleta de los colores primarios está conformada por el rojo, el amarillo y el azul en el modelo tradicional.
Los colores secundarios son los que se forman de la combinación de dos colores primarios: el anaranjado, el verde y el violeta. Finalmente, los colores terciarios son la mezcla de un color primario con uno secundario adyacente.
3. Gradaciones cromáticas
Ahora, respondamos lo siguiente qué son las gradaciones cromáticas. Las gradaciones cromáticas o escalas cromáticas en la teoría del color se refieren al uso del blanco y el negro sobre un tono para obtener una sucesión de colores. Estas pueden ser escalas monocromáticas —de un mismo color— o escalas acromáticas —de grises—.
Como has podido ver hasta aquí, el círculo cromático comprende diversas categorías de colores. Estas te ayudarán a comprender los términos que te explicaremos más adelante.
Armonías de colores
¿Buscabas métodos de composición de colores? Con lo aprendido acerca del círculo cromático, podemos crear distintos esquemas de colores basándonos en las armonías de color, las cuales producen un efecto estético.
En lo que es la teoría del color, las combinaciones de color adecuadas generan una sensación de calma y equilibrio en el ojo del espectador.
1. Paleta monocromática
Esta armonía de color se basa en el uso de un solo color: su saturación y los rangos de sus propios matices y sombras. Se trata de una de las combinaciones de color más simple y armoniosa.
2. Paleta de colores análogos
En esta armonía de color se utilizan tres o más colores ubicados adyacentemente en la rueda del color. Como en el esquema anterior, es importante escoger un color predominante.
3. Paleta de colores complementarios
Esta armonía de color utiliza los colores opuestos en el círculo cromático, los cuales pueden estar en sus versiones cálidas, frías, saturadas, desaturadas o terrosas.
4. Paleta de colores complementarios divididos
Se trata de una variación de los colores complementarios. Para este tipo de armonía de color, se toma un color de base y los dos adyacentes al color directamente opuesto.
5. Paleta de colores triádicos o triada de colores
Esta armonía de color consta de 3 colores que forman un triangulo equilatero en el círculo cromático. El uso de estos colores crea un efecto muy atractivo, similar, aunque menor, al contraste que genera la combinación complementaria.
6. Paleta de colores cuadrada
Esta armonía de color utiliza 4 colores que forman un cuadrado en la rueda del color. La combinación de color cuadrada se utiliza cuando se desea obtener un estilo muy dinámico.
7. Paleta de colores tetrádicos o dobles complementarios
Finalmente, tenemos la combinación de color por complementarios doble, la cual incluye 2 pares de colores complementarios. Este es el esquema más difícil para armonizar; por ello, es importante elegir el color adecuado como predominante para evitar que la combinación se vea desequilibrada.
Ahora que conoces más sobre la teoría del color y sus armonías, te será más sencillo crear combinaciones para tus proyectos futuros.
Acordes cromáticos
Para seguir profundizando tus conocimientos con respecto a lo que es la teoría del color, es hora de conocer qué es un acorde cromático.
En pocas palabras, un acorde cromático es un conjunto de colores predeterminados y ordenados de una forma específica que están asociados con un efecto visual o con una emoción en particular por la impresión que generan. El color principal es el que presenta mayor influencia en el acorde cromático; sin embargo, el conjunto de colores es el que determinará el efecto.
Este concepto de la teoría del color es muy utilizado en el marketing, en el diseño de interiores, en el diseño gráfico y en el diseño web. Asimismo, está estrechamente relacionado con el concepto de la armonía del color, el cual estudiamos líneas arriba.
Contrastes de color
Para lograr un diseño equilibrado, el contraste entre elementos es un aspecto importante a la hora de componer. Se trata de un fenómeno con el que se diferencian los colores en su interacción.
Para que comprendas mejor este tema, te presentaremos los 7 contrastes de color delimitados en la teoría del color de Johannes Itten, profesor de la escuela Bauhaus, destacada entidad alemana enfocada en la arquitectura, diseño y arte.
1. Contraste por color en sí mismo
Para empezar, el primer contraste hace referencia a la combinación de los colores saturados. El grado máximo de tensión recae sobre los colores amarillo, magenta y cian, pues su pureza es alta y producirán mayor contraste cuando se combinen.
2. Contraste por luminosidad
Por otro lado, este contraste de color resulta de la tensión máxima que ocurre entre el blanco y el negro. En este caso, podemos encontrar una amplia gama de grises, así como diferentes grados de colores.
3. Contraste por temperatura
Este tipo de contraste hace referencia a la combinación entre los colores cálidos y los colores fríos con sus respectivos colores contrarios. Por ejemplo, para lograr un tono cálido, puedes añadir colores rojos o amarillos a tu mezcla; por otro lado, si quieres lograr un tono oscuro, puedes añadir azules o blancos al color base.
4. Contraste por complementarios
En este caso, se trata de combinar dos colores complementarios que están enfrentados en la rueda de color. Al combinarlos, podrás visualizar el color de forma clara, aunque violenta, debido a la saturación de los mismos.
Si quieres generar armonía en cualquiera de las combinaciones, lo ideal es mantener un color puro mientras al otro se le añade blanco o negro.
5. Contraste simultáneo
El quinto tipo de los contrastes de colores hace referencia al contraste que se genera al poner dos colores juntos. Por ejemplo, si colocas un elemento amarillo sobre un fondo gris, este último se verá ligeramente violeta.
6. Contraste cualitativo o por saturación
En este caso, el contraste ocurre al combinar un color puro saturado como el amarillo con un neutro como el gris o marrón. Lo que ocurre aquí es que los tonos saturados se perciben como más vivos y los desaturados se vuelven más apagados.
7. Contraste cuantitativo o por cantidad
El contraste por cantidad recae sobre las proporciones en las que juntamos los colores, pues al ajustar las dimensiones de cada uno podemos lograr armonizarlos para transmitir lo que deseamos. Este punto es clave para elaborar composiciones de diseño o marketing en general.
Psicología del color
Siguiendo con lo que es la teoría del color, es importante detallar qué es la psicología del color. Esta hace referencia a cuando los colores son utilizados como una herramienta para invocar reacciones en las personas.
Para ello, es importante saber cuáles son los significados de los colores de tu público objetivo, puesto que, los colores pueden transmitir sensaciones diferentes dependiendo de la cultura. Asimismo, la experiencia personal puede llegar a influir en cómo percibimos los colores.
Por ejemplo, usualmente los colores fríos se suelen asociar con la serenidad, pasividad, sentimentalismo, amplitud y lejanía. Mientras que los colores cálidos se relacionan con la fuerza, la alegría y el movimiento.
Entonces, para ahondar más en este tema, comencemos por detallar la psicología del color según dos destacadas figuras, Johanne Goethe y Max Luscher.
1. Teoría del color de Goethe
A lo largo de la historia, se han propuesto diferentes teorías del color en la psicología. Una de las más famosas es la del Triángulo de Goethe.
En 1810, el poeta alemán se dedicó a estudiar los colores desde el punto de vista de la percepción para así, establecer una relación entre los colores y algunos estados de ánimo. Asimismo, propuso que esta teoría era un modelo de la mente humana.
El autor creó un triángulo analítico de colores y estableció 5 combinaciones que corresponden a 5 personalidades: lúcido, serio, melancólico, poderoso y sereno.
Esta distribución se formó en base a los atributos asociados a los colores según el autor:
➤ Teoría del color rojo: este color transmite pasión y excitación a través de su intensidad. Inspira a conductas impulsivas y de gran energía. Además, se relaciona con la dignidad y gracia.
➤ Teoría del color amarillo: el color amarillo se asocia con el sol y la luz, por ende, transmite optimismo, vida y alegría. Asimismo, inspira a tener más energía.
➤ Teoría del color azul: el color azul, al relacionarse al cielo y al mar, transmite tranquilidad y calma. Además, aporta una sensación de libertad. Por otro lado, también transmite pasividad y reposo.
➤ Teoría del color anaranjado: este color se asocia a la bondad, felicidad, sociabilidad y diversión pues, se relaciona a la niñez. Es el tono que representa a la energía.
➤ Teoría del color verde: el color verde se asocia con la naturaleza, por ende, tiene una relación con la esperanza, la vida y la sensación de respirar aire puro. Asimismo, es un tono reconfortante y de equilibrio.
➤ Teoría del color violeta: finalmente, el color violeta se asociaba con un sentimiento de melancolía, misterio, madurez y experiencia. De la misma manera, se asociaba a la realeza y suntuosidad.
Psicología del color
Siguiendo con lo que es la teoría del color, es importante detallar qué es la psicología del color. Esta hace referencia a cuando los colores son utilizados como una herramienta para invocar reacciones en las personas.
Para ello, es importante saber cuáles son los significados de los colores de tu público objetivo, puesto que, los colores pueden transmitir sensaciones diferentes dependiendo de la cultura. Asimismo, la experiencia personal puede llegar a influir en cómo percibimos los colores.
Por ejemplo, usualmente los colores fríos se suelen asociar con la serenidad, pasividad, sentimentalismo, amplitud y lejanía. Mientras que los colores cálidos se relacionan con la fuerza, la alegría y el movimiento.
Entonces, para ahondar más en este tema, comencemos por detallar la psicología del color según dos destacadas figuras, Johanne Goethe y Max Luscher.
1. Teoría del color de Goethe
A lo largo de la historia, se han propuesto diferentes teorías del color en la psicología. Una de las más famosas es la del Triángulo de Goethe.
En 1810, el poeta alemán se dedicó a estudiar los colores desde el punto de vista de la percepción para así, establecer una relación entre los colores y algunos estados de ánimo. Asimismo, propuso que esta teoría era un modelo de la mente humana.
El autor creó un triángulo analítico de colores y estableció 5 combinaciones que corresponden a 5 personalidades: lúcido, serio, melancólico, poderoso y sereno.
Esta distribución se formó en base a los atributos asociados a los colores según el autor:
➤ Teoría del color rojo: este color transmite pasión y excitación a través de su intensidad. Inspira a conductas impulsivas y de gran energía. Además, se relaciona con la dignidad y gracia.
➤ Teoría del color amarillo: el color amarillo se asocia con el sol y la luz, por ende, transmite optimismo, vida y alegría. Asimismo, inspira a tener más energía.
➤ Teoría del color azul: el color azul, al relacionarse al cielo y al mar, transmite tranquilidad y calma. Además, aporta una sensación de libertad. Por otro lado, también transmite pasividad y reposo.
➤ Teoría del color anaranjado: este color se asocia a la bondad, felicidad, sociabilidad y diversión pues, se relaciona a la niñez. Es el tono que representa a la energía.
➤ Teoría del color verde: el color verde se asocia con la naturaleza, por ende, tiene una relación con la esperanza, la vida y la sensación de respirar aire puro. Asimismo, es un tono reconfortante y de equilibrio.
➤ Teoría del color violeta: finalmente, el color violeta se asociaba con un sentimiento de melancolía, misterio, madurez y experiencia. De la misma manera, se asociaba a la realeza y suntuosidad.
3. Psicología del color en el arte y diseño
La concepción de los colores puede variar según el contexto, las características del público y las tendencias de cada año. La elección de colores para un diseño puede influir en la atención, la ansiedad, la relajación y la respuesta emocional del consumidor. Las personas son capaces de reconocer más sentimientos que colores; por esto, múltiples sensaciones se asocian a un mismo color.
A continuación, te contamos cuáles son los significados de los colores en el arte y diseño.
➤ Significado del color negro: transmite elegancia, nobleza, sofisticación y misterio. También,es autoritario y puede invocar emociones fuertes.
➤ Significado del color blanco: implica inocencia y pureza, así como evoca sentimientos de igualdad. Además, nos ayuda en momentos de estrés y a seguir adelante,
➤ Significado del color gris: el gris es el color idóneo para representar neutralidad. Utilizado de manera sutil puede transmitir elegancia y lujo. Si se abusa de este, se puede generar tristeza y melancolía.
➤ Significado del color amarillo: este color se relaciona con la creatividad y la inteligencia. Suele representar luz y calidez. Asimismo, en el diseño se utiliza para atraer la atención sobre todo de la juventud.
➤ Significado del color anaranjado: el color naranja representa un tono cálido y dinámico. Utilizándolo en pequeñas dosis, actúa como estimulante, pero, si se utiliza en grandes cantidades, puede ser muy agresivo.
➤ Significado del color azul: el color azul es el color más frío de la paleta. Suele simbolizar frescura y serenidad. También, se le asocia con la inteligencia, emociones profundas, amistad, optimismo y fidelidad. Si es azul claro transmite pureza.
➤ Significado del color marrón: es el color de la tierra, por ello, transmite equilibrio y comodidad. De la misma forma, puede evocar a una apariencia masculina.
➤ Significado del color rojo: es el color que transmite mayor intensidad. Asimismo, se usa como referencia para la pasión. Los diseñadores lo suelen utilizar para llamar la atención sobre un elemento específico. Sin embargo, debe usarse cuidadosamente la excitación que transmite puede cansar el ojo del espectador.
➤ Significado del color verde: este color se relaciona con la naturaleza y la vegetación. Además, transmite calma y equilibrio. Usualmente, se utiliza para el marketing de productos ecológicos.
➤ Significado del color violeta: el morado se relaciona al misterio y a la reflexión. También, tiene que ver con lo emocional, por ejemplo, nostalgia y romance. Además, evoca feminidad y elegancia, por ende, se suele utilizar en productos dirigidos a un público femenino.
Como puedes ver, la psicología del color para los diseñadores debe ser un punto importante, pues los colores acompañan a los mensajes y calan en la mente de quien los lee, dado las sensaciones que transmiten.¡Escoge con cuidado cada una de las tonalidades que utilices!
Mezclas de colores en digital
Si te dedicas a una carrera en la que debas crear contenido para plataformas web o a una en la que debas imprimir tus obras de arte, es necesario que conozcas cuales son las mezclas de colores en digital.
Básicamente, estas mezclas de la teoría del color son cruciales para obtener un resultado fiel a los colores originales, ya que, al pasar por el medio digital, estos no se mantienen igual. Entonces, si quieres que tus siguientes composiciones luzcan increíbles, ¡sigue leyendo!
1. ¿Qué es el modelo RGB?
Aditivos| creados con luz
El modelo RGB es el modelo utilizado por medios digitales como la televisión, las páginas webs y las pantallas de las computadoras. Sin embargo, el modelo RGB, previa a la era digital, ya tenía una teoría sólida, basada en la percepción humana de los colores.
¿Qué significan las siglas RGB? Las siglas RGB representan las iniciales de los colores rojo, azul y verde, en su traducción al inglés, red, blue and green, haciendo referencia a los colores primarios de este modelo.
El modelo RGB está basado en la “síntesis aditiva”, es decir que, se puede obtener cualquier color a través de los colores primarios y todos estos superpuestos dan como resultado el color blanco, mientras que el negro es la ausencia total de color.
¡Este modelo es ideal para crear contenido para tus redes sociales!
2. ¿Qué es el modelo CMYK?
Substractivos | creados con pigmentos
El modelo CMYK, por su lado, es el modelo que se usa para los materiales impresos en tinta, ya que el papel no cuenta con las propiedades luminosas de los monitores.
¿Qué significan las siglas CMYK? Las siglas CMYK representan las iniciales de los colores cyan, magenta, amarillo y negro (key).
El modelo CMYK se basa en la premisa de la absorción de la luz; es decir, al mezclar todos los colores bases del modelo se obtiene negro o la ausencia de luz. Asimismo, a partir de los colores primarios, se obtienen diferentes combinaciones como púrpura, verde y rojo.
¡Este modelo es el adecuado para imprimir banners o cualquier otro tipo de publicidad!
Aplicaciones de la teoría del color
Por último, ¿para qué sirve la teoría del color? En pocas palabras, lo que es la teoría del color puede aplicarse en distintas profesiones, pues, como has visto, el efecto del color es sumamente variado.
A continuación, te mostraremos algunos ejemplos.
1. La teoría del color en el maquillaje
Conocer la teoría del color es un elemento esencial para ser un profesional del maquillaje. El uso de la colorimetría es una herramienta clave para crear armonías de color, pues te permitirá aplicar correctamente cada tonalidad en tus clientes.
Por ejemplo, al aprender cómo aplicar lo que es la teoría del color en el maquillaje estarás listo para lo siguiente:
Resaltar, iluminar y neutralizar las facciones y colores propios de la piel y el rostro de la persona. Por ejemplo, se aplica el color verde para neutralizar las tonalidades rojizas en la piel.
Combinar colores para alcanzar una sincronía adecuada entre maquillaje y vestuario de la persona.
Jugar con los efectos de iluminación y degradación de los colores.
Seleccionar los colores adecuados para la variedad de tonos de piel de las personas, tomando en cuenta las diferentes subtonalidalidades.
Ahora, te brindaremos más información relacionando lo que es la teoría del color con los diferentes tipos de pieles y los ojos.
➤ ¿Cuáles son los colores para pieles claras?
Para las pieles claras, se adecuan los colores fríos y acromáticos, como el azul, el verde, el morado, el gris y sus derivados. Esto sucede porque las personas de tez blanca suelen tener una subtonalidad en la piel más fría o,conocida en el maquillaje como piel rosa.
➤ ¿Cuáles son los colores para pieles trigueñas?
Para pieles trigueñas, favorecen los colores cálidos y neutrales como el amarillo, anaranjado, el rojo y sus derivados. Esto sucede porque las pieles trigueñas suelen tener subtonalidades más amarillentas.
➤ ¿Cuáles son los colores para pieles oscuras?
Para las pieles oscuras, favorecen los tonos cálidos y fríos, ya que, tienen a tener subtonalidades más neutras. Asimismo, los colores intensos lucirán hermosos, pues resaltan al contrastar con la piel.
➤ ¿Cómo resaltar los ojos con la teoría del color?
Siguiendo las reglas del círculo cromático, los ojos azules se complementan con los colores cálidos de la rueda cromática como los colores bronces y anaranjados. Los ojos verdes resaltan con los colores rojizos.
Por último, los marrones, al ser neutrales, resaltan con todos los colores de la rueda cromática, pero, sobre todo, con los azules y verdes.
2. La teoría del color en el Diseño Gráfico
El uso de los colores en el diseño gráfico no es casualidad. La creación de la paleta de colores está basada en lo que es la teoría del color. En este caso, se crea un diseño no sólo con el propósito de obtener una combinación que luzca bien, sino, también, de transmitir un mensaje.
Por lo tanto, ¿cuál es la importancia de la teoría del color en el diseño gráfico? La función principal del color en el diseño gráfico es resaltar las características y cualidades del ítem o los ítems en la imagen de forma rápida, atractiva y visual. Usualmente, se utiliza para atraer a un cliente a un producto o servicio específico.
La impresión que dan los colores puede suponer hasta el 60% de la aceptación o del rechazo hacia una empresa. Una mala combinación de colores genera desconfianza y decepción en el cliente. Según especialistas, se debe obtener la mejor impresión en los primeros 90 segundos; para lograrlo, sin duda, ¡utilizar los colores será crucial!
Entonces, ¿cómo usar los colores en el diseño gráfico? Los colores pueden alterar la percepción visual de los elementos en los diseños. Por ejemplo, los colores cálidos parecen estar más cerca que los fríos, por lo que el uso de colores cálidos en el primer plano y de fríos en el fondo, aumenta la profundidad de la imagen.
Otro ejemplo se da en el uso de los colores saturados. Los tonos con alta saturación atraen más la atención y son percibidos como más grandes.
Por lo tanto, es esencial que aprendas cómo crear la paleta de colores para tu marca, pues esto influirá en la recepción de tus anuncios y publicaciones en tus clientes actuales y potenciales.
3. La teoría del color en el diseño de interiores
Otro campo de relevancia en el que se puede aplicar lo que es la teoría del color es en el diseño de interiores o en la arquitectura. En este caso, el significado de los colores en la arquitectura te ayudará a escoger las tonalidades ideales para transmitir lo que deseas en un ambiente.
Por ejemplo, si quieres crear un espacio que transmita calma y serenidad, puedes optar por un verde o celeste; mientras que, si deseas comunicar emociones de alegría o vitalidad, lo más recomendable será escoger un naranja u otro color cálido.
Sin embargo, cabe resaltar que, la importancia de la teoría del color en el diseño de interiores no se limita al color de las paredes de un ambiente. También, deberás prestar atención a los muebles, mesas, cuadrros y demás elementos que intervienen en una habitación.
En este punto, es importante recordar que el contraste de los colores, tema que revisamos líneas arriba, es fundamental para descubrir cómo aplicar lo que es la teoría del color de forma integral, en cualquiera de los ambientes que estés diseñando.
Por lo tanto, debes asegurarte de que todos los elementos estén en sincronía para transmitir lo que esperas.
¡Ahora ya sabes qué es la teoría del color! Esperamos que te haya gustado aprender sobre el círculo cromático, las armonías del color, la psicología del color y las diferentes aplicaciones del color. Como has podido ver, la teoría del color te ayudará a potenciar tu rendimiento como profesional, pues ahora sabes los efectos que tienen las diversas tonalidades en una composición o en un ambiente.
Reconocemos que la teoría del color puede ser amplia y un poco compleja; sin embargo, te alentamos a que no pares de aprender.
¡Te deseamos mucha suerte!
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¿A quién no le gusta saber lo que los demás piensan de uno mismo? Con las marcas pasa igual. Si quieres saber qué lugar ocupa tu negocio en la mente de los consumidores, ¡debes realizar un mapa de posicionamiento!
Cuando diriges una empresa, es muy importante no perder el foco. No hay nada peor avanzar sin saber de dónde venimos y hacia dónde vamos.
Para ello, un mapa de posicionamiento te indicará la posición que ocupa tu marca con respecto a la competencia. Sabiendo esto, será mucho más fácil decidir hacia donde te diriges como empresa y cuáles son tus objetivos.
En este nuevo artículo te cuento qué es y cómo elaborar el mapa de posicionamiento de tu marca paso a paso. ¡Comencemos!
¿Qué es un mapa de posicionamiento?
El mapa de posicionamiento es una herramienta de marketing que permite medir la posición que ocupa nuestra marca o empresa en la mente del consumidor. Así como el sitio que ocupa en el mercado con respecto a otras marcas de la competencia.
Para elaborarlo, se usa una matriz con los ejes X e Y. Estos vienen representados por los atributos mediante los que compararemos nuestra marca con sus competidores, por ejemplo, la relación calidad-precio.
De un vistazo, este mapa refleja los atributos que llevan a tu marca y a sus competidores a estar en diferentes posiciones dentro del mercado. En definitiva, nuestro objetivo será averiguar qué mueve al consumidor a adquirir nuestro producto o servicio.
Cómo hacer el mapa de posicionamiento de tu marca
Sigue estos 5 pasos para elaborar tu mapa de posicionamiento:
Analiza e identifica cuáles son las principales ventajas competitivas de tu producto o servicio. Hazte preguntas como: ¿por qué eligen tu servicio o producto? ¿Cuál es tu consumidor real? ¿Qué tipo de necesidad o deseo satisface tu servicio?
Investiga bien tu mercado y repite el primer paso pero con respecto a las otras marcas. ¿Qué empresas lideran el mercado? ¿Cuáles compiten en precio y cuáles en calidad? ¿Es un sector muy nuevo? ¿Qué es lo que les hace a tus competidores destacar?
Traza el mapa en papel u dispositivo digital. Solo tienes que dibujar dos ejes que se crucen con una línea vertical (eje X) y otra horizontal (eje Y). Elige los atributos que ocuparán cada uno de los ejes. Para un mapa de posicionamiento genérico, te recomiendo escoger las variables de calidad y precio.
Sitúa a tu marca y a tus competidores en cada uno de los cuadrantes que conforma el mapa. Lo ideal sería que tu marca ocupase un hueco vacío dentro del mercado, aunque eso no significa que otras empresas ofrezcan un servicio similar al tuyo.
Ojo: Ten en cuenta que este paso es clave para el éxito de tu mapa de posicionamiento. Cuanta más y mejor información hayas recopilado en los pasos 1 y 2, más fácil te será ubicar a cada marca en su sitio.
Por último, llegó el momento de seleccionar la estrategia para posicionarnos o aumentar nuestra visibilidad en el mercado.
Aquí pueden darse dos escenarios:
a) Nuestra estrategia y la imagen que teníamos de nuestra marca en el mercado estaban bien alineadas. Por lo tanto, no debemos hacer grandes cambios a nivel estratégico.
b) Nuestra estrategia no está alineada con la realidad de nuestro posicionamiento en el mercado y, por lo tanto, es hora de hacer cambios, fijar nuevos objetivos, atacar otros nichos dentro del mercado, etc.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Los términos iconicidad y abstracción son palabras que no son muy usadas en la vida cotidiana, sin embargo, en el área de diseño gráfico son muy relevantes. Así que, si estás leyendo esto y no eres diseñador, no te preocupes, ya verás que te sorprenderás al saber que son conceptos muy sencillos de asimilar porque la iconicidad y la abstracción están en todas partes.
¿Qué es la iconicidad?
Para definir qué es la iconicidad, hay que tener en cuenta que cuando un valor o significado del diseño es comprendido, compartido y acordado por un grupo de personas, se convierte en icónico. Sin embargo, si un diseño no puede ser reconocido ni comprendido, entonces parecerá arbitrario, como una obra de arte abstracta.
A veces se necesita tiempo para que un diseño se convierta en icónico. Pero incluso cuando un diseño es comprendido por una cultura, puede parecer arbitrario para otra. Incluso es posible que el valor previsto de un diseño sea malinterpretado o alterado por la influencia social.
Un ejemplo de iconicidad es la Estatua de la Libertad, ícono nacional de los Estados Unidos, que en su época fue un regalo de Francia. La idea original de la estatua era representar la amistad y el deseo mutuo de libertad entre los dos países. Sin embargo, con el paso de los años la estatua se ha convertido en mucho más.
Debido a la posición de la Estatua de la Libertad en el puerto de Nueva York, la estatua fue tratada como un punto de entrada y efectivamente la primera señal para los recién llegados a los Estados Unidos de América. Sin duda, la iconicidad está muy presente en este símbolo.
Hoy en día, la estatua sigue dando la bienvenida a millones de inmigrantes y encarna la esperanza y la oportunidad para aquellos que buscan una vida mejor. A pesar del «valor original» de la estatua, la gente de todo el mundo percibe su iconicidad como símbolo de libertad, esperanza y sueños.
Grados de iconicidad
Hiperrealista
Valiendo la redundancia, el hiperrealismo es un arte más real. El grado de iconicidad hiperrealista es el grado que supera a la imagen natural, siendo así cada detalle más específico en esta imagen que en la original.
Realista
En este grado se puede decir que la imagen es exactamente igual a la que se busca representar, digamos que es como si fuese una copia de la imagen al natural.
Estilización
Este grado es el más parecido a la imagen original, con la excepción que se enfatizan los detalles de la original. Tiene un mayor grado de codificación, cambio de proporciones en el dibujo anatómico e incluso se modifican líneas para resaltar algunas zonas del diseño.
Geometrización
Estos diseños representan sus modelos originales a través de cada detalle, medida, proporción y escala. Este tipo de trabajo se debe llevar a cabo con instrumentos de alto nivel y precisión.
Abstracción
Llegamos al nivel de iconicidad más bajo en el diseño gráfico, en este diseño se representan las ideas, conceptos, pensamientos y sentimientos del objeto original. Se intenta representar la imagen al natural usando la menor cantidad de elementos posibles. Requiere un nivel muy alto de codificación.
Escalas de Iconicidad
La escala de iconicidad se clasifica en 11 niveles, cada nivel es de total importancia para un diseñador gráfico. Se ordenan de mayor a menor, siendo el 11 el más apegado a la realidad y el 1 el más alejado de la realidad, según Justo Villafañe.
Asimismo, Abraham Moles (1920-1992) definió 12 grados de iconicidad en 1971. Contribuyó a la epistemología de la comunicación, aunque es más conocido por sus trabajos en física acústica.
Esta escala de iconicidad clasifica los diferentes signos desde el grado más fuerte de analogía hasta el más abstracto. Esto permite clasificar los signos icónicos según su grado de estilización y simplificación.
La escala de iconicidad mide la distancia entre la realidad y su representación. Cuanto mayor sea el grado de iconicidad, más analógico será el signo, es decir, más cercana será su representación a su referente.
La imagen al natural (también llamada imagen original)
Modelo en 3D a escala o tamaño real (modelo tridimensional)
Los modelos tridimensionales son esculturas realistas del objeto representado. Se intenta que sea exactamente igual, pero en 3D, ya sea mediante el uso de programas de diseño 3D o a mano. Aunque no siempre tendrá exactamente los mismos detalles. Puede ser en proporciones realistas, en mayor o menor tamaño.
Imágenes de registro estereoscópico – Hologramas
Son proyecciones que recrean imágenes en 3D por medio de láser, después de un proceso y con la iluminación correcta la imagen se sale de sus límites.
Fotografía en color
Este nivel es literalmente una fotografía del objeto original, representando así todos los aspectos en colores.
Fotografía en blanco y negro
Tiene las mismas características que en la fotografía a color solo que sin color y representada en blanco, negro y escala de grises.
Pintura realista
En estas escalas una pintura realista es una copia del objeto original, pero hecha generalmente con pinceles y pinturas sobre un lienzo. Se presentan las cosas tal y como son sin exagerarlas, intentando que cada detalle sea fidedigno al original.
Representación figurativa del original (no realista)
Se usan figuras para representar ciertos aspectos de la imagen original, pero figuras no realistas. No tiene mucho nivel de similitud, aunque aún se pueden percibir detalles de la imagen al natural.
Pictogramas
Aún sigue manteniendo características del modelo original, pero representando los detalles de formas abstractas. Es una composición bastante simple, pero con símbolos que ayudan a comprender el original.
Esquema motivado (mapas)
En este punto solo guarda una representación básica de la imagen original, se intenta representar los caracteres originales de formas gráficas y simbólicas.
Esquema arbitrario (todas las características están abstraídas)
En esta parte las representaciones son esquemas arbitrarios y ya no muestran detalles, ni mínimos ni grandes del original. En este esquema ya nuestra mente piensa que la imagen no tiene ninguna lógica.
Representación no figurativa (arte completamente abstracto)
Ya en esta última escala la imagen está completamente abstraída, los detalles se ven de forma ilógica, no se aprecia casi nada del objeto original. Aquí se usan colores, formas, conceptos, estructuras y texturas abstractas.
Una de las representaciones más utilizadas para explicar esto es la serie de once litografías del Toro de Picasso, una obra de arte de 1946. En ella se aprecia un toro que al principio se vuelve cada vez más musculoso y realista. Sin embargo, la tendencia se invierte. Paso a paso se va eliminando todo lo que no representa la esencia de un toro, cada dibujo subsiguiente se vuelve más simple hasta que la undécima litografía se convierte en un dibujo de líneas de un toro.
La iconicidad en el Diseño Gráfico
Cuando hablamos de iconicidad en el diseño gráfico, hablamos de la semejanza que tiene una determinada imagen con el objeto o persona que esta imagen intenta representar. En otras palabras, es ese parecido que tiene la imagen con el objeto real.
Un diseñador gráfico tiene como meta transmitir mensajes y no solo a través de textos, ya que se ha valido de la iconicidad para transmitirlos. No es de sorprendernos que los iconos puestos en empaques, aparatos eléctricos y señalética hayan roto fronteras y sean reconocibles a nivel mundial. Por ejemplo: los iconos de hombre y mujer que aparecen en todos los baños, cualquier persona de cualquier país puede reconocerlos.
El diseñador, a la hora de realizar sus trabajos, siempre necesitará recursos gráficos que tendrán un grado de iconicidad. El conocimiento de los conceptos de iconicidad le permitirán saber qué recurso de tal grado es conveniente para no generar desequilibrio y buscar una armonía gráfica que no distorsione el mensaje. Esto último, es contrario al arte debido a que este podría usar todos los grados de iconicidad en una sola obra y enviar múltiples mensajes en la búsqueda de generar reflexión y de evocar diferentes emociones en los espectadores de dicha obra.
Un diseñador gráfico nunca producirá una obra abstracta porque, al hacerlo, su trabajo dejaría de ser un diseño y pasaría a ser arte, y no debemos confundir el trabajo de un artista con el trabajo de un diseñador. Aunque ambos tienen ciertos conocimientos similares, los dos tienen diferentes objetivos y pasan por diferentes procesos. Es de resaltar que algo abstracto puede llevarse a un nivel determinado de iconicidad y transformarse en un icono.
El diseño icónico como parte de un lenguaje visual
Los iconos, símbolos, metáforas y signos se utilizan en el diseño digital (como sitios web y aplicaciones) y en el mundo natural. Los vemos en forma de lenguaje escrito, señales de tráfico, interfaces de usuario y marcas, y todos ellos comunican un significado y un valor cultural dentro de un marco de iconicidad y abstracción.
Así, nos comunicamos utilizando diseños icónicos que son relevantes para algo que entendemos. Por ejemplo, la iconicidad la utilizamos a diario en nuestros emojis para transmitir una emoción o una reacción en nuestros mensajes de texto. Y cuando vemos una señal de stop, sabemos qué acción plausible debemos realizar a continuación.
La iconicidad en el diseño gráfico también puede utilizarse mediante señales visuales para hacer algo (como la manija de una puerta o el interruptor de la luz). El pionero de la UX, Don Norman, describe esta forma de diseño como “significante”. Afirma que «el término significante se refiere a cualquier marca o sonido, cualquier indicador perceptible que comunique a una persona un comportamiento adecuado».
Los diseños icónicos pueden utilizarse inconscientemente como parte de un lenguaje visual (https://www.erickhurtado.click/lenguaje-visual/) que ayuda a ahorrar tiempo y memoria. Cuando la iconicidad en el diseño se utiliza con frecuencia, se arraigan en nuestra mente y se utilizan subconscientemente como parte de un lenguaje visual, una biblioteca infinita de símbolos y metáforas aprendidas.
En el diseño de interfaces de usuario, el consumidor responde de forma natural a los íconos (también conocidos como iconografía) que representan objetos y significados del mundo natural. Por ejemplo, la lupa en nuestro celular. Al verla, percibimos inmediatamente este icono como una metáfora para buscar algo. La “casa” se utiliza habitualmente como señal visual para navegar hacia una página web. Y un bote de basura o papelera nos dice que podemos deshacernos de los archivos no deseados.
La iconicidad puede influir emocionalmente en nuestra reacción hacia una marca, producto o servicio. Por ejemplo, las calificaciones con estrellas son indicadores que suelen captar la atención del usuario e influir en su comportamiento de compra. Sin embargo, algunos diseños pueden ser menos percibidos que otros.
El botón de menú de hamburguesas, por ejemplo, puede parecer arbitrario a los usuarios novatos de la web. Según el portal DiarioInforme, fue creado por Norm Cox, el diseñador gráfico de la Xerox Star, la primera computadora personal comercial. Norm diseñó el símbolo como un contenedor para las opciones del menú.
Pero pocos saben de dónde proviene y qué representa. En este caso, la abstracción en el diseño de algunas marcas suelen carecer de claridad cuando se muestran solas o con poco contexto.
Al utilizar la iconicidad en el diseño gráfico https://www.erickhurtado.click/7-elementos-visuales-diseno-grafico/ como parte de un lenguaje visual que todos podemos entender, podemos tomar decisiones rápidamente, ahorrar tiempo y reducir la carga cognitiva.
Las marcas globales y la iconicidad
La iconicidad en el diseño gráfico ha logrado un reconocimiento global, y esto ha funcionado ciertamente bien para gigantes como Apple, Google, Mercedes-Benz y Coca-cola. Pero para que una marca sea realmente icónica, tiene que llegar a su público en múltiples niveles.
El producto o servicio necesita un buen tono de voz, contar una historia apasionante, evocar emociones y ser memorable. A nivel visual, implica saber jugar con la iconicidad y la abstracción. Eso lo saben bien las marcas.
Algunas de las más exitosas y percibidas a nivel mundial se han convertido en imágenes icónicas por razones positivas. Apple es famosa por sus productos innovadores y de moda, como el iPhone y el iWatch.
Facebook es el lugar para las actualizaciones sociales, conectar con la gente e incluso cuando estás aburrido. El logotipo y la iconicidad de Facebook son una de las marcas más reconocidas del mundo, con un diseño relativamente simple y sencillo. Y Google ha tenido un gran impacto en la web con su iconicidad hasta el punto de que la gente utiliza la marca como término para buscar algo en línea. “¿Cuál es la capital de Australia?” “¡Guglealo!”, solemos decir.
Sin embargo, la reputación global de una marca también puede sufrir por las percepciones sociales negativas. A principios de 2018, el escándalo de datos de Cambridge Analytica influyó en que la gente se volviera aún más escéptica a la hora de relacionarse con las marcas de los medios sociales, en particular con Facebook. Las revelaciones de que los consultores digitales de la campaña de Trump abusaron de los datos de millones de usuarios de Facebook provocaron furor, explica The New York Times https://www.nytimes.com/2018/04/04/us/politics/cambridge-analytica-scandal-fallout.html.
Recursos iconográficos de Flaticon
Para terminar nuestro recorrido, quiero recomendar un buen lugar para encontrar los recursos iconográficos de diseñadores para diseñadores. Dicho sitio es Flaticon.com y a continuación te cuento un poco de él.
Flaticon es una gran base de datos de iconos simples (pictogramas) pero no es solo eso, hay mucho más. Además, todos estos iconos están disponibles en formato vectorial (SVG y PNG) facilitando el uso de dichos iconos en dispositivos retina, y además cuentan con un plugin para Photoshop con el que quieren revolucionar el uso de iconos por parte de los diseñadores. Gracias a este plugin el usuario tiene acceso sin salir de Photoshop a una base de datos de más de 10 mil iconos vectoriales. El plugin se conecta directamente a la base de datos de Flaticon y se mantiene constantemente sincronizado.
Flaticon sin duda alguna es un excelente lugar para descargar esos iconos que necesitamos a la hora de hacer algún diseño de forma gratuita.
El mundo se desarrolla de forma vertiginosa y las tecnologías cada día hacen que las actividades sean más simples, el diseño no escapa de esto. Las cosas cada vez son más fáciles de entender y hay múltiples formas de acceder al conocimiento.
¿Qué es la abstracción?
La primera vez que vimos una pintura abstracta, nuestra mente no tenía ni idea de qué era o qué quería decir. Después de la decodificación, investigación, observación e incluso de lo dicho por algún experto, logramos entender qué significaba determinado cuadro. En pocas palabras, la abstracción es un arte bastante complicado de decodificar para el público en general.
Ya hemos mencionado que la abstracción es el nivel más bajo de la iconicidad, pero ¿qué más podemos decir de la abstracción? La abstracción es una representación de ideas, pensamientos, conocimientos y conceptos. El nombre tiene su base etimológica en el latín “Abstractio” que significa aislamiento.
Algunas características básicas de la abstracción son:
Intenta llevar la menor cantidad de elementos posibles para representar un objeto predeterminado.
Es muy mínimo en el detalle.
Intenta simplificar al máximo todo hasta donde sea posible.
Se requiere un alto nivel de dedicación.
Rompe las proporciones.
Utiliza las formas geométricas.
Grados de la abstracción
Sin embargo, la abstracción tiene varios grados que debes conocer y a continuación te los mostraremos.
Primer grado
El primer grado de la abstracción es conocido como la abstracción formal, en este grado se conoce la materia que forma a los objetos abstractos y así poder captarlos. Este grado corresponde mucho a la física, en la antigüedad era llamado ¨Physica¨.
Segundo grado
El segundo grado es la abstracción de la materia sensible, aquí se cuenta la cantidad, número o extensión de la materia que forma el objeto. En este segundo grado se emplea mucho la matemática antes que la física.
Tercer grado
El tercer grado se conoce como la abstracción de toda materia, en este grado se prescinde de todo tipo de materia, solo se conocen las realidades espirituales. No se usa ni la materia, matemática o física, sino solamente la metafísica o también la filosofía.
Iconicidad y abstracción
El siglo XX fue un verdadero punto de inflexión en la historia del arte, ya que fue un siglo muy productivo en experimentación. Esto hizo que los bordes entre la iconicidad y la abstracción alcanzaran su máximo esplendor.
La representación fue cuestionada por numerosos movimientos artísticos como el cubismo, el futurismo, el movimiento De Stijl, etc. Fernand Mourlot (1895-1988), impresor y litógrafo francés, acogió regularmente en su estudio a numerosos artistas, como Picasso, Matisse y Braque.
Un ejemplo de iconicidad y abstracción, el toro de Picasso. Para llegar a dibujarlo en una sola una línea, tuvo que pasar por todos los toros anteriores. Apenas alcanzas a imaginar el trabajo que tuvo que hacer. En el siguiente gráfico, puedes observar todos estos pasos de deconstrucción y simplificación de la forma y cómo el artista partió de una ilustración para llegar a un ideograma del toro.
Hasta aquí nuestro post sobre la iconicidad en el diseño gráfico. Como te has podido dar cuenta, muchos artistas y diseñadores gráficos han explorado el poder de la línea para transmitir un significado e inspirar una respuesta emocional que ha permanecido en el tiempo.
Una vez que hayas reflexionado sobre todas estas cosas en tus pensamientos, también deberás recordar que tendrás que ser abierto de mente, creativo, disciplinado y muchas cosas más.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Cuando hablamos de diseño gráfico, hablamos de la combinación de elementos visuales, los cuales son: la Línea, la Forma, el Objeto, el Espacio, la Tipografía, la Textura y el Color.
Por eso, en este artículo, vamos a repasarlos, uno a uno…¡Acompáñame!
La Línea
La línea es el elemento visual básico de todo grafismo, que no deja de ser una sucesión de puntos, conectando la trayectoria de un punto a otro. Cuando trabajamos con líneas debemos prestar atención a cualidades como el grosor, el color, la textura y el estilo. Estas cualidades pueden tener un gran impacto en cómo se percibe tu diseño, así que debemos tenerlas bien controladas.
Una línea, casi siempre, expresa dinamismo, movimiento y dirección. Gracias a las líneas podemos crear tensión, separar el espacio gráfico o estructurar una composición. Las líneas pueden encontrarse también de forma no visible en los textos y párrafos alineados. Y es que gracias al uso de las líneas podemos enfatizar conceptos, dividirlos o incluso ayudar al espectador guiando su lectura.
Eso sí, ten en cuenta, que una línea puede estar formada por algo más que un mero trazo. Aquí puedes ver unos cuantos ejemplos de lo que te digo.
La forma
Una forma es un espacio cerrado y plano, limitado a dos dimensiones, que se mide por anchura y altura.
Podemos hablar de dos grupos diferentes de formas de la imagen:
Dentro de las formas Geométricas podemos englobar todas las figuras que aprendimos en nuestras clases de matemáticas y que pueden dibujarse con ayuda de una regla o un compás: triángulos, cuadrados, círculos, etc.
Y luego estarían las formas Orgánicas: que son formas más libres, y que se asemejan a las que podemos encontrar en la naturaleza, como puede ser la forma de una hoja. Las formas orgánicas son formas que se dibujan mejor a mano alzada.
Las formas pueden estar delimitadas por líneas, color y también por el espacio negativo, que comentaremos un poco más adelante en este mismo artículo.
En diseño gráfico, cuando colocamos dos formas juntas se crea una relación entre ellas. Gracias a esta relación entre las formas podemos generar emociones, comunicar mensajes, empatizar con una audiencia, realizar énfasis en una parte de la composición o incluso evocar movimiento.
Las formas son muy importantes para lograr comunicar conceptos visualmente. Ya que nos ayudan a dar peso a nuestras ideas, haciéndolas más reconocibles. Gracias a las formas podemos entender las señales de tráfico, la simbología y hasta el arte abstracto.
Un ejemplo perfecto para mostraros el poder que tienen las formas a la hora de comunicar conceptos son los logos. Gracias al uso de las formas en los logos, las empresas pueden asociar su marca con ciertos valores y emociones.
Y es que cada forma cuenta con evocaciones concretas. Por ejemplo, las formas geométricas se caracterizan también por producir un sentimiento de orden y control, y más concretamente el cuadrado es una forma muy estable y de carácter permanente, asociada a conceptos como estabilidad, permanencia, honestidad, rectitud y hasta equilibrio.
El objeto
Cuando una forma adquiere propiedades tridimensionales, pasamos a denominarla Objeto. Para poder crear la ilusión de profundidad y realzar el volumen de un objeto, hacemos uso de la luz, la sombra y la perspectiva. Básicamente, son los equivalentes de las formas pero con características tridimensionales. Los objetos se miden por su anchura, altura y profundidad.
Como las formas, los objetos también pueden dividirse en objetos geométricos y objetos orgánicos. Los objetos geométricos son aquellos que parecen realizados por la mano del hombre, una vez más evocando orden y control. Los orgánicos, en cambio, son objetos que se asemejan más a los realizados de forma natural.
El Espacio
El espacio es la distancia o área alrededor o entre los elementos de nuestro diseño. Al trabajar en un diseño, considera no solo los elementos visuales que vas a incorporar (como las imágenes, tipografías, formas…), sino también cómo vas a ordenarlos y agruparlos dentro la composición.
Podemos encontrar dos tipos de espacio: Espacio Positivo y Espacio Negativo.
Dentro del espacio positivo, se incluyen las formas de los objetos, o donde recaiga principalmente la atención del diseño.
El espacio negativo, en cambio, es la parte del diseño que no está ahí, el resto del espacio que está entre los elementos. El espacio negativo puede llegar a ser igual de crucial para un diseño que el espacio positivo, porque enmarca y contiene la composición.
Gracias al espacio podemos crear la esencia visual y el dinamismo de una composición. Puede que te resulte muy tentador rellenar todo el lienzo digital con otros recursos, pero es importante que dejemos respirar a los elementos de nuestras composiciones.
En este ejemplo, podemos comprobar como el cambio de espacio y agrupación de los elementos crea una sensación completamente diferente de la composición. La imagen de la izquierda nos evoca orden, armonía y seguridad, mientras que la de la derecha, nos transmite más caos y confusión.
La Tipografía
La tipografía es uno de los elementos visuales más usados en diseño gráfico. Es una de las formas más directas de comunicar visualmente, con titulares o párrafos.
Si analizamos un carácter tipográfico comprobaremos que está formado por la combinación de formas geométricas y orgánicas, que resultan en una nueva forma. Todas las características de las tipografías pueden descomponerse y sintetizarse en lo que se conoce como anatomía tipográfica. El tipo de formas que se incluyen en la anatomía de los caracteres es lo que otorga a la tipografía su propio estilo y aspecto. Pueden ser rudas y rectas, como las que encontraríamos en una tipografía SLAB SERIF, o más orgánicas y armoniosas, como las que podemos encontrar en una SERIF.
La tipografía no solo es importante porque pueda comunicar palabras, su estilo y disposición en el diseño también pueden ayudarnos a otorgar más significado a nuestras composiciones. Algunas tipografías forman parte de una gran familia tipográfica con distintos grosores, y esto nos puede ayudar cuando necesitemos enfatizar ideas o generar una jerarquía visual dentro nuestra composición.
La Textura
La textura es la cualidad física de una superficie y hace referencia al tacto de un objeto. Ahora, en diseño gráfico está claro que no podemos realmente sentir un objeto, pero a través de la textura sí podemos plasmar la ilusión del tacto.
Las texturas pueden crearse mediante el uso de patrones o repetición de imágenes y a través de la textura podemos conseguir que objetos planos luzcan realistas y tridimensionales. Las texturas pueden estar presentes en muchísimos recursos, como en tipografías o pinceles, además de contribuir a dar profundidad a nuestras formas. Pero un consejo, procura no abusar de este recurso, ya que mucha textura puede sobrecargar tu diseño con facilidad.
El Color
El color juega un papel vital en diseño gráfico, porque el ojo humano puede distinguir hasta 1000 colores aproximadamente. El color es la cantidad de luz que se refleja sobre un objeto, por lo que la luz toma una relevancia muy importante cuando hablamos del color.
Gracias al empleo del color podemos crear énfasis, generar más armonía en nuestras composiciones e incluso alterar la percepción del tamaño de los objetos.
Además, cada color puede evocarnos un significado diferente. Se hace de forma inconsciente, y a veces de forma algo personal, pero podemos llegar a asociar cada color con una serie de conceptos o sensaciones. A esto se le conoce como psicología del color.
Que no debemos confundir con la teoría del color. La teoría del color es la técnica que, con ayuda del círculo cromático, contiene una serie de pautas y reglas básicas para elegir colores, aspirando a conseguir más armonía en nuestro diseño, pero eso lo veremos en otros artículos más adelante.
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Cuando tenemos la necesidad de transmitir un mensaje, podemos utilizar diferentes tipos de lenguaje, los mismos que son complementarios y necesarios para una comunicación efectiva.
Como profesionales que trabajamos con el pensamientocreativo, el primer desafío al que nos enfrentamos es la pregunta ¿Qué hago para que se entienda lo que quiero transmitir? Pareciera una pregunta sencilla, pero la verdad es que tiene muchas respuestas, todas diferentes y algunas muy complejas. Para responder esa pregunta, debemos recurrir a más preguntas como: ¿qué mensaje quieres dar?, ¿a quién está dirigido el mensaje, es decir, quién es el receptor?, ¿qué medios o canales tienes disponibles para la comunicación?, ¿cómo quieres transmitirlo? En esta última cuestión es donde entra el lenguaje visual.
Según la Real Academia Española (RAE) define el lenguaje como la “facultad del ser humano de expresarse y comunicarse con los demás a través del sonido articulado o de otros sistemas de signos”. En esta definición oficial tenemos la inclusión del concepto “otros sistemas de signos”, es decir, formas de expresión más allá del lenguaje verbal (con palabras). Aquí es donde cobra protagonismo el lenguaje visual, como esa forma de comunicarnos y que percibimos a través de los ojos, del sentido de la vista.
Es una obviedad, pero la vista es uno de los sentidos más importantes para la comunicaciónhumana, tanto que, de forma innata, aprendemos a comunicarnos a través de nuestros ojos desde que nacemos. Aprendemos si nuestras mamás o papás están enojados por cómo mueven sus cejas o cómo agitan la mano, entendemos que una figura roja implica una alerta de no avanzar y una verde sí, incluso podemos identificar el clima que hace por el color del cielo, etc. Todos esos signos compartidos son los que conforman el lenguaje visual y forman parte de la mayoría de interacciones entre los humanos y de las personas con su entorno.
¿Cuáles son los elementos del lenguaje visual?
A lo largo de la historia de la comunicación humana, estos signos han ido cambiando (por ejemplo, el color verde no significa esperanza en todas las culturas o momentos históricos) y se han desarrollado diferentes teorías sobre los elementos que conforman el lenguaje visual.
De forma genérica, a la actualidad, se considera que existen alrededor de siete elementos principales que conforman la expresión visual, los cuales son:
El color: Es un elemento muy importante, ya que transmite sensaciones y aporta elementos subjetivos a la información que acompaña.
La textura: Una pieza visual puede ser rugosa, lisa, etc.
El punto: Se considera la unidad básica de un elemento visual.
La línea: Varios puntos sucesivos forman una línea.
La figura: A su vez, varias líneas pueden unirse de una determinada forma y crear una figura.
La forma: Es la característica que hace reconocible un elemento visual.
El espacio: Es el plano sobre el que se encuentran los elementos anteriores.
Todos estos elementos se combinan infinitamente para crear signos, imágenes fijas o en movimiento, juegos de luces, diagramas, mapas, etc. que están cargados de significados compartidos y que suponen la base de la comunicación.
¿Cuáles son los tipos de lenguaje visual?
Dentro del lenguaje visual, podemos diferenciar tres grandes tipos en función del mensaje que se quiera transmitir:
Lenguaje visual objetivo
Este tipo de lenguaje, comunica una determinada información o datos de forma objetiva para que no dé lugar a interpretaciones. Es el utilizado en ámbitos científicos y técnicos como, por ejemplo, los planos de una casa o la representación del aparato circulatorio del cuerpo humano.
Lenguaje visual artístico
Más allá de la comunicación, este tipo de lenguaje incorpora un componente estético, cuya interpretación es subjetiva y en la que influyen componentes culturales, sociales y educativos. Incluye disciplinas como la pintura, la escultura, la fotografía, la danza, el teatro, los grafitis, etc.
Lenguaje visual publicitario
Su objetivo es informar, pero también educar y vender, por lo que utiliza técnicas y elementos de los dos anteriores (objetivo y artístico). Este tipo de lenguaje busca provocar una reacción en el receptor a través de sus emociones. En estos tiempos, el lenguaje visual publicitario combina el formato de los canales tradicionales (televisión, prensa escrita o vallas publicitarias) con los canales digitales (medios sociales, sitios web, aplicaciones, comercios electrónicos).
Ejemplos del lenguaje visual en comunicación
El lenguaje visual es fundamental a la hora de comunicar, ya que hasta el 80 por ciento de la información que recibimos de nuestro entorno procede del sentido de la vista. Por eso, más allá del uso diario y cotidiano que hacemos de él, los creadores de mensajes o comunicadores (ya sean periodistas, especialistas en marketingo publicidad, artistas, etc.) empleamos de forma consciente y orientada a objetivos este tipo de expresión.
Por ejemplo, para un periodista, además del lenguaje escrito de un artículo, es importante la imagen, pues la información textual debe ir acompañada de una fotografía o un vídeo, pero también de otros elementos visuales como por ejemplo gráficos (estáticos o interactivos), ilustraciones, montajes artísticos, etc. Todos los elementos visuales aportan información (ya sea datos periodísticos o elementos estéticos) y complementan a la comunicación escrita. En ocasiones, ejemplos de comunicación visual como los gráficos o las infografías son piezas periodísticas comunicativas en sí mismas.
En otras profesiones como el marketing y la publicidad también se utilizan de forma consciente los elementos visuales para transmitir un mensaje. Pensemos, por ejemplo, en el logotipo de una compañía, sus colores corporativos, su tipografía o el concepto que hay detrás de la marca. Esos elementos visuales se emplean para crear una comunicación con el cliente, transmitir ideas, posicionarlas y vender un producto.
Estos son solo algunos de los ejemplos de las formas en que los especialistas en comunicación creamos contenidosusando el lenguaje visual, pero hay muchas otras, por ejemplo los performances artísticos, las piezas audiovisuales, el diseño gráfico, Etc.
Si te interesa el lenguaje visual, debes aprender en profundidad todos lo referido a él, para convertirte en un profesional capaz de disponer de elementos visuales, verbales y auditivos para transmitir mensajes con un propósito o intención y que logren sus objetivos.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Partamos de un hecho, la comunicación visual es capaz de encantar, atraer y persuadir. Imaginemos el marketing sin imágenes, ni colores, sin fotografías, ni gráficos y sin otros tipos de ayudas visuales, perdería toda su fuerza. Por eso, en este artículo vamos a hablar sobre cómo podemos fortalecer la forma en que una marca se comunica visualmente.
Elegir un color para el diseño de un sitio web, definir dónde vamos a poner el título o crear una tipografía específica para un anuncio publicitario son acciones claves que realizamos todos los días en la agencia de marketing Click.
¿Por qué lo hacemos? Porque comprendemos muy bien el poder de la comunicación visual.
Todo lo que es visual comunica. Un color, una tipografía, una fotografía, una ilustración, un gráfico, tienen como objetivo comunicar un mensaje, persuadir al receptor, conseguir una acción, impactar a la audiencia logrando que esta perciba la imagen que la marca busca posicionar.
Por eso, la comunicación visual es algo vital e ineludible en la planificación de las marcas, como una prioridad para el marketing y el branding.
¿Qué es la comunicación visual?
La comunicación visual es el proceso de transmisión y recepción de información a través de recursos visuales.
Aunque se puede combinar con lenguaje escrito o sonoro, la comunicación visual no necesita ningún texto ni sonido para intercambiar mensajes. La información está en los colores, las formas, las imágenes, las ilustraciones, entre otros signos del lenguaje visual, y en la forma en que se organizan y clasifican.
Este tipo de comunicación está presente en todo el mundo que nos rodea. Podemos ver cómo se comunica lo visual con las señales de tráfico, por ejemplo: el color rojo es una señal de que debemos detenernos, mientras que una secuencia de líneas blancas paralelas en la carretera indica por dónde pueden caminar los peatones.
No necesitamos una sola palabra para saberlo, ¿verdad?
También podemos notar comunicación visual al ingresar a la casa de alguien. La decoración de la habitación dice mucho sobre la individualidad de las personas, muebles coloridos, dibujos divertidos y cierto desorden en el ambiente, podría hablarnos de una persona muy relajada.
De esa manera, podemos ver cómo los recursos visuales son capaces de transmitir información que ni siquiera las palabras pueden explicar tan bien. Eso es tan importante para el marketing.
¿Cómo funciona la comunicación visual?
Primero, debemos entender que la comunicación visual siempre ha existido, desde las artes rupestres, con representaciones gráficas de animales, plantas, escenas de caza, rituales y abstracciones.
Su significado exacto aún no se conoce, pero esas imágenes comunican información, valores y creencias prehistóricas.
Pero la comunicación visual logró mayor ímpetu con la invención de la fotografía y el cine, en el siglo 20. Las fotografías y películas comenzaron a registrar costumbres, ambientes y eventos, además de servir para el entretenimiento. Con su distribución en escala y velocidad, la relación entre personas e imágenes se ha transformado.
En ese contexto, la publicidad y el periodismo se apropiaron de la comunicación visual para transmitir sus mensajes. Así, las imágenes dejan de ser ingenuas para cumplir funciones e intereses en la comunicación social y fomentar determinadas conductas.
Por ejemplo, podemos ver el poder de la imagen en la propaganda de guerra de Estados Unidos:
En la actualidad se ha multiplicado la producción y el alcance de las imágenes, así como su influencia en nuestro comportamiento. Nunca ha sido más fácil tomar una foto, grabar un video, crear un diseño y publicarlo en las redes sociales, mucho más ahora con la inteligencia artificial. Podemos hacer todo eso con el teléfono celular que tenemos en la mano o el bolsillo todo el tiempo.
Vivimos inmersos en un mundo de imágenes. Pueden ayudarnos a construir un rico repertorio de referencias visuales, deleitar nuestros ojos y divertirnos con memes, por ejemplo. Pero también pueden propagar una visión ilusoria de la vida, como ocurre en Instagram.
La comunicación visual da forma a nuestros comportamientos, despierta nuestras emociones e influye en cómo percibimos el mundo. Y el marketing lo sabe muy bien.
¿Cuál es la relación entre la comunicación visual y marketing?
La comunicación visual es uno de los principales recursos de marketing para divulgar informaciones, transmitir la imagen de marca y conectar con el público.
Se utiliza en los más diversos tipos de materiales de marketing, como tarjetas de presentación, sitios web, redes sociales, anuncios, vitrinas, regalos y muchos otros.
Sobre esos soportes, todos los recursos visuales tienen una intención. No pienses que el color de un logotipo es una casualidad, quiere transmitir algún mensaje a la audiencia. Puede ser alguna información objetiva, pero también elementos subjetivos de la marca, que definen cómo la marca quiere ser percibida por el público.
A menudo, la comunicación visual se emplea junto con la escritura y el sonido. Imágenes, textos y sonidos se complementan o refuerzan algún mensaje.
Pero es la comunicación visual la que ha destacado en el marketing actual.
Dado el ritmo acelerado de la vida, es capaz de transmitir información más rápido, a menudo de una manera más simple y comprensible, y conectarse directamente con las emociones de las personas.
Simplemente, navegando por sitios web y redes sociales, veremos cómo las marcas están invirtiendo en imágenes y videos para transmitir sus mensajes.
¿Qué importancia tiene la comunicación visual en el marketing?
Enganchar y encantar a la audiencia
Un texto puede encantar, un sonido también. Pero son las imágenes las que hacen brillar nuestros ojos. Por eso, la comunicación visual puede atraer y encantar a la audiencia de marketing.
Las imágenes pueden comunicarse con las emociones de las personas. Van al inconsciente y se conectan con los valores y creencias de la audiencia. De esa forma, la comunicación visual ayuda a establecer una relación con los consumidores, con lazos emocionales más fuertes.
Transmitir el branding
Las imágenes llevan información subjetiva, que transmiten sensaciones y percepciones que las palabras no pueden explicar. Por eso, la comunicación visual es una de las mejores maneras de transmitir el branding, la personalidad de marca, los valores y los principios.
Es a través de la identidad visual de la marca y sus desarrollos en anuncios, redes sociales, embalajes, etc., que el branding es efectivo en el mercado y es absorbido por el público.
Informar rápidamente
La velocidad del mundo actual requiere una comunicación más ágil. Eso ayuda a explicar por qué la comunicación visual es tan fuerte hoy.
Las imágenes contribuyen a la velocidad de la información porque pueden transmitir mensajes rápidamente. Según los neurocientíficos del MIT el cerebro humano puede procesar imágenes en solo 13 milisegundos, mucho más rápido que el texto.
Los datos más complejos, por ejemplo, se pueden transmitir de forma simple y directa con imágenes. Si el consumidor de hoy no tiene tiempo que perder y su atención está cada vez más dispersa, establecer esa comunicación en un instante es valioso.
¿Cuáles son los mejores ejemplos de comunicación visual en marketing?
En la vida cotidiana, vemos varios ejemplos de comunicación visual por ahí, como las señales de tráfico, la decoración de un entorno o incluso la manera de vestir de las personas.
Pero estamos hablando de comunicación visual en el contexto del marketing. Entonces, ahora mencionemos algunos ejemplos en que las imágenes son esenciales para que las empresas se comuniquen con los consumidores.
Identidad visual
La identidad de marca es el recurso más básico y esencial de la comunicación visual. Reúne el conjunto de aspectos visuales: colores, fuentes, texturas, iconos, etc., que comunican la esencia de la marca y acompañan a sus productos, embalajes, anuncios y otros materiales.
Por lo general, las marcas elaboran un manual de identidad visual, en el que se explica cómo se deben utilizar y aplicar esos recursos en diferentes soportes sin perder su esencia. Consulta, por ejemplo, el manual de marca de Uber.
UX Design
El diseño de la experiencia del usuario está orientado a sitios web y aplicaciones. Su función es crear la mejor experiencia de interacción del usuario con ese tipo de aplicaciones, para que puedan encontrar y realizar fácilmente lo que quieran, sin obstáculos ni dificultades.
Un buen diseño UX es capaz de contribuir a las conversiones de sitios web y aplicaciones, además de agradar a los ojos, logrando la satisfacción y el engagement de los consumidores.
Infografías
Las infografías son un gran ejemplo del uso de la comunicación visual para transmitir informaciones complejas rápidamente y de manera simplificada. Los datos, números y gráficos, que generarían un texto denso, se pueden sintetizar en gráficos e imágenes más atractivos e interesantes.
Medio display
Medio display es un tipo de anuncio de marketing digital que utiliza imágenes y gráficos. Pueden aparecer en sitios web, blogs y redes sociales, a través de banners o animaciones.
Uno de los grandes diferenciales del medio display es el atractivo de los recursos visuales, que pueden atraer la atención de los ojos dispersos del usuario de manera mucho más eficiente que los anuncios de texto.
Data Visualization
La comunicación visual también juega un papel importante en la ciencia de datos. Data visualization o visualización de datos es una de las áreas de Data Science, que se dedica a transformar los datos en gráficos e informes más comprensibles y atractivos.
El objetivo es presentar resultados y facilitar su análisis, como en este ejemplo:
Vitrinas
Las vitrinas también son recursos de comunicación de marketing visual. Tienen la función de atraer la atención de quienes pasan frente a una tienda, sea física o virtual y, por supuesto, hacer que la gente entre para comprar.
Pero las vitrinas también son estratégicas comercialmente para estimular la venta de ciertos productos (que necesitan rotación de inventarios, por ejemplo).
¿Cómo desarrollar la comunicación visual de una empresa?
La comunicación visual debe ser una prioridad de marketing en las empresas.
Veamos los principales consejos para desarrollar la comunicación visual en un negocio:
La comunicación visual no puede olvidar que es una forma de comunicación. En otras palabras, depende de un remitente y un receptor que intercambian información y mensajes entre sí. Por eso, la marca que comunica debe conocer al receptor de sus mensajes: su Buyer persona.
¿Cuáles son sus intereses? ¿Cómo se comporta la persona? ¿Qué tipo de imágenes se comunican mejor con ella? Conocer el Buyer persona hace que la comunicación visual sea más enfocada, interesante y atractiva para la audiencia y ayuda a crear una conexión entre la marca y los consumidores.
Comprende el poder de la semiótica y los colores
Desarrollar una comunicación visual eficiente requiere conocimientos sobre semiótica, psicología del color, entre otras teorías de la imagen.
La semiótica trata de varios temas, incluidos las teorías del color, que también cargan significados y provocan sensaciones. Con ese conocimiento, los estrategas podemos tomar decisiones más conscientes en la comunicación visual para transmitir lo que quiere la marca.
Uno de los ejemplos más llamativos del uso de la comunicación visual, que permite innumerables análisis semióticos, son las fotografías realizadas por Oliviero Toscani para la marca United Colors of Benetton. Apuntan directamente a los prejuicios que carga la sociedad.
Simplifica y clasifica la información
La contaminación visual es enemiga de la comunicación, a menos que tenga el propósito de transmitir alguna sensación. En general, se aplica la regla: menos es más. Siempre debes simplificar la información visual que deseas transmitir.
Además, la comunicación visual, organiza las imágenes en la comunicación, comprende qué es más importante y crea una jerarquía. De esa manera, puedes transmitir más rápidamente lo que es más relevante para tu marca.
Una de las premisas de la usabilidad web es no hacer pensar al usuario. Cuanto menos necesite hacer un esfuerzo para comprender y ejecutar alguna acción, mejor. Por eso es fundamental utilizar estándares web en UX Design, que hagan que las acciones de los usuarios sean prácticamente automáticas.
Hoy en día, todo el mundo entiende, por ejemplo, que tres franjas paralelas representan el menú de un sitio web, el «menú de hamburguesa», que se emplea especialmente en dispositivos móviles.
Otro ejemplo de un patrón web es el cambio de color del texto al pasar el cursor sobre él: cuando eso sucede, el usuario sabe que tiene un enlace a otro contenido.
Storytelling visual es la estrategia de contar historias a través de imágenes. Por supuesto, eso no es nada nuevo en el mundo, piensa de nuevo en las artes rupestres que retrataban rituales y escenas cotidianas.
Pero, en marketing, el storytelling ya es una estrategia relevante para enganchar a la audiencia. Cuando esa estrategia se combina con las imágenes, el engagement tiende a fortalecerse.
Estamos hablando, por ejemplo, de contar historias visuales en tus publicaciones en las redes sociales. El lenguaje verbal puede aparecer, por supuesto, pero es la comunicación visual lo que atrae y encanta.
Las películas de la Patagonia son buenos ejemplos de narración visual. Traen historias e imágenes encantadoras que transmiten la esencia de la marca y enganchan a la audiencia en torno a sus valores.
Como podrás ver, la comunicación visual no puede tratarse solo como un accesorio del marketing: está en el corazón de la comunicación de la marca con el público.
En el mundo actual, las imágenes son aún más importantes para transmitir información y crear sensaciones rápidamente, con el fin de establecer una conexión inmediata con el consumidor.
Por eso, el Marketing de Contenidos, como una de las principales estrategias de marketing digital, tampoco puede ignorar la comunicación visual.
Sin embargo, muchas marcas entienden que el contenido se limita al texto, lo cual es un gran error. Mi sugerencia es que aproveches el branding al máximo y lo utilices siempre en tu estrategia digital.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
Las decisiones sobre el canal de comercialización se encuentran entre las más importantes que debe tomar la administración, pues afecta de manera directa a todas las otras decisiones de marketing. Los precios de una compañía dependen de si usa comercializadores masivos o tiendas especializadas de alta calidad. El personal de ventas y la publicidad dependen de cuánta persuasión, entrenamiento y motivación requieren los distribuidores. El desarrollo o la adquisición de ciertos productos nuevos puede depender de lo bien que correspondan a las capacidades de los miembros del canal.
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La distribución: Comprende actividades de traspaso de los bienes desde los productores hasta los usuarios finales. No solo abarca las actividades físicas como almacenamiento y transportación de los bienes, sino también las de tipo legal, promocional y financiero, que se realizan en el curso de la transferencia de la propiedad con la participación de otros comerciantes o agentes.
Si el productor puede diferenciar su mercancía en formas que sean importantes para el consumidor final, ejercerá un poder considerable para controlar toda la secuencia de transferencias de la propiedad. Pero si tiene poca oportunidad de diferenciarlo, ejercerá muy poco control sobre esta secuencia, la cual será controlada por los intermediarios o los compradores finales.
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Canales de mercadeo o de distribución
Se define como la trayectoria que se sigue para el traspaso directo o indirecto de la propiedad de un producto, cuando este pasa desde el productor hasta el consumidor final.
El productor o fabricante: En cualquier canal de mercadeo, el productor es el que encabeza la sucesión de transferencias o transacciones que ocurren cuando el producto se mueve hacia el mercado.
Los intermediarios: Desempeñan actividades relacionadas con la compra y la venta de los bienes, están ubicados en puntos intermedios entre el consumidor y el productor. Se los consideran como extensiones de los fabricantes, ya que si estos no existieran los mismos productores, debieran realizar esa función, y los compradores carecerían de esta fuente de abastecimiento. Hay que diferenciarlos entre Comerciante y Agentes. Los primeros adquieren el derecho de propiedad sobre la mercancía y los segundos negocian la compra o la venta, pero no adquieren los bienes.
Minoristas y Mayoristas: Un minorista puede ser un comerciante o un agente cuyo negocio principal es vender directamente al consumidor final. Los mayoristas compran por cuenta propia la mercancía y la revenden a los minoristas o a clientes y usuarios industriales, comerciales o institucionales, pero no venden cantidades significativas al consumidor final.
El comercio al por menor o minorista comprende las actividades necesarias para vender directamente al consumidor final. El comercio al por mayor o mayorista recoge así mismo las actividades necesarias de venta pero para compradores distintos al consumidor final.
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Existen varios tipos de mayoristas, por ejemplo:
Mayoristas de mercancía general: Son comerciantes que manejan un surtido general de mercaderías en dos o más líneas no relacionadas entre sí.
Mayoristas de líneas generales: Tienen un amplio surtido de artículos de una sola línea de mercancía, pero también pueden manejar cantidades limitadas de bienes en líneas íntimamente relacionadas.
Mayoristas especializados: Vende solo parte se una línea de mercancías, pero dentro de la limitación de lo que ofrece, tiene un surtido muy completo.
Los agentes intermediarios:Usualmente, se dedican al comercio al por mayor. Ayudan a negociar ventas o compras, o ambas cosas, en nombre de sus principales. Por lo general no representan a ambas partes en la misma transacción y perciben una comisión u honorario. A diferencia de los mayoristas ordinarios, estos no adquieren las mercancías a título personal y los hay de varios tipos:
Corredores: Es un agente que representa al comprador o vendedor para negociar compras o ventas sin manejar físicamente los bienes de que se traten. Usualmente, está bien informado sobre las condiciones que prevalecen en los mercados específicos. No tiene facultades sobre precios, condiciones de negociación, o regateo.
Casas comisionistas: Son agentes que ejercen el control físico sobre los bienes que pertenecen a su principal y negocian su venta. Gozan de amplios poderes sobre precios y condiciones. Generalmente, dispone la entrega, otorga créditos, cobra y luego de deducir su comisión, remite el saldo al principal.
Representante: Es un agente que mantiene una relación contractual de largo plazo con el principal, maneja las ventas dentro de un territorio exclusivo, representa a productores con líneas no competitivas, pero afines, posee autoridad limitada con respecto a precios y condiciones de venta. Generalmente, no tiene control físico sobre los inventarios.
Agentes de ventas: Opera en base de un contrato a largo plazo, negocia todas las ventas de una línea específica o de toda la producción, por lo general ejerce autoridad plena con respecto a precios y condiciones de venta, no está limitado por el territorio o área de mercado.
Compradores residentes: Son agentes independientes que representan únicamente al comprador, se especializan en abastecimientos para los minoristas y reciben comisiones u honorarios.
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De igual manera, existen varias clases de minoristas, los más comunes son:
La tienda independiente: Cualquier unidad de comercio al por menor, usualmente de propiedad de un individuo y controlada por su propietario o administrador. Hay tiendas independientes, grandes y pequeñas, se ubican en distintas áreas estratégicas y abren durante muchas horas todos los días de la semana. Ofrecen una línea limitada de bienes de uso común de gran demanda.
El almacén general: Es una de las formas más antiguas del comercio independiente al por menor; se dedica a la venta de un surtido general de mercancías, sobre todo comestibles, y líneas de importancia secundaria como artículos de costura, ropa, materiales para granjas, y combustibles, compran a los mayoristas o distribuidores por lo que sus precios son un poco más altos.
Tiendas de especialidad: Ofrece una estrecha línea de productos con una amplia selección dentro de esta. El mayor empleo de la segmentación del mercado, la selección de un mercado meta y la especialización del producto han provocado una mayor necesidad de tiendas que se centren en productos y segmentos específicos.
Los almacenes o tiendas por departamentos: Son unidades grandes de negocios al por menor y que maneja una amplia variedad de bienes de selección y especialidades, por lo general ropa y artículos para el hogar, se organiza por departamentos separados para fines de promoción, servicio y control.
Los supermercados: Son tiendas de autoservicio grandes, de bajos costos, bajos márgenes de ganancias y grandes volúmenes, que ofrecen una amplia variedad de productos alimentarios y artículos para el hogar. Dentro de estas están los hipermercados. No solo ofrecen bienes de consumo rutinarios, sino también muebles, electrodomésticos, ropa y más artículos.
Los centros comerciales: Es un grupo de comercios al detalle planeados, desarrollados, poseídos y administrados como una unidad; por lo general cuenta con una tienda por departamentos con mercancía barata, un supermercado, tiendas de especialidad, farmacia, ferretería, peluquería, tintorería, oficias y un banco.
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Otras formas de menudeo fuera de tiendas y ventas directas:
Vendedores de puerta a puerta: Descienden de los buhoneros o vendedores ambulantes, pero se diferencian de estos porque no son independientes como sus antecesores, hoy trabajan para fabricantes o distribuidores en calidad de empleados comisionistas. Los vendedores actuales limitan sus ofertas a un número pequeño de artículos dentro de una sola línea de mercancía. La venta puerta a puerta elimina los gastos de operar tiendas de ventas al por menor.
Ventas automáticas: Son poco conocidas en nuestro medio; sin embargo, la más difundida es las máquinas monederos que ofrecen productos en lugares estratégicos.
Mercadotecnia directa: utiliza diversos medios publicitarios para tener un contacto directo con los consumidores, solicitando por lo general una respuesta directa por parte de estos. Existen las ventas por catálogo, por correo, por telemercadeo, por televisión y por medios electrónicos como Internet.
Negocios de servicios: Para ciertos negocios, la “línea de producto” es en realidad un servicio. Los detallistas de servicios son los hoteles y moteles, bancos, líneas aéreas, universidades, hospitales, cines, talleres de reparación, restaurantes, etc.
Comportamiento y organización del canal
Los canales de comercialización son algo más que simples empresas unidas por diversos flujos, son complejos sistemas de comportamiento donde los individuos actúan en busca de los intereses personales, de la empresa y del canal. Algunos canales son interacciones informales vagamente organizados, mientras que otros son sistemas de interacción con fortaleza estructural y organizacional. Los canales son dinámicos y eventualmente aparecen nuevos tipos de intermediarios con sistemas novedosos de distribución.
Un canal de distribución está formado por empresas diferentes que se unen para un propósito común, los unos dependen de los otros, cada miembro del canal se especializa en una o varias funciones. Teóricamente y debido a su dependencia, los miembros de un canal deberían trabajar unidos para lograr su meta común, coordinar sus actividades, cooperar para alcanzar el éxito conjunto que es atender y satisfacer al mercado meta; en la práctica, la mayoría de los miembros de un canal buscan los beneficios e intereses propios en el corto plazo y esto genera los llamados conflictos del canal.
La organización de los canales de comercialización: es verticalcuando productores, mayorista y minoristas forman una estructura de distribución que actúa como un sistema unificado; es horizontalcuando empresas del mismo nivel de un canal se organizan para mercadear; y es múltiple cuando la misma empresa establece dos o más canales de distribución para llegar a segmentos específicos de mercado.
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Organización y los niveles del canal
Los canales de distribución pueden identificarse por el número de niveles que lo conforman, es decir, por las capas de intermediarios que participan en una parte del trabajo de acercar el producto al consumidor final. Todos los miembros del canal están vinculados por tipos de flujos: físico, de la propiedad, de pago, de información, y de promoción que pueden complicar el funcionamiento de un canal.
Según Philip Kotler, existen longitudes en un canal medidos por el número de intermediarios y considerando que el productor y el consumidor son participantes:
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Diseño del canal
Los fabricantes afrontan serios problemas para diseñar el canal de comercialización que combine lo ideal y lo práctico. Las empresas nuevas carecen de recursos para distribuir directamente y necesariamente deberán convencer a los intermediarios para que comercialicen sus líneas de productos en un mercado reducido. Cuando tienen éxito, es probable que incorporen nuevos mercados y decidan sobre canales de diferente dimensión para las distintas áreas de cobertura. En mercados pequeños puede vender directamente a los detallistas y en los más grandes por medio de distribuidores.
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Los factores que intervienen en el diseño de un canal son los siguientes:
Análisis de las necesidades de servicio al consumidor: La compañía debe equilibrar las necesidades de servicio al consumidor, la factibilidad y el costo de satisfacerlas. Los diferentes segmentos requieren diferentes niveles de servicio.
Determinación de los objetivos y restricciones del canal: Los objetivos del canal se ven influenciados por la naturaleza de sus productos, las características de la empresa, las capacidades de los intermediarios, los canales usados por los competidores y las condiciones del medio externo.
Identificación de las principales alternativas: Las compañías deberán decidir sobre los tipos de intermediarios, el número de ellos, la responsabilidad de los miembros del canal y las estrategias comerciales (intensiva, exclusiva o selectiva).
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Colocación de productos o distribución física
Corresponde a planear, instrumentar y controlar el flujo físico de las mercancías desde su origen hasta los puntos de venta al consumidor, de manera que satisfaga las necesidades y genere ganancias.
El mayor costo de la colocación de los productos corresponde a la transportación, seguido por el control de los inventarios, el almacenamiento y los despachos de pedidos, más el servicio posventa. La distribución física no es solo costos, es además una poderosa herramienta para generar demanda.
Ningún sistema de distribución puede maximizar el servicio al cliente y a la vez minimizar los costos. Un nivel de máximo servicio al cliente demanda grandes inventarios, mejores medios de transporte y muchas bodegas, lo cual eleva los costos de distribución. Por el contrario, un mínimo de costos de distribución implica, inventarios bajos, medios de transporte baratos y pocas bodegas.
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Erick Hurtado Ballivián Boliviano, profesional en Comunicación, Marketing y Publicidad. Vive en Santa Cruz de la Sierra. Director de laAGENCIA DE MARKETING CLICK Conferencista, Docente y Capacitador de Estrategias de Marketing / Apasionado por el Branding y el Marketing de Contenidos.
